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2025/04/02
北藝人物：《冬之旅的變形記—談爵士台語版冬之旅的改編》
本次北藝嚴選講座以改編自舒伯特《冬之旅》的劇作《末日前的冬之旅》為題，由擔負改編「爵士版」編曲的薩克斯風演奏家謝明諺現身說法，與廣播主持人、《舒伯特的冬之旅：一種迷戀的剖析》譯者吳家恆的提綱挈領，讓觀眾對於這場音樂與語言雙重轉譯的演出更感興趣。這不只是一場談音樂的講座，更像一場深度導聆與編曲拆解實作——從德語藝術歌曲到台語創作、從古典聲樂到爵士即興，他們談樂句、說旋律，也談詩句如何變身為劇場中流動的情緒張力。
謝明諺說道，這次爵士版改編任務來自詩人鴻鴻，「以往去看《冬之旅》的演出會看到一架鋼琴與一位歌手的配置，詩人鴻鴻一直希望這個作品可以有劇場式的發展，造就了這個演出——有音樂、舞者、演員、佈景、燈光⋯⋯等等。」鴻鴻用《冬之旅》的精神發展這個演出，舒伯特的音樂其實只是一部分的表現，可以說是「音樂意象劇場」，又或者說是「當代歌劇」。本次三場演出中有一場古典版演出，其他兩場台語演唱的爵士版就更有野心。
從「晚安」出發，走入一場注定孤絕的旅程
吳家恆為觀眾簡述，原本《冬之旅》是 24 首連貫的藝術歌曲，舒伯特以詩人的順序為基底，重新安排曲序與情緒線索。他形容，這像是一場「心理時間」的長旅，觀眾走在主角的情緒軌跡中，一步步走向幻覺與崩潰。《末日前的冬之旅》則在此基礎上，加入導演鴻鴻的戲劇編排，讓曲目與敘事交織。
以《冬之旅》的第一首〈晚安〉為引，帶出原作中那種未曾道別的沉重：「不是當面道別說聲再見，是在對方睡著時，悄悄關門離去的那種晚安。」古典版的《冬之旅》沒有明確的結局，只描述旅人在雪地裡看到一位搖琴人（街頭藝人），在天寒地凍的雪地裡站在村莊的後面，好像在等著這個旅人，我們並不知道這位旅人最終是生是死。
舒伯特的語彙不複雜，多數曲目僅在大調與小調之間轉換，小調用以描繪悲傷的現實，而大調則是呈現回想過去回憶的快樂場景。在有限的和聲選擇中，反而放大了情緒的稠密與深沉。吳家恆接著說明，有時當我們觀賞歌劇、聆聽古典樂，因為和自己的文化有段距離，便覺得聽起來很高尚，「但其實劇情都是是很像八點檔、很芭樂的。」
然而，當謝明諺接手這首作品，並轉化為爵士語彙時，一切開始鬆動。律動進來了，和聲選擇變寬了，一切聽來彷彿不是在走向毀滅，而是正在試著和孤寂共處。他說：「爵士樂並不是穩定的，也沒有固定的節奏或是呼吸，即使是小調，如果搭配不同律動，感覺就完全不一樣。拉丁音樂很多也是小調，但大家聯想到的是熱情，而非哀傷。」這便是轉譯的第一個轉向——不是將悲傷抹去，而是注入一種行走的節奏。
新瓶裝舊酒：層層的編排，疊加新風味
謝明諺說明，原版舒伯特《冬之旅》只有鋼琴與人聲，現在有鋼琴、有貝斯、有鼓、有薩克斯風，可以做編制上的調整，不一定是每一首每個人都要演奏，創造聽感上的豐富度。「我自己是會同時吹次中音薩克斯風、高音薩克斯風、和長笛；歌手的部分也是，不會每首都像古典歌劇那樣用聲樂唱法，有些部分我請歌手用講的、用吼的，或是用念白呈現，人聲有很多可能性，除了演出時長外，其餘沒有什麼限制。」
「改編對我來說，也是詮釋的一種，只是變動比較大。」謝明諺將「音樂」拆解為旋律、和聲、節奏、聲音、曲式五個元素分別解釋，同樣的樂曲使用不同樂器彈奏時，聽起來的感覺也會有所不同。聽起來柔軟或剛硬，也都會影響到聽眾對於聽感的印象。「曲式」看起來很艱深，事實上以文章比喻，即是如何安排文句的編排，「這句話很重要，所以說三次」等等。雖然都是彈同一首曲子，但還是會有各自的詮釋，「在這之中放進更多自己的想像，是我最喜歡做的事情。」
台語與翻譯：不是直譯，而是重新創作
本次的改編牽涉兩種維度，包含將舒伯特的《冬之旅》改編為爵士樂版本，語言的部分亦由詩人鄭順聰將歌詞重新撰寫為台語版本。雖然是製作兩百多年前的藝術作品，但還是希望和我們身處的環境有些呼應與連結，根據臺灣文化脈絡重新創作。「之前播放台語版時，臺下觀眾們都會心一笑，裡面講的詞大家可以抓得住，所以會產生連結。」吳家恆指出，這不是簡單的語言轉換，而是帶有創作意圖的再造：「每首曲子跟原文的距離都不一樣，有些更貼近德文意境，有些則完全跳脫，是重新創作。」
他舉例，在第三首〈凍珠淚〉舒伯特原版的編曲中，每個聲音都比較短促，在原作中描述的意象，是寒冬中無聲的淚滴落下變成冰珠。而在改編的版本中，這樣的場景被台語詞意重新鋪陳，並配上謝明諺以低音提琴為主軸的編曲設計，營造出「淚珠更大、更有重量」的聲響印象。
吳家恆形容爵士版改編〈鬼仔火〉一曲，「有一種港都夜曲、七彩霓虹燈轉來轉去的感覺。」謝明諺解釋，舒伯特的原曲於此是「 Melodic Minor 」（旋律小調），所以上行、下行的時候是不一樣的，而謝明諺選擇將Melodic Minor 改為 Harmonic Minor（和聲小調），「聽起來就更懸疑。」用長笛的音色與飄忽，創造「鬼火」的陰森感，與增添一點點幽默；搭配台語歌詞，因為對於民眾來說是較熟悉的語言，畫面都鮮明了起來。
而到了第 12 首〈孤獨〉與第 15 首〈烏鴉〉，旅人已深陷極寒邊境，連烏鴉盤旋都成為他心中「唯一忠誠的陪伴」。吳家恆描述，「那種感覺其實有點像是當我們身處人群之中，孤身一人的孤獨感，或者可說是更孤絕的一種狀態。」原曲的鋼琴和人聲是分開的，沒什麼關聯，琴聲如心跳般，每一聲都拖著沈重的步伐；謝明諺將此曲以強烈的三連音與非洲節奏感編寫，讓壓迫感與律動性並存，也讓爵士語彙出現某種近似黑色幽默的反差。
爵士編曲的自由與挑戰
整場講座中，謝明諺也不斷分享自己在編曲上的選擇與掙扎。他談到如何用 Double Bass 模擬心跳、如何將簡單旋律編寫成流動的節奏場域，也談到從一晚完成五首，到後期花三天才能完成一首的過程：「每一首都得想新的辦法、找新的樂器組合⋯⋯有時很開心、有時也真的有點吃力。」
