印尼行為藝術先鋒麥拉蒂蘇若道默： 以身體重構世界的詩意哲學家

麥拉蒂蘇若道默（Melati Suryodarmo）於1969年出生於印尼文化古都梭羅，創作根植於爪哇深厚的泛靈論傳統，卻以極具當代性的身體語言，在全球藝術界掀起對人性、生態與社會結構的深刻反思，也因此被譽為當代東南亞最具影響力的行為藝術家與編舞家。

麥拉蒂的表演天份來自其豐厚的家學淵源：父母親都是舞者，而自幼習舞的她，也在長大後學習了太極與爪哇冥想，並在大學主修國際關係、還參與了反蘇哈托學運。而她的西方藝術啟蒙則始於德國布倫瑞克藝術學院（Braunschweig University of Art）（1994-2001），師從「行為藝術教母」瑪莉娜．阿布拉莫維奇（Marina Abramović）與日本舞踏大師古川杏子（Anzu Furukawa）。

求學時期的麥拉蒂．蘇若道默與「行為藝術教母」瑪莉娜．阿布拉莫維奇（圖片來源：藝術家提供）

這樣融合東西方的經歷，形塑了她獨特的創作方法論：將舞踏的「暗黑身體美學」與歐洲觀念藝術的批判性結合，發展出介於舞蹈、行為藝術與裝置藝術的跨域實踐。她曾在多次訪談中提及，德國經驗幫助她將爪哇儀式美學提煉為當代藝術語言，並重新定義身體在表演中的哲學維度——這與評論界歸納其「身體作為思想載體」說法相互呼應。

在2001年的《為什麼讓雞跑？》（Why Let the Chicken Run？）中，她於室內繞圈追逐一隻雞，以此詰問人生中那些徒勞無盡的追尋；在2005年的《黑球》（The Black Ball）中，她手持黑球，靜坐於高懸美術館牆面的椅子上，紋風不動地持續表演8小時；而2012年的作品《我是我房屋中的鬼魂》（I am a Ghost In My Own House）中，她身著素白長袍，置身於環繞的木炭堆間，手持重石反覆碾磨桌上的木炭直至粉碎，隨著時間推移，炭黑污漬漸漸侵染她的衣袍、肌膚與面容，整整12小時，她不飲不歇，任憑自身在持續的勞作中愈顯疲憊滄桑，展場中觀眾來去匆匆，有人駐足相伴，有人難忍而離，無論觀者如何反應，都成麥拉蒂演出不可或缺的部分——她透過粉碎「木炭」這種蘊含能量的物質，隱喻生命中無可避免的消逝與缺憾。

代表作品《我是我房屋中的鬼魂》（I am a Ghost in My Own House）（圖片來源：藝術家提供）

而麥拉蒂另一支著名作品，是2000年發表於柏林赫伯劇場（HAU Hebbel am Ufer）的《奶油之舞》（Exergie-Butter Dance）——藝術家腳踏紅色高跟鞋，在巨型奶油磚上隨著印尼傳統樂音翩然起舞，起初舞姿優雅從容，待奶油逐漸融化，她便不斷滑倒、爬起、再舞、再摔，將這震撼人心的循環赤裸呈現，作品直指生命真諦：跌倒無妨，重要的是每一次重新站起的勇氣。2012年，這段表演影片被網友配上流星巨星愛黛兒（Adele）的〈Someone Like You〉 後爆紅網路，創下百萬點閱，《紐約時報》更專文盛讚她為「印尼最耀眼的藝術家之一」，這個網路混搭作品的橫空出世，也意外引起藝術界之外普羅大眾對「何謂行為藝術」之探討。

代表作品《奶油之舞》（Exergie – Butter Dance）（圖片來源：藝術家提供）

在麥拉蒂的表演中，藝術家將儀式性轉化為當代語彙，並體現在其創作生涯的兩大軸線：一是對「身體物質性」的持續探究，通過長時間的耐力表演（如經典作品 《為什麼讓雞跑？》，質問肉身的極限與社會規訓；二是對印尼傳統文化的當代詮釋，如從皮影戲汲取敘事結構，或將印度教神廟中的獻祭儀式轉譯為公共空間的行為藝術。

麥拉蒂的藝術足跡也遍及世界重要當代藝術展場——從2003年威尼斯雙年展、2007年威尼斯當代舞蹈雙年展、到2016 年新加坡雙年展的當代語境。而麥拉蒂不僅是創作者，更是印尼當代藝術生態的關鍵推手：2007年，她在梭羅創辦PALA 和「不名領土（Undisclosed Territory）藝術節」，將家鄉轉化為實驗性表演的孵化器；自2012年起，她成立了Studio Plesungan Arts Collective，持續拓展實驗藝術的邊界；而在2017年擔任雅加達雙年展藝術總監時，她引入“Jiwa”（靈魂）概念，廣泛探索生命力、能量，以及個體、社會、物體和自然之間的關係，挑戰以人為本的藝術史觀；而她也接掌了印尼文化部「2022/2024 印尼敘事（Indonesia Bertutur）雙年藝術節」的藝術總監，持續推動了行為藝術、舞蹈和跨文化的對話，並透過「文化行動者」身份，帶入其社會參與的精神。

在2023年首演的《斷片》(LAPSE)，由印尼、臺灣、新加坡藝術家共同合作，最初以兩部實驗電影形式發展，後來成為結合現場舞蹈、聲音裝置的沉浸式表演。作品以「系統性崩壞」為核心隱喻，透過身體的失控與重組，映射當代科技社會的倫理衰退與生態危機。假如宇宙終將從秩序走向混沌，但麥拉蒂在舞蹈中提出反論——混亂可能是創造的必要條件，在作品中，舞者以扭曲的軀幹擠壓地板，用抽搐的肢體語言再現社會機制的斷裂，而另一方面，新加坡聲音藝術家袁志偉的實驗音樂，構建出聽覺上的「有序混沌」，呼應舞蹈的物理性張力。

麥拉蒂在《斷片》中融入獨特的跨文化身體語彙，由印尼舞者拉贊・維若桑佐佐約（Razan Wirjosandjojo）飾演白色毛怪、梅克拉婷魯姆・哈普莎莉（Mekratingrum Hapsari）為人類女性的角色、 伊・科芒・特里・雷・德萬塔拉（I Komang Tri Ray Dewantara）則扮演錫人，而來自臺灣的舞者賴有豐（Yu-Fong Lai）則擔任人類男性的角色，他們從各自的身體訓練出發，運用不同的流勢動線，與爪哇舞蹈的獨特質地交織，以近乎巫覡的儀式性能量，累積出多元身體語彙的碰撞。

對臺灣觀眾而言，《斷片》的啟發性在於其對「亞洲性」的重新定義——作品拒絕將東方身體奇觀化，轉而挖掘島嶼地理孕育的共通美學：舞者的動能以電音節奏解構線性時間、呈現科幻元素的聲景，透過編織身體與環境之間的變形關係，營造出一種懸浮於荒謬現實中的詩意氛圍，讓觀者沉浸在一種既虛幻又真實的感官體驗中。麥拉蒂表示：「希望觀眾能夠深度體驗一種獨特的感受，以及真正意義上的「Rasa」體驗」，而印尼語「Rasa」不僅指感覺和情感，也意指深層的情感或體驗緊密相連，甚至與自然法則有著深刻的聯繫，這種體驗強調觀眾與作品產生共鳴。

麥拉蒂的創作，始終徘徊在毀滅與重生、傳統與前衛、個體與群體的辯證之間，《斷片》如同當代社會的隱喻劇場，邀請我們直視系統崩解的廢墟，卻在瓦礫中瞥見重構的可能。當全球藝術界陷入科技崇拜的狂熱時，她以身體為媒介，證明最古老的表演形式，仍能尖銳叩問最迫切的當代命題。正如她在訪問中所提到的：「我們不必局限於傳統與當代這樣的虛假二分法，這也不是兩個相互競爭的問題。即使是《斷片》也以動物作為象徵，借鑒了古老的印尼信仰，比如作品中的金翅鳥形象就是我們的國家象徵和權力像徵」，而她總結道：「傳統不是異國情調或敵人，它一直伴隨著我們，我們不能被機制所束縛，而要重新與自己的傳統產生聯繫，面對文化遺產認識自己，以此發展藝術的未來。」