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2024/10/17
「Curatoké ：表演策展人學院」講座文字側記 策展進行式：持續變動中的日常與藝術生態I
時間｜2024年8月25日（日）16:00-17:30
講者｜丹尼爾．布蘭加．古貝（Daniel Blanga Gubbay）、傑夫．可汗（Jeff Khan）、Faith Tan（※為依英文姓氏字母排序。）
主持人｜林人中
側記｜王翊萱
「亞當計畫」是由臺北表演藝術中心、國家文化基金會、國家文化藝術基金會耗費多年籌劃的人才培育課程，旨在利用表演藝術機構在業界中的人才培育功能，推動下一個世代的表演策展人，更帶領臺灣的表演藝術團隊、策展人學習策展思維。該計劃邀請了六位資深的策展人導師，以及八位年輕的策展學員，學員中四位來自臺灣，另外四位分別來自愛沙尼亞、印尼、香港、澳洲，多元的背景使學員能在縱向地從老師學習之外，橫向地和彼此交流與學習。
除了內部訓練課程外，此次舉辦向公眾開放的「Curatoké ：表演策展人學院」系列講座。「Curatoké」這個名字由策展（curate）跟karaoke結合，講座主題為「持續變動中的日常與藝術生態」，此藝術生態系統可解釋為講者在各自的國家和地區中，如何以策展作為一種方法、表演作為一種工具，來和當地觀眾對話。本場講座邀請了新加坡濱海藝術中心節目策劃總監 Faith Tan、澳洲墨爾本亞太表演藝術三年展創意總監 Jeff Khan以及布魯塞爾藝術節聯合藝術總監之一的 Daniel Blanga Gubbay。
Jeff Khan
自幼成長於澳洲邊陲城市的Jeff格外渴望人與人之間的連結、體驗不同的地區文化，這種性格對他的策展生涯有很大的影響。亞太表演藝術三年展（Asia TOPA Radar）最初於2019年開展，籌備這個大型藝術節讓Jeff和其機構學習到了很多寶貴的經驗，可惜的是2022年舉辦時受到疫情影響，活動沒辦法如常進行。
下一屆的亞太表演藝術三年展將於2025年舉辦。Jeff提到，如果只是在藝術中心辦活動的話較缺乏活力，藝術中心裡的作品通常都是經典的西方形式，如芭蕾等，若三年展的話會重新思考於藝術中心策展的意義。
亞太表演藝術三年展代表了當代的亞洲。過往，藝術節往往從澳洲或亞洲的觀點出發，Jeff作為一個做了十五年亞洲研究的策展人，希望能通過這個三年展探討澳洲的地位，以及澳洲自身的文化論述：身為亞太的一環、又具有英國的殖民歷史。目前澳洲的文化機構受到過去殖民影響，幾乎都由白人主導，且當代藝術和感知都深受歐洲影響。因此，Jeff希望三年展能思考澳洲的文化傳統，譬如受殖民前原住民自身長遠的文化，作為當地藝術家創作的根源。以這個思維出發的三年展，希望能思考文化的傳承、「好鄰國」的概念，近一步討論人們如何跨國凝聚、甚至通過三年展創造新的關係。
三年展的特色是各屆之間的時間間隔較長，有足夠的時間委託創作，從作品發想期間就給予支持，保留適當的製作週期。在這之中最有挑戰性的是如何與當地社群產生連結，令Jeff思考該如何串連起亞太地區的創作者和觀眾，鼓勵藝術家間的交流、深化討論，使三年展變得更加豐富，更恰如其實地呼應了當地的脈絡。
構思三年展的概念時，Jeff也會思考澳洲當地與國際藝術家間的關聯，此外，更會將澳洲藝術界中的政治納入考量，譬如墨爾本的藝術活動時程是非常緊湊的，必須在這之中選擇要強調誰的聲音，以及決定三年展的角色。許多澳洲藝術家都有亞太的背景，Jeff在三年展中也格外強調這些聲音，互相深化亞太之間的關係。把澳洲視為亞太國家時，澳洲原住民的地位便無法忽視，也因此必須將原住民放在創作中心、產生連結，這即是Jeff的策展理念。三年展中有件作品更基於亞太之間的淵源，結合了臺灣與澳洲的原住民歷史，能幫助澳洲人了解自己在這個地區中的文化角色。
Jeff一直都在亞太地區工作，負責三年展之前，Jeff在雪梨的表演藝術中心負責年度藝術節Liveworks，並開始著重實驗性的策展法。在當時的澳洲藝術舞台中，亞太文化是相當稀少的，是Jeff注意到了這些鄰近國家的作品，並注意到這些藝術家大多去過歐美展演，卻不曾至澳洲發展過，因此Jeff邀請他們到澳洲演出，試圖製造文化間的對話，打造更穩定且深入的聯繫平台。具體做法如每屆演出時都把過往的藝術家邀請到澳洲，使藝術家和澳洲脈絡間產生更深的互動，也能更深入地了解他們。此次來臺參與亞當計劃前，Jeff亦事先研究了臺灣的藝術，這份研究的厚度跟知識都是策展三年展時的重點。
photo ©Grace Lin
Daniel Blanga Gubbay
Daniel以布魯塞爾為據點，目前擔任布魯塞爾藝術節聯合藝術總監。布魯塞爾藝術節於每年五月舉行，已有三十年的歷史。除了希望在布魯塞爾成立巨大的藝術節之外，由於布魯塞爾有法語區和荷蘭語區共存，但先前沒有機構能幫助兩個文化區交流，布魯塞爾藝術節主辦方便希望深化兩個區域間的理解，更支持藝術創作，並且探討於城市中舉辦藝術節的意義。
藝術節於20個場館舉行。布魯塞爾可說是歐洲的首都，因此他們希望能邀請國際的藝術家來進行交流，不要求藝術家必須來自於布魯塞爾。布魯塞爾藝術節成立於90年代，與當時相比，現在布魯塞爾儼然成為一個更加多元的城市，使得策展人需要重新思考布魯塞爾藝術節的意義。
這是一個創作型的藝術節，大部分作品都是首演，經由共製或委託製作。策展人並非選擇作品，而是培養作品：支持藝術家的創作流程，發現作品中的未知並與之共存，使藝術家能承擔更多風險、做更多實驗、找到新語彙，這就是藝術節陪伴藝術家的方式。不單針對新銳藝術家，已經相當成熟的藝術家也能在這個藝術節中挑戰職涯未曾做過的事，這對創作者來說是相當困難的，但Daniel認為需要挑戰過往的創作、挑戰觀眾才能經驗更多可能性。
所謂共製包含了布魯塞爾及其他國際夥伴，討論該如何一同協助藝術家打造更有野心的作品，嘗試更困難的製作。每年有30到35個計畫同時進行，不同屆的計畫也會彼此重疊，這也導致同一個作品會有很多版本。這些計畫實際執行起來很複雜也很刺激，Daniel受其深深吸引。藝術節也鼓勵實驗，建立在和藝術家的信任關係上，隨著流動的創作量能，一同探索尚未充分理解的答案。Daniel強調因為藝術節的經費來自於納稅人，藝術節活動必須提供給所有民眾，面對政府和媒體時，更必須捍衛藝術節的開放性。
布魯塞爾藝術節聚焦於打破「在地」和「國際」的二分法，參加藝術節的大部分藝術家不以布魯塞爾為據點，也因此Daniel認為在地和非在地的區分在政治上過於狹隘了，這種二分法的限制使其無法真正反映政治現實。若安排了過於費解的作品也許會被批評為菁英主義，但比起民粹主義地要求所有觀眾都對藝術節抱持正面態度，身為公共機構，藝術節期望作品能帶動公共的討論，該維護的是討論的自由，而非全然的正面評價。
在不斷變化的布魯塞爾，Daniel嘗試傾聽城市的演變，並思考藝術節該如何回應？藝術創作是如何反映出城市變化，同時自身也在改變中？數年前開始，他發現和從事藝術教學的藝術家共事比例不斷增加，這些藝術家開設了虛構的學校和課程，通過這些觀察，他主張不該把「分享知識的展演」叫做工作坊，嘗試以「Free School」的形式，討論新的知識分享方式，更免費開放給大眾。
歐洲的知識分享常常被口語化、量化，某些知識也會因霸權而被隱藏，Daniel希望能有更多元的方式來吸收這些肉眼不可見的知識。身為藝術節策展人，他歡迎各式各樣的計畫，主辦活動外，也以客座身份參與策展實踐。藝術節並非建立在全民的共識上，但不論是在策展實踐或知識方面，都能促進激發思考的討論，這也是行動者的使命。
photo ©Grace Lin
Faith Tan
Faith是新加坡濱海藝術中心的舞蹈及表演藝術的策劃總監，從重製到新作委託製作、獨立製作到大機構都有負責過。Faith採取發展式的策展，著重於藝術發展與觀眾培養。她所籌劃的節目形式非常多元，旨在支持當代編舞家，她支持的編舞家裡有些人原先沒有得到任何補助。Faith希望人們能拓展視野再定義「什麼是當代」，而不屈從於主流的西方論述。
濱海藝術中心包含了三個主要場館，有兩千個座位的劇場、一千個座位的演奏廳及一個排練室，Faith也坦承了排練室空間較小的隱憂。另外，也設立戶外的劇場，以藝術中心起始，於海濱建立了巨大的文化區。Faith必須思考整年的節目安排，新加坡的國際藝術節是一大亮點，但在藝術節之外的時間也要吸引觀眾；以及，如何建立新加坡人觀看表演藝術的習慣，疫情期間人們習慣觀看線上的表演，所以使觀眾願意到現場是很大的難題。
於新加坡開展國際藝術節的主要目的為推廣當地的藝術，Faith認為藝術中心應和當地人、當地文化息息相關。在僅僅59年的歷史中，新加坡累積了多元的文化，許多來自各國的人會為工作搬到新加坡，藝術中心的節目安排也依循著這個社會背景。新加坡曾經受到英國殖民，所以日常生活許多面向都使用到英語，這也直接影響了濱海藝術中心的運作方式。
新加坡的表演藝術經費不仰賴捐款或基金會，而是來自政府的大力補助。新加坡的藝文設施是屬於基礎建設的一環，約於2000年完成，規模龐大，這也是新加坡藝文政策的一大里程碑。濱海藝術中心的團隊在實作中學習專業，近期更開始訓練技術人員和亞洲其他地區的人才，以基礎建設為開端，摸索該如何籌劃與新加坡當地相關的節目。
國際藝術節總共有30個不同的節目，其中包含了兒童藝術節，也配合了學校課程設計活動。這些節目由40個節目負責人籌備，其中包含初出茅廬的策展人、主導的資深策展人。節目策劃有團隊式的，或由負責人獨立策展。藝術中心的主管支持員工、且致力於經驗傳承，使每個人都發揮自己價值和貢獻。最困難的是實際執行、專案管理和作品製作，巨大的工作量使得策展人難以專注在研究中。
過去的藝術只為菁英服務，為推翻這個印象，新加坡政府所補助的節目是與民眾關係密切的，因此，在設計節目時必須考量到當地的需求，例如在空間開放的濱海藝術中心，提供社區免費的綠地、廣場。藝術中心亦持續開發不同的互動方式，節目種類多元，其主要方向為社會需求、福祉、社會包容，籌劃時會考量到下一代藝術家及節目策劃人才，以及節目的永續使用，為此建立了數位檔案庫，將節目建檔、保存，令新加坡外的人也能欣賞這些作品。此外，更將未來的藝術發展納入考慮，延伸到對亞洲藝術家的關懷。
基於新加坡的三大種族特色，藝術中心也安排了印度、馬來、華人三種文化的藝術節，委託各個文化的藝術家來製作。Faith的工作主要著重於舞蹈節目，每個週末都安排了不同主題，跳脫傳統藝術節的框架，充斥了豐富的形式，她希望觀眾能聚焦在各個議題，帶動更多對話和思考，並與其他主題互相連結。受消費思維主宰的現代，人們忽略了藝術實踐及舞台上的藝術元素，因此Faith希望藝術家有機會能跟觀眾介紹他們的創作過程，所以提供了一個「Connect Asia Now」的平台，催生對話，藉此將新加坡的藝術實踐推廣給國際策展人。
以亞洲為主題策展時，有兩大考慮層面：一是政府內容審查制度，某些藝術家有可能會失去創作的經費，這對於表演策畫者來說是需要小心維護的；二是該如何拿到政府補助之外的經費，有些地區對於當代藝術的補助經費較少，在這些地區裡必須找到更廣的觀眾群。這個現象凸顯出了亞洲藝術的矛盾狀態：藝術家希望得到更多觀眾的支持和認可，但觀眾會陷入既有的觀念中，以異國或殖民的視角來觀看作品。
Faith身為節目編排人，不希望重演這些疑慮，因此她邀請諸如Elsa Jocson、Mali Bucha等藝術家到新加坡演出，通過他們的演出，可觀察到新一代的發展，以及承接上下一代之間的聯繫。Faith提供機會讓藝術家嘗試未曾做過的形式，譬如讓視覺藝術家擔任編舞家的身份，包括《Revisor》、《Tree of Codes》等節目。儘管芭蕾是相對經典的藝術形式，但Faith也希望能培養更多亞洲的芭蕾舞者，改善芭蕾中缺乏亞洲舞者的狀態。除展演外，濱海藝術中心亦開展駐村的創作計畫和研究，希望能支持更多不限於特定族群的研究計畫。
photo ©Grace Lin
現場提問
主持人林人中詢問道，臺灣現在的藝術機構漸漸興起，但培養觀眾及國際互動仍是大課題，因此想請問三位策展人在籌備的過程中，為何會想去服務不同的族群，以及三位的策展焦點是如何演進的呢？
Faith認為節目類型必須與空間做連結，舞蹈節是固定舉辦的，因此該問的是「要做的話，該怎麼做」，對空間該考量的是平衡，對節目要思考其意義，對觀眾著重的是培養與開發。Jeff提到，籌劃節目時難免受限，譬如必須符合大型場館對人數的需求等。利用現有資源支持實驗性作品是很重要的，在陪伴、籌劃之餘也必須仔細觀察。Daniel認為，作為歐洲的藝術節，必須承擔傳統的責任，不單回應、更要挑戰觀眾的期望。劇場是個很適合的場所，劇場演出不只關於觀看、更關於身體，期望與現實間的差異是其一大魅力。在劇場，人們緊密相連，甚至導致看世界的視角轉換。
有觀眾想知道布魯塞爾藝術節的亞洲節目是如何安排的，是否根據主題或地區性來策劃。Daniel回答道，布魯塞爾是創作導向的藝術節，主要從藝術家的觀點出發，所以不牽涉到主題性或地區性。考量到歐洲和布魯塞爾的脈絡，觀看作品的方式往往接近霸權，這也是為何Daniel比起從區域視角出發，更想直接與藝術家建立關聯。另外，現場的田野調查是相當重要的，設計亞洲節目時，必須和在現場及不在現場的同行溝通，Daniel會和同行及其他藝術家請教，進一步瞭解原先陌生的藝術家，這是Daniel做研究的方式，同時，他也強調該建立自己的直覺，認識自己該捍衛什麼。
photo ©Grace Lin
