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　　在快速變動的當代社會裡「我是誰？」這個問題不再只是哲學命題，而是每個人都在經歷的日常。奈及利亞重量級編舞家庫德斯．奧尼奎庫（Qudus Onikeku）享譽國際的作品《轉轉生》（Re:INCARNATION）以此為核心，透過劇場語彙將「誕生」、「死亡」、「重生」的約魯巴文化核心概念與原汁原味的Afrodance，轉化為兼具感官、美學與殖民歷史思考的舞臺經驗，5月2、3日於臺北表演藝術中心球劇場登場。　　奈及利亞青年文化大興，推動了近年全球黑人藝術表現浪潮，從街舞、流行音樂到時尚產業都被這股能量驅動。《轉轉生》融合了舞蹈、音樂、時尚與視覺藝術，既展現古老約魯巴文化智慧，又纏揉當代奈及利亞年輕世代色彩，重新定義身體與傳統，讓觀眾看到「Black」 不只是某種生物學的膚色，「Afro」也不僅是一種時尚潮流與風格，而更是一套獨特的身體感知系統。傳統未曾遠離 寫在身體裡的文化記憶　　約魯巴族是奈及利亞最大族之一，他們相信生命會不斷輪迴，祖先的精神會代代相承，而音樂與舞蹈是與神靈連結的方式。在《轉轉生》的第一段〈誕生〉，舞者們穿戴檸黃、藍紫等明亮色彩的寬褲、馬甲、髮飾，彷彿以奈及利亞第一大城拉各斯（Lagos）街頭作為場景，展現了當代的街頭派對；第二段〈死亡〉舞者從身覆灰白塵土出場，而後過渡於幾何印花、彩色流蘇服飾，手持木棍旋轉，象徵著成年儀式、祖先或狩獵，呈現死亡如何被複寫以及被重新理解；第三段的〈重生〉中，舞者塗黑並戴上面具，彷彿回到黑暗與祖源之處重新啟動，也讓身體連結至深層的歷史與記憶。　　庫德斯的舞作讓觀眾重新審視「傳統」不是隨歷史遠去的遺產，而是像細胞分裂般存在現代人的肉體中。由Olatunde Obajeun（O.B.A）操刀的現場音樂，混搭了傳統文化中用來與神靈溝通的「說話鼓」（Talking Drum）、當代的電子樂、爵士樂，讓傳統的「Afrobeat」過渡至屬於當代西非流行音樂的「Afrobeats」，也呼應著「過去」與「現在」的重裝。從世界到在地 庫德斯用身體記錄鮮活城市　　庫德斯出生並成長於奈及利亞的最大城市拉各斯，高中畢業後，他先在拉各斯州舞團工作，20歲時前往法國土魯斯，與編舞家海迪．馬蘭（Heddy Maalem）合作。2006至2009年間，進入著名的法國國家馬戲藝術中心（CNAC），並在巴黎成立了自己的第一個舞團 YK Projects，作品叫好叫座並在全球展開巡演。2014年庫德斯決定返回拉各斯並創立The QDanceCenter，培育奈及利亞的藝術人才。　　庫德斯表示《轉轉生》這個作品是他第一次將腦中長久追尋的東西真實呈現出來，回到拉各斯的他以長達6年的時間與年輕人一起展開「身體記憶」的探索，並觀察到當地年輕人既積極擁抱傳統，也同時對流行文化敞開心胸，他們共同開創出一種唯有奈及利亞的新世代才能長出的當代編舞語彙——如催眠般的肢體起伏、流動的手臂線條、憤怒狂喜的大腳步聲。庫德斯說：「這部作品追尋的是一種獨特的『奈及利亞當代美學』，並將年輕人置於這些美學運動的前沿。」　　在庫德斯眼中，拉各斯的日常「非常吵雜、充滿流動」城市中隨處有人在大喊大叫「人們覺得唯有如此，別人才能聽見自己的聲音。」他觀察在拉各斯生活「必須感官全開、用力生存，久了甚至能笑看混亂的發生。那種鮮活的生命力，就是我最喜歡拉各斯的地方。」他想要記錄拉各斯這座城市所有的聲音，因為舞者的身體已與這些聲音詞彙共頻。《轉轉生》作為奈及利亞的當代舞蹈，庫德斯揉合了傳統哲學、城市能量與年輕世代的創意。超越殖民視角 不被定義的愉悅宣言　　「Black life Matters運動時，到處都在談黑人的傷痛，但是我卻沒有感同身受，因為我來自奈及利亞！我想何不來創作一支黑人愉悅（Black Joy Matters）的作品？」庫德斯認為當代的身體都承載著過去與當前的記憶：「我相信身體會記得你的情緒、你的回憶⋯⋯如果身體能夠記得被奴役的創痛，也能記得在淪為奴隸之前的快樂時光。」　　庫德斯以舞者的身體為容器，連結沒有殖民包袱，最原始的奈及利亞民族面貌。他指出：「黑就是黑，可以醜陋也可以美麗，可以是純白可以是一切，不需要透過白來定義黑」他希望建構一種「療癒，並繼續前進的方式」。　　OISTAT國際劇場組織執行長魏琬容指出，當代受殖民經驗影響的社會，普遍都在追問「我是誰？」並試圖以非西方視角尋找屬於自己的身體語言，庫德斯的《轉轉生》援引街頭的活力，結合約魯巴哲學所構築的奈及利亞當代美學，不啻為映照臺灣的「考古題」，既是答案的探索，亦是回應世界的對話方式。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：《轉轉生》編舞家庫德斯．奧尼奎庫（左）、製作人哈茲拉特．阿里（臺北表演藝術中心提供）

　　由臺北表演藝術中心與序場劇本發展中心共同主辦的「台灣國際讀劇節」，將於2026年6月19日至6月28日在北藝中心排練場隆重舉行。　　本次讀劇節以「韓國」為年度主題國家，匯聚台韓兩地12部兼具創作深度與文化代表性的劇作，透過「交換演繹彼此劇本」的創新機制，開啟一場跨越語言與國界的深度文化對話。台韓劇本交流的新里程碑：從單向輸出到雙向對話　　過去台灣與國際之間的戲劇交流，多半停留在單向的作品引介或零星的參訪與製作邀演。相較之下，以劇本為核心，透過專業機制有系統地推動持續發展、雙向流通並進入國際視野的平台，在台灣仍相當稀少。　　2024 年，「序場劇本發展中心」成立，是國內首個以「劇本發展」為主要任務的專業機構，並於隔年成功促成台灣劇作《中學生日常》與《芒果樹不死》登上韓國清州國際讀劇節與首爾藝術中心的舞台，獲得熱烈回響，顯示台灣劇本在國際劇場市場中具有被閱讀、被製作的潛力。　　即將於今年舉辦的「台灣國際讀劇節」，則希望進一步將這樣的交流動能轉化為制度化的平台。讀劇節不僅是作品展示的場域，更具有讓劇本進入國際網絡、展開跨文化對話的重要功能。透過劇本翻譯、公開讀演、國際製作人與策展人交流，以及潛在的共同開發與再製作機會，使劇本得以在不同文化語境中持續對話，逐步建立跨國合作的可能，為台灣劇作開啟更長遠的國際發展路徑。聚焦韓國當代：映照社會現實的文化光譜　　2026「台灣國際讀劇節」將以「韓國系列 × 台灣當代 × 寶島經典 × 講座論壇」四大單元展開。　　「韓國系列」著重引介韓國當代重要劇作，精選6部代表性作品，內容橫跨後設戲劇、社會結構、歷史創傷與當代時事。例如，裴三植的《遠方來的女人》透過個人生命史連結大邱地鐵縱火等社會集體傷痕；尹美賢的《德州姑姑》則深入探討跨國婚姻與移民女性的困境；金桃令的《王瑞凱的故事》則直面戰後的復仇與記憶審判等。這6部劇作將交由台灣深具代表性的團隊如窮劇場、拾念劇集、複象公場等進行詮釋；「台灣當代」劇作則有4部，題材多元，風格迥異，包括赴韓演出的林冠廷《芒果樹不死》、李承寯《中學生日常》，以及臺灣文學獎得主陳巧蓉、魏于嘉的作品，由韓國公立的「忠北劇團」與韓國最高的藝術學府「韓國藝術綜合學校」團隊演繹。　　這種「互譯互演」機制，讓導演與演員在處理異國文化文本時，激盪出不同於本土視角的創作火花，打開更寬廣的人文視野與跨文化理解。透過這些作品，台灣觀眾能看見韓國社會在繁華文化輸出背後的人文關懷與自我檢省，韓國團隊也能感受台灣劇作豐沛的敘事能量與文化底蘊。此外，本次讀劇節所使用之譯本由臺灣文學館協助提供，並串連臺灣大學與臺北藝術大學戲劇學系參與，使交流層次從創作延伸至文化、學術與教育。經典與當代的對話，開展聆聽與想像：讀劇的多重永續實踐　　本次讀劇節不僅呈現當代新作，藉由「寶島經典」單元，也帶時下的觀眾回望台灣戲劇奠基者林摶秋的作品，包括塵封多年於今全球首演的喜鬧劇《如果發生這種事》，該劇將由台北劇場實驗室導演程鈺婷執導；另一部代表作《高砂館》則由韓國忠北劇團演出。透過不同時代與文化視角的對照，台灣國際讀劇節有望為台灣劇場史開展新的閱讀想像，並拓展作品的普世理解與情感共鳴。　　同時，台灣國際讀劇節透過多元的演後座談、專題講座與圓桌論壇，使展演現場成為跨越專業與大眾界限、激發思維交流的公共場域。主題涵蓋韓國與台灣的劇本發展機制、台韓學者對談林摶秋、多位劇作家的創作分享，以及台韓劇本譯者的經驗交流等。　　在資訊過載、感官過度刺激的當代社會中，讀劇也以簡約形式讓展演回到文本本身，重新喚醒觀眾的聆聽、專注與想像；其低成本與低資源依賴的特性，有效減少舞台廢棄物，回應了全球環境保育的關注。因此，台灣國際讀劇節具體展現了劇場在環境、藝術與文化面向上的多重永續實踐，呈現當代表演藝術發展的另一種路徑。多語字幕橋接，建構亞太劇作網絡　　為了落實「亞太劇作樞紐」的願景，本次讀劇節演出備有中、韓、英三種語言字幕。這不僅是為了服務台韓兩地的創作者，更是為了讓亞太地區的策展人與劇場專業人士能以此為窗口，看見台灣與韓國的創作能量。　　「台灣國際讀劇節」未來計畫每年聚焦不同國家或區域，如東南亞、拉丁美洲、東歐等地，透過持續的文本交流，將台灣推向國際戲劇的核心節點。這場為期十天的節慶，不僅是一次藝術的盛宴，更是一次透過「劇本」看見世界、也讓世界透過「劇本」看見台灣的重要契機。參與資訊與售票優惠　　「2026台灣國際讀劇節」將於 4月13日（一）中午12:00 全面啟售，提供一般票、劇本套票及限量20套的全通行「All-PASS」（不限場次不限次數，4500元看透透）等多樣售票方案，鼓勵觀眾深度參與這場十天的劇作馬拉松。這不僅是劇場圈／表演藝術的當代盛事，更是給每一位喜愛劇本、關心社會議題者的心靈邀請函，邀請大眾共同進入由文字與聲音構築的無限想像空間。4月6日（一）中午12:00至4月13日（一）中午11:59 將率先開放付費會員（成癮玩家、團隊玩家）優先預購。購票請洽OPENTIX兩廳院文化生活，更多節目詳情請至臺北表演藝術中心官網查詢（https://tpac.org.taipei/）。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：2025忠北劇團《中學生日常》韓國首爾藝術中心讀劇演出（臺北表演藝術中心提供）

　　臺北戲劇獎第一屆最佳編劇、最佳戲劇類女演員雙料得獎作品《暗夜．腹語．鬼托邦》，今年3月27至29日於臺北表演藝術中心藍盒子再度登場。延續兩人的高度默契與高密度表演節奏，打造一場介於寓言、喜劇與記憶之間的「附身」儀式。此次演出微調舞臺設計與情節外，高俊耀也同步推出了劇作選《鬼托邦：高俊耀劇作選Ⅱ》，讓觀眾得以分別從文字與舞臺兩個維度，重新閱讀作品背後層層交錯的思考軌跡。　　《暗夜．腹語．鬼托邦》如同一組逐步開啟的寓言結構：「暗夜」指向沒有影子的存在狀態，「腹語」追問說話者的來源，「鬼托邦」則成為記憶與想像的避難之地。作品的靈感核心來自佛教《大智度論》中著名的「二鬼爭屍」故事，一名旅人被迫裁決兩鬼爭奪屍體，最終意識與記憶雖存，身體卻被屍體替換殆盡。高俊耀藉此故事進而探問：當身體已不再屬於原本的自己，「我是誰」便成為無法逃避的提問。在暗夜之中說話 一場關於記憶與存在的寓言　　劇作將此古老寓言置換至近代場景，一名驅魔人受託驅趕女鬼，卻逐步進入1950年代馬來西亞新村的記憶之中。彼時英國殖民政府為打擊共產勢力推動戒嚴政策，使華人社群被迫重新編制及受控。歷史並未直接被再現，而是透過回憶、敘述與轉述層層折射，形成一種「誰在說話」的不穩定敘事。鄭尹真指出，「腹語」正是創作的出發點——人們今日理解世界的語言與感受方式，究竟是如何被形塑而來？　　對高俊耀而言，年輕時閱讀「二鬼爭屍」的震撼，在於與自身生命經驗形成深刻呼應：從馬來西亞教育體制中的身份限制，到以馬華創作者身分在臺灣定居創作，身份不斷被轉換與重新命名。在美學形式上，《暗夜．腹語．鬼托邦》融合多重文化語彙，從1970至1980年代盛行於香港與東南亞的驅魔電影汲取靈感，借用鬼魅化他者的影像敘事，轉化為劇場中的隱喻機制；同時吸納港片「無厘頭」語言節奏，使笑聲與歷史創傷並置。複聲與位移 在喜劇節奏中重組觀看立場　　表演形式上，高俊耀與鄭尹真以「一人多角」甚至「雙人共角」的方式演出，演員身體成為語言的容器，各種身份穿梭其間，兩人亦借鑑傳統戲曲以聲音推動身體的表演邏輯，透過節奏與時間流速的調整，形成輕重交錯、複聲疊影的舞臺質感。鄭尹真也表示相較過去多半緩慢進入角色，這齣戲需要喜劇的快節奏，在形體、聲音、語言的轉換節奏上，都經過反覆的打磨。　　《暗夜．腹語．鬼托邦》的表演策略回應窮劇場長期關注的「位移」命題，位移不僅是地理上的移民與離散，也包含信念、價值與良知的轉移。高俊耀持續關注的並非英雄或梟雄，而是探問處於灰色地帶的大多數人，在生存壓力之下，究竟是什麼形塑了選擇？鄭尹真則進一步指出，《暗夜．腹語．鬼托邦》試圖透過虛構打造一個彼此理解的空間，使觀眾在立場對立的時代裡，暫時進入共同的避難所。選擇以帶有喜劇節奏的敘事方式切入，使嚴肅命題在幽默與荒誕中產生新的觀看距離。歷史落回當下 記憶介入創作標記　　於北藝中心演出的新版《暗夜．腹語．鬼托邦》，在劇情與舞臺上皆有調整。作品最後段落新增劇中馬共游擊隊角色「明哥」的來信，信中表達希望能在臺灣與阿梅重逢，敘事不只停留於記憶與召喚，更指向跨越時空的未竟相見，為結局增添歷史重量與情感開口。同時，因應現地條件，舞臺設計亦作出轉化——原先懸置空中、象徵新村記憶與漂浮歷史的竹構裝置，改為落地呈現，使「新村」從幽靈般的想像降臨為可觸的現實，強化歷史落回當下身體經驗的命題。　　近期同步出版的《鬼托邦：高俊耀劇作選Ⅱ》，收錄橫跨近三十年、穿梭臺灣與馬來亞歷史語境的五部作品，將時間轉化為介入記憶的舞臺力量，亦凸顯高俊耀作為「再現記憶的介入者」的創作標記。以此劇作選不僅作為創作歷程的整理，更搭建一座臨時的紙上公共空間，使閱讀成為重新思考歷史、記憶與共同體的行動現場。　　窮劇場自2014年由高俊耀與鄭尹真共同創立以來，持續以身體與文本交織的方式，探索亞洲多重殖民歷史與移民主體經驗。《暗夜．腹語．鬼托邦》在笑聲與詭譎交織之間，邀請人們重新思考：當歷史、身份與語言彼此附身，我們是否仍能辨認出真正的自己。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：高俊耀（左）、鄭尹真分享排練過程的磨合與挑戰。（臺北表演藝術中心提供）

原訂於「2026 北藝嚴選」推出的大師級節目《傳奇：帕拉贊諾夫的十段殘篇》，因主要演員個人健康因素，經專業醫囑確認，目前狀況不適宜進行跨國長途巡演及高強度演出，臺北表演藝術中心審慎評估後，宣布6月13、14日的演出將予以取消，另行擇期辦理。自公告日起至2026年6月28日前，《傳奇：帕拉贊諾夫的十段殘篇》依以下辦法辦理全額退票：凡刷卡或以文化幣全額支付者，無須主動申請退票，刷卡購買者，系統將會自動退刷全額票款至「原購票人」信用卡；以文化幣全額支付者，將全額返還至文化幣帳號。如購票時使用文化幣或點數折抵，退票時，系統將退還折抵之全額文化幣，並於扣除退票手續費後，優先退還點數，再將剩餘款項退回。以現金或ATM轉帳購票者，可於2026年6月28日前選擇線上、郵寄或現場退票。欲採線上退票者可於OPENTIX線上退票申請系統，填寫退票申請資料；已取紙本票之觀眾，欲郵寄退票者，請於退票期限前（以郵戳為憑）掛號郵寄票券至 「100011台北市中正區中山南路21-1號 OPENTIX電商營運組 退票小組收」；亦可持票前往OPENTIX臺北、臺中、臺南、高雄服務處辦理全額退票。臺北表演藝術中心再次感謝各界的理解與支持，未來將持續以嚴謹態度為觀眾引介優質節目，共同守護舞台藝術的完整與價值。

　　臺北表演藝術中心（北藝中心）繼2024年首屆劇場技術展「AI之後」聚焦設備與硬體革新成果後，2026年以「光影之間」為核心，將焦點回歸「人」，探討劇場技術如何承載思考、情感與美學，並從設計審美與產業現況出發，反思人與技術之間的關係。展覽於2月27、28日早上10點至下午5點；3月1日早上10點至下午3點在北藝中心大劇院進行，民眾可免費入場參觀。另有多達20場以上的論壇與工作坊，可查詢官網報名參加。　　劇場技術隨著數位科技與人工智慧快速發展，在燈光、音響、舞臺機械與影像等領域邁入新時代，不僅改變表演藝術的呈現方式，也深刻影響觀眾的感官經驗與劇場美學語彙。科技人文專業對話 共創劇場永續未來　　本次劇場技術展除展示最新舞臺科技，包括智能燈光系統、沉浸式音效、自動化舞臺機械、AR／VR與互動投影等應用外，也邀請專業劇場工作者，以及社團法人台灣技術劇場協會（TATT）、臺北市現場演出幕後技術工作者職業工會（現技工會）、台灣工業繩索技術人學會等單位參與論壇，主講跨世代燈光美學、劇場設計與劇場職安議題，並分享劇場產業首次勞資交流會後的協談成果。透過科技與人文的交織，為劇場產業注入新動能，開創永續發展的可能。導演對話設計 隱性協調與人才培育的價值　　活躍於兩岸三地的跨界導演李小平指出，人才培育與跨領域協作的「隱性協調感」是此次劇場技術展的重要意義。對業內而言，有助於提升專業認知；對一般觀眾而言，則能看見一場演出背後「一張票的價值，不只來自臺上的演員，更仰賴眾多幕後的『黑衣人』托舉而成。」在設備與物材高度發展的當下，舞臺、燈光、音響、影像的互文，使劇場呈現出更豐富而細膩的層次，也延續著劇場人的創作精神。　　李小平同時強調，無論技術如何進步，設計的核心仍然回歸「人」，所有的設備、技術都不是為用而用，「最精細的影像，不一定比粗礪的手工繪畫適合作品」，他認為科技快速介入創作的時代，最終作品的優劣仍取決於創作者的美感、選擇、經驗與判斷。「每一次成功運用新技術突破挑戰，都是人的成全」。劇場是人的聚合 技術平台促進理解與交流　　TATT理事長許玉蕾表示：「劇場本是人聚合的場所」，本次劇場技術展透過論壇與工作坊強調「理解」與「交流」的重要性。她以霍諾德(Alex Honnold)徒手獨攀臺北101為例「不僅是個人技術的展現，更包含整體團隊的精密計算，安全排練與攝影規畫。」她也觀察到近年臺灣觀眾對技術層面的討論逐漸增加，顯示產業與觀眾之間的理解正在累積。而在逐漸轉變的生態中，臺灣正需要劇場技術展所建構的平臺，更廣泛地串接起劇場人的支援網。　　隨著數位科技與AI快速進入劇場以及影視製作，許玉蕾認為，技術的進步反而更加凸顯人的審美與判斷能力。「溝通也許有了更多工具，也變得更具體，但溝通的本質沒有改變。」她指出，最新的技術並不會取代設計與風格，反而更需要具備深厚素養與經驗的技術工作者，才能運用科技承載作品的情感與思想。　　此外，劇場技術展也將透過實際案例，解析大型演出與活動的技術運作，如Lady Gaga《The MAYHEM Ball Tour》如何以精準補聲覆蓋場館每一個角落；音樂劇《Matilda》(瑪蒂達)如何讓演員臺詞清晰穿透管弦樂，又要與佈景和群演唱段平衡；最新的高空懸吊系統如何保障安全與便捷，臺灣燈會的LED屏幕又如何營造沉浸式體驗等。　　此次劇場技術展邀請了16家劇場技術及設備的專業廠商，以及藝術院校相關學系設立展示區，觀眾將得以一窺劇場技術的運作脈絡——演出不只發生在聚光燈下，更在燈光、音響、舞臺與影像交織的光影之間，以及每一次選擇引動的層層感觸中。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/2026劇場技術展：https://tpac.org.taipei/2026TechExpo圖：2026劇場技術展匯集國內外16家專業廠商參與。（臺北表演藝術中心提供）

　　延續去年春、秋季課程平均九成以上報名率的踴躍迴響，北藝學院2026年再度推出「構作與創作」課程，並於2月2日中午正式啟售。春季班自3月至5月，以「劇本文本」為核心，透過9堂講座與3場工作坊，深入探討文本在當代劇場中的角色與可能性。無論是初入劇場的創作者、具備實務經驗的編導與表演者，或對文本與當代劇場有高度興趣的觀眾，皆能獲得可轉化為創作實踐的觀點與方法，並進一步思考文本如何在不同創作語境中被轉譯、拆解與重組，進而發展出能跨越語言與國界、回應多元文化脈絡的創作。　　劇本文本對創作的重要性，自亞里斯多德《詩學》中即指出「情節(mythos)是戲劇的靈魂」；布萊希特則思考文本應不是生活的鏡像而是「可被思考的工具」。戲劇史上的名家都指向：文本是啟動創作的引擎。2026北藝學院春季構作與創作課程，邀集戲劇構作、劇場導演、編劇、燈光設計與編舞家，帶領學員深入解讀劇本文本如何作為構作與創作的樞紐，在不同層次中被閱讀、拆解與立體化，成為舞臺上可被感知的存在。個人經驗到跨文化世代 創作是一場持續告白　　本季課程邀請榮獲第一屆臺北戲劇獎最佳編劇的高俊耀，以及最佳戲劇獎作品《父親母親》的編劇邱安忱，從各自文化背景出發，分享如何提煉出具歷史視野的議題。邱安忱將帶領「從個人到共創—劇本的書寫方法」課程，解析從田調、寫作到排練過程，作為編劇如何在集體創作中調整。另外也將以《灰男孩》與李璐的共創經驗，探討不同世代編劇如何在合作中彼此激發靈感達成寫作目標。　　高俊耀主講的「文學敘事、邊界流動—聊劇本構成」，以自身跨文化成長經驗為例，分享不同文化養分如何在創作中發酵，影響其書寫視角，以及在編劇、導演與表演者三種角色之間轉換時，文本如何逐步具象化，並在排練現場與不同創作者碰撞，生成最終的展演樣貌。　　高俊耀除了上述的講座，另將帶領的三場名為「失戀編劇課」的工作坊，入選工作坊學員需全程參與講座與工作坊課程。課程將陪伴創作者直面如告白般赤裸的創作過程，工作坊從書寫的受挫開啟命題，面對創作的失落、懷疑與自我追問，重新鍛鍊面對技藝的勇氣與誠實，以屢敗屢戰的精神，挑戰以創作與觀眾展開一場即使失戀，也要迎頭痛擊的戀愛。從黑盒子到光影詩學 劇場是感知的共生場域　　本季課程也邀請了2025年北藝學院講師汪俊彥與王世偉，分別從劇場「現代性」的理論探詢，以及文字、動作、光影如何在劇場中彼此生成，形塑出劇場獨有的感知經驗。　　汪俊彥主講的「何謂現代性？—從翻譯到跨國批判」，聚焦現代劇場的形成脈絡。課程從剖析身體、語言如何構成現代劇場的核心元素談起，重新梳理並理解黑盒子如何成為全球劇場的通用原型。課程進一步延伸至文化翻譯與跨語境實踐，理解現代主義如何在多重語境中被閱讀、轉化與再生。透過劇場作品的實例分析，也重新檢視翻譯機制如何影響創作與評論，使舞臺不再只是單一文化展現，而是不斷轉譯與再定義的共生場域。　　系列課程「在光影與身體之間：劇場感知的生成」，由導演王世偉邀請燈光設計高一華與編舞家田孝慈對談。課程從十九世紀繪畫的「崇高美學」談起，王世偉與高一華將以諾貝爾文學獎得主庸．福瑟（Jon Fosse）的作品《我是風》（I Am the Wind）為核心，探討繪畫如何啟發當代劇場的空間調度與光影詩學。王世偉與田孝慈的對談，則由文本節奏、語言的停頓與空白，討論身體如何回應文字，成為舞臺上的動能，以及動作如何塑造角色，形成情感。構作與創作的當代實踐 層層拆解當代劇場引擎　　構作是創作思考的訓練與組織能力的加強，創作是構作具體的展現與敘事方法的實踐。2026北藝學院春季構作與創作課程以「劇本文本」為核心，從書寫、翻譯、身體到光影，層層拆解劇場如何被思考、被建構以及再定義，透過講師的經驗與實踐分享，試圖打開一個共同思考的現場，讓文本不只是起點，而是持續生成創作的引擎，為當代劇場指認下一個正在成形的方向。購票資訊可洽：https://tpacplayer.org/AfmZs北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/