共想吧系列活動：論壇

羅賓．奧林1955年生於約翰尼斯堡，自幼下定決心要以舞蹈、文化改變生態，對抗各種歧視（包括美學歧視） ：從祖魯舞蹈到摩斯．康寧漢，從嘻哈到古典芭蕾…不管是哪一種舞、不管它們來自何方，所有的舞都最棒。而她所展現的美學折衷主義──之於舞蹈與音樂、電影、造型藝術、文學等的「普世主義」－也成為其創作最鮮明的樣貌。

羅賓．奧林1975-1980年間就讀於倫敦當代舞蹈學院（London School of Contemporary Dance，1975-1980），1990-1995年間則進入芝加哥藝術學院（School of the Art Institute of Chicago），隨後於南非開啟身為舞者、編舞家與教師的職業生涯，以作品獨特風格、以及致力於對抗種族隔離政策而在創作中呈現的那種混亂瘋狂，而迅速站上檯面，為人所熟知。

邁入兩千年，羅賓．奧林獲獎不斷的《爸爸，我看了六次了還是不知道他們為什麼要彼此傷害》（Daddy, I’ve seen this piece six times before and I still don’t know why they’re hurting each other）為她建立國際地位，並跟著她巡演歐洲各地。作品嘲諷南非這個年輕國度（所謂「彩虹之國」）面臨的困境與缺陷，以及古典芭蕾成為歧視的媒介，也因此讓法國成為她的創作基地：她在這裡拍攝了首部電影《隱密之美與骯髒歷史》（與法國國立視聽中心、德法公共電視合作，2004）、首齣歌劇「韓德爾合唱劇樂《快板，沉思與中板》」（L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato）（巴黎國家歌劇院，2007）、為來自不同背景的表演者分別創作獨角戲，以及她第一次嘗試戲劇製作──演出尚．惹內（Jean Genet）的《女僕》（巴黎巴士底劇院，2019）。同時她也持續在南非進行創作，如由凱特宏舞團（ 演出的《與無家者的靜物畫》（Still Life with homeless，2007）、與Phuphuma Love Minus 合唱團合作的《踏著別人的腳步》 （Walking next to our shoes，2009）、《美只會維持一下下…》（Beauty remained for just a moment... ，2012），以及與動動舞舞團合作的《我們腳踩無敵風火輪…》（2021）。

對這位創作力豐沛的藝術家來說，她的劇場世界（如我們所見）混雜各式形式語彙與表演類型，在觀眾眼前呈現既歡樂又不安的舞台情境，既帶有創作者本人的政治批判觀點，也如其人般堅韌有彈性，種種元素共同形塑羅賓．奧林作品的獨特。我們同時也可看見幾個主題意象，執著地反覆出現，像是芭蕾舞裙、橘子，或是更令人參不透的鴨子――一隻或一群，大大小小，五顏六色，各式各樣。

在觀眾眼中我是一名舞者、編舞家，但是我認為我是一個說故事的人。透過書寫、劇場、舞蹈，動與靜的樣態，我訴說著我的故事。我在基桑加尼(Kisangani)居住與工作，位於剛果民主共和國，舊稱薩伊，前比屬剛果，前剛果自由邦，更曾是比利時國王利奧波德二世的私有領土。
 

2001年，在世界各地遊歷及工作八年之後，我回到我的故鄉金夏沙(Kinshasa)，成立了Kabako工作室，起初是作為劇場與舞蹈的空間。六年後，我們搬遷至東剛果的基桑加尼(Kisangani)，Kabako工作室的觸角也開始延伸到音樂與影像。要邁向能令我們下一代感到驕傲的未來，我們必須從殖民者凝視的眼光(colonial gaze)中解放出來，用我們自己的方式定義我們的人生，為了邁開這一大步，沒有任何一種藝術形式可以被排除在外。Kabako工作室自成立以來便是剛果與非洲年輕藝術家們的避風港，提供長期的陪伴支持，包含培訓、演出製作及巡演。
 

我的巡演足跡遍及歐洲、非洲、大洋洲以及美洲等地的劇場、藝術節以及博物館，其中包含紐約的現代藝術博物館(MoMA)以大都會博物館(the Metropolitan Museum)、比利時泰爾菲倫(Tervuren)的中非皇家博物館(Royal Museum for Central Africa)、倫敦的泰特現代藝術館(Tate Modern)、法國馬賽的歐洲和地中海文明博物館(MUCEM)、亞維儂藝術節、比利時布魯塞爾國際藝術節、紐西蘭藝術節、沙迦雙年展、 以及巴黎的市立劇院與秋天藝術節等等。
 

我曾任2016年里斯本市的駐地藝術家、2019年荷蘭藝術節的駐節藝術家。也曾獲頒2007年荷蘭克勞斯親王獎文化發展領域最高獎項、2014年柯里史東設計獎(Curry Stone Design Prize)、2018年索羅斯藝術獎學金、以及2019年特伯格/埃利亞松(Tällberg / Eliasson)全球領袖獎。

臺灣當代文化實驗場策展人，前《藝術家》雜誌總編輯。長期關注臺灣當代藝術發展，主要研究領域為藝術觀念及其展演技術的變貌，以及藝術史中的性別議題。近年策畫之展覽為「Re: Play：操／演現場」（2020，「展覽現場」單元）、「勒法利計畫」（2021，入圍第20屆台新藝術獎）、「背陽——情慾伏流及其隱現」（2022，第21屆台新藝術獎第二季提名），以及「超限社會」（2022，第21屆台新藝術獎第四季提名）。

英國萊斯特大學博物館學碩士。臺北市立美術館資深策展人。從2015年起策畫多檔混合形式展演包括《食物箴言：思想與食物》、《愛麗絲的兔子洞：真實生活可理解與不可被理解的交纏》（2015）、《生活帶來的種種愉快與不安之間》（2016）、《社交場── 關於展覽和表演並進的激進表態》（2017）、《讓我們穿透魔鏡，迎向新世界！》（2018）、《池田亮司個展》（2019）、《藍天之下：我們時代的精神狀況》（2020）、《現代驅魔師》（2021）。

露西雅．皮特羅斯蒂為一名策展人，1985年生，其作品聚焦於藝術、生態和系統間的交匯處，並多在畫廊以外的空間進行。皮特羅斯蒂是倫敦蛇形藝廊 General Ecology 計畫的發起者，同時她也擔任該藝廊的生態策略顧問。近期的策展計畫包括：《太陽與海》（Sun & Sea）（2019）、《The Shape of a Circle in the Mind of a Fish》（與Filipa Ramos合作，2018）。近期計畫亦有：第八屆 Gherdeïna 雙年展 Persones Persons（2022年5月至9月，與Filipa Ramos合作）。近期出版著作包括：《Microhabitable》（與 Fernando García-Dory合作，2022）、《More-than-Human》（與Andrés Jaque和Marina Otero Verzier合作，2020）、《Microhabitable》和《PLANTSEX》（2019）。

生於1983年，現居維爾紐斯，是電影製片人、劇場導演以及視覺藝術家。在她的創作實踐中，盧吉兒．巴澤吉凱特（Rugilė Barzdžiukaitė）探索了客觀與想像現實之間的差距，同時以趣味橫生的方式挑戰人類中心主義的思維方式。她最近的長篇紀錄片論文《酸性森林》在羅加諾影展等地獲獎，並在華盛頓國家美術館、紐約市林肯中心、洛杉磯美國電影學會影展和其他許多電影和當代藝術活動和場地上映，《太陽與海》是她在表演領域的最新合作作品。

生於1984年，現居立陶宛，有不同類型、跨學科劇場作品和出版物創作。作為一位作家、劇作家和詩人，她像一位敏銳的人類學家一樣採取行動：在珐伊法．格蘭麗帖（Vaiva Grainytė）的詩意詮釋下，日常社會問題呈現出悖論和陌生化的性質。她的散文集《北京日記》（2012年）和詩集《大猩猩檔案》（2019年）均獲提名為年度最佳書籍，並入選立陶宛最具創意書籍的前十二名。她的作品已被翻譯成10多種語言。她的雙語、跨類型小說《玫瑰與馬鈴薯》（2022年），以幽默幻想的方式解構了當代文化中根深蒂固的幸福觀念。

生於1984年，活躍於立陶宛維爾紐斯和倫敦，表演實踐植根於音樂，並與流行文化、性別刻板印象和懷舊相互輝映。她的作品涉及受過訓練和未受訓練的表演者，通常以歌唱的方式穿越各種類型，如主流音樂和歌劇。歌唱成為一種集體情感事件，質疑脆弱和沉默。她近期和即將到來的展覽包括巴黎的卡地亞當代藝術基金會、特拉維夫藝術博物館、拉脫維亞里加國際當代藝術雙年展、香港大館、格拉斯哥國際藝術節、布魯塞爾國際藝術節、考納斯雙年展、義大利的龐北古城以及里沃利城堡。