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　　泰國當紅劇場導演維帢亞・阿塔瑪（Wichaya Artama）代表作《曼谷公寓》，即將於本周末在2024臺北藝術節登場，公寓裡的故事正是微型的社會縮影，維帢亞藉由戲劇剖析社會底層的生活困境，觀眾在看戲過程中不斷解謎，探尋角色之間的真實關係，這部作品不僅是藝術創作，更是一面反映泰國社會現況的鏡子。　　《曼谷公寓》以公寓為場景，透過兩男、兩女角色，在關係上做模糊化處理，引發觀眾無限遐想。維帢亞指出，他的靈感來自邪典電影（cult movie），並將其與泰國生活中的許多現象進行了類比。他覺得「在泰國的生活很像邪教，充滿民眾深信和尊崇的東西，然後確實融入日常生活之中」，在這樣看似平凡的生活中，隱藏著權力鬥爭、社會壓迫、以及個體的孤獨與無力感。　　於是觀眾可以看到：一邊是國家廣播穿透整棟公寓播放著新聞、傳統音樂和國家大內宣，另一邊是女人談論著人生與生命。但在劇情走向裡無法判斷他們之間的關係是朋友、是兄弟姐妹或父母子女，保有一種模糊地帶與開放關係，吸引觀眾看戲時去探究其間關係與狀態。權力、社會與個體角力，從泰國社會縮影到劇場裡的社會抗爭　　臺北藝術節策展人林人中表示，劇名的泰文原文有提到「家」和「國家」的字詞，最初是2013年維帢亞在自家公寓創作和呈現，類似臺灣的公寓聯展。林人中指出，「出生於1985年的維帢亞，如同我們的太陽花世代，他們也有自己的學運世代，他是屬於年輕的學運世代劇場導演，他也想要批評國家、政權、暴力和不自由，透過藝術創作把他們的生活樣貌呈現給觀眾，因為整齣戲的場景就是在家裡，所以在家裡都在做什麼，就演什麼給觀眾看。」　　維帢亞提到，這部作品最初上演時，與2014年泰國政變的時間點十分接近，社會處於一種轉變的氛圍中，許多人因為害怕轉變，努力維護傳統。「在那時候的演出中，國家、宗教和國王這三大支柱被轉化為更複雜的概念，並在劇中以廣播、對話等形式呈現，表達了對泰國現狀的深刻思考。」雙面舞台的各種可能性，隔一層珠簾，打破劇場第四面牆　　特別的是，這次演出的版本採雙面台演出，中間以珠簾分隔，觀眾會在其中一面看演出，無法看到另一面珠簾後的演出，也因此，每一次的觀看都會有不一樣的視角和不同的劇情解讀。而這樣的舞台設計，也是順應當時的時局狀態調整而來。　　2013年在公寓演出時，觀眾可透過窗戶看另一個房間；2023年在歐洲與布魯塞爾國際藝術節（Kunsten festival des arts）共製重演時，兩個舞台被置放在同一個舞台，中間加上珠簾，觀眾坐在兩端看戲，反映了導演對當時社會政治時局的感觸。根據維帢亞的觀察「政治是一件在日常生活中的循環，且無法探究其走向和發展。」　　林人中表示，這部作品非常有重量感，「從十年前的製作看到現在，導演如何看待泰國政治、社會、經濟、文化的轉變，重新凝視自己社會的過往，也是認識泰國一個重要的管道。」《曼谷公寓》將於八月廿四、廿五日在臺北水源劇場演出二場，此外，在八月廿二日於北藝中心太陽廳還有一場「北藝筆記」講座，由維帢亞以《聚焦東南亞—撒哇滴咖！泰國當代劇場》為題，親自為觀眾解析與當代社會運動同步發展的泰國當代劇場演進。相關訊息請詳見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1790231933543718913臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/（圖片：© Anna van waeg，臺北表演藝術中心提供）

　　一場身體的狂想曲、跨越文化與世代的身體對話——日本舞踏大師麿赤兒（Akaji Maro）攜手法國編舞家兼舞者馮莎・夏紐（François Chaignaud），共同打造舞作《黃金雨》，在里昂舞蹈雙年展首演後佳評如潮，獲邀至各國場館與藝術節演出，世界巡演最終站來到臺灣，將於八月十七、十八日在臺北藝術節封箱演出。麿赤兒透露，在臺北登場的會是一個更升級的版本，希望能把更好的呈現帶給臺灣觀眾。　　麿赤兒是日本知名的舞踏團體「大駱駝艦」創辦人與藝術總監，他表示，《黃金雨》取材自羅馬神話，以愛神與太陽神的形象為核心，探討身分認同、性別流動與生命週期等議題，「這是一場關於身體的狂想曲，我們試圖透過身體的極限與解放，來表達內心的複雜情感。」　　國立臺北藝術大學戲劇系副教授林于竝日前於「北藝人物：什麼是舞踏？」講座中表示，認為現代的舞踏，仍具備「瀆聖」精神，以個體精神達到一種「逆轉的神聖」。大駱駝艦劇團一般被認定為較俗麗，而俗麗與神聖性乍聽之下似乎是相反的概念，但在大駱駝艦的作品中，卻可見兩種元素共融。　　麿赤兒表示，他和馮莎十三年前在法國相遇，當時馮莎於法國蒙彼利埃演出作品《(M)imosa》，該作品談論羅馬暴君故事， 麿赤兒看了演出後對馮莎留下深刻印象，也埋下了《黃金雨》的創作靈感，「當時馮莎飾演的是一名擁有絕世美貌的暴君，我可說是對他的美貌與才華一見傾心，之後也和他保持聯繫，討論創作。」羅馬神話啟發，麿赤兒與馮莎開啟藝術對話　　馮莎・夏紐畢業於國立巴黎高等音樂暨舞蹈學院，作品兼擅舞蹈與音樂元素，挑戰多元表演形式，常與不同領域的藝術家合作，如傳奇變裝皇后 Rumi Missabu。風格清晰，充滿驚喜，是當代歐洲舞壇炙手可熱的跨域表演者，演出足跡遍及各大藝術節，如里昂舞蹈雙年展、巴黎秋天藝術節、亞維儂藝術節，以及巴黎龐畢度中心、倫敦沙德勒之井劇院等重量級場館。　　在二人第一次見面的七年後，馮莎答應和麿赤兒一起創作，延續《(M)imosa》帶來的靈感，以羅馬神話宙斯、太陽神、愛神等神話故事，創作這次的《黃金雨》。但兩人在舞蹈領域專長和身體方法皆大不相同，創作過程可想而知經過許多磨合，才終於產生火花。　　馮莎是以身體為出發的編舞者，而麿赤兒是從故事出發進行舞蹈創作，要將兩個截然不同的身體方法論及文化背景融合成一件作品，是相當不容易的事，麿赤兒說:「我們也會有互相模仿的部分，我學習了馮莎從身體出發的編舞方式，而他也嘗試從故事的角度進行創作。我們彼此坦誠相見，最終呈現的演出是一個很好的『化合物』，也就是經過我們的溝通和交流後，產生的一個極佳的化學反應。」視覺盛宴與思想碰撞，舞蹈藝術的新高度　　臺北藝術節策展人林人中指出，除了精湛的肢體表演，《黃金雨》也融入了音樂與戲劇元素。麿赤兒在劇中演唱了一首日本民謠《死的體感》，將死亡與重生、悲劇與喜劇巧妙地結合；而馮莎則以童謠的形式，詮釋了生命週期的無常。　　兩人除了種族不同帶來的外貌差異，年齡的差距也在身體上呈現迥異的差別，而在《黃金雨》裡更強化了二人形象的不同。馮莎的角色呈現出赤裸、嬰兒般的狀態，麿赤兒則以華麗的服飾和假髮示人，象徵著一位母親的角色。麿赤兒將馮莎塑造成羅馬皇帝，呼應了歷史上曾被流放的羅馬皇帝埃拉加巴盧斯；而麿赤兒在演出中以黃色頭髮的敘利亞神官形象登場，黃色在敘利亞文化中代表著神聖。舞踏大師工作坊，探索舞蹈的無限可能　　對於舞蹈，麿赤兒有著獨特的見解，他表示，「現代人常常執著於『我』這個概念，但如果『我』是虛的，那麼我們與世界的連結又會是什麼？透過舞蹈，我們可以探索身體與空間的互動，甚至創造出一個新的實相。」　　除了演出，麿赤兒也將在臺北舉辦舞踏工作坊。他希望透過工作坊，將他的創作理念和身體技巧傳授給更多人。麿赤兒表示，將長期的舞蹈訓練濃縮成二小時的工作坊是一大挑戰，但他也很期待能將舞蹈的精髓傳授給大家，同為東方人對於虛實的概念可能會有更深刻的體悟，希望大家能和他一起，在工作坊中共同探索舞蹈的無限可能。　　《黃金雨》將於八月十七、十八日在臺北表演藝術中心球劇場登場，一共演出二場；麿赤兒舞踏工作坊於八月十九日下午於臺北表演藝術中心排練場舉辦。相關訊息詳見臺北表演藝術中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789916800217571329臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖（左）日本舞踏大師麿赤兒（Akaji Maro）、（右）法國編舞家兼舞者馮莎・夏紐（François Chaignaud）（張震洲攝影 | 臺北表演藝術中心提供）

　　當世界因病毒戰爭導致人口銳減，存活下來的人能常保青春，但無法在太陽底下活動，這類人自稱為「諾克斯」，得天獨厚地過著優越生活，和普通人類「克里奧」形成對比，同時也無可避免地走上對立。四把椅子劇團將這部日本知名劇作家前川知大的預言之作《太陽》，首度搬上臺灣的舞臺，於本周末在臺北藝術節盛大登場。　　前川知大表示，《太陽》的雛形是源自他的短篇小說，2011年創作過程中發生了311日本東北大地震，連帶地改變了他的書寫方向。他以病毒為引，書寫突如其來的巨變帶給社會的改變，「那場大地震對我來說是一個巨大的衝擊，現實的殘酷遠超出了我的想像，發生天災改變了社會狀態，讓我重新思考劇本的內容。」從日本311到新冠疫情，一部跨越時空的寓言　　巧合的是，雖然《太陽》的創作早於新冠肺炎疫情，但劇中描繪的社會分裂與對立卻和近年疫情有著驚人的相似之處。劇中人類因病毒感染分化為兩個對立的群體：對陽光敏感的「諾克斯」和普通人類「克里奧」，如此的社會分化，有如人們面對疫情時所遇見的種種現實。　　劇中的「太陽」不僅是天體星球，也是權力、階級和社會不平等的象徵，諾克斯代表著上流階層，他們擁有特權，卻對普通人的苦難漠不關心。前川知大表示，全劇藉由不同階層、立場的人對話，尋找能夠跨越這些問題的機會。太陽下的陰影：權力、階級與社會分化的反思　　《太陽》於2011年在日本首演，2012年獲日本第六十三屆讀賣文學獎戲劇之劇本單項獎，2014年由知名導演蜷川幸雄改編成《太陽2068》；2016年出現電影版，由神木隆之介主演，劇中的病毒災難，也和近年席捲全球的疫情不謀而合。這部映照現實的科幻預言，在2024年由導演許哲彬執導、陳以恩擔任劇本改編，帶領觀眾在後疫情時代重新看《太陽》，尋找超越二元對立面的觀點。　　許哲彬表示，剛開始看劇本時，直覺聯想到是在談論「對立」，劇中描繪的社會對立，很容易讓人聯想到臺灣的政治局勢，內部的藍綠對立等，都可以在劇中找到對應之處，「劇中有一種很直接且巨大的政治隱喻，在排練、改編時，會一直浮現出來，讓人一直想到臺灣的現況，不同黨派的對立面和現實層面問題。」　　前川知大表示，近期日本社會的新自由主義在年輕族群間興起，批判勇於改革的人，對於日本社會所帶來的分裂也令他感到憂心。他認為，劇場是活著的藝術，反映當下的時代」，對於許哲彬從劇中連結臺灣社會當下的狀態，並感受其中的隱喻，這樣的解讀令他感到有種被理解的欣喜。 2024臺北藝術節：四把椅子劇團《太陽》將於八月九至十一日，在臺北表演藝術中心球劇場演出四場。八月十一日（日）午場演出後將舉辦演後座談，歡迎觀眾踴躍參加，更多訊息請洽臺北表演藝術中心官方網站查詢。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789928343427223552臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

　　金枝演社醞釀多年的史詩鉅作《西來庵》，本周末在臺北藝術節盛大登場，全劇以「西來庵事件」為靈感，講述臺灣農民群起對抗日本人，一心守護家園，不僅是對臺灣歷史的回顧，更是一場關於信仰、抗爭、人性與韌性的深刻探討，於八月九日至十一日在臺北表演藝術中心大劇院帶領觀眾重返百年抗暴烽火現場。信仰與抗爭的交織，小人物的大故事　　西來庵事件發生於1915年日治時期的臺灣，發起人包括余清芳、羅俊、江定等人，他們以宗教力量號召民眾群起反抗日本殖民統治。這是日治時期規模最大、犧牲人數最多的武力抗爭，雖然最終起義失敗，但展現了臺灣人不畏強權、勇於反抗的精神。　　《西來庵》編劇游蕙芬表示，劇中描述的那段時期，因著不認輸的臺灣人而動人，而劇中小人物的信仰與掙扎，是串起這段歷史的重要關鍵，「開始寫《西來庵》，我發現不服輸的個性會傳承，不服輸的精神也很重要，更是一種接近源頭的方式，希望有更多年輕人看到這部作品，因此對臺灣歷史產生興趣，年輕人可以為臺灣的過去而感到驕傲。」廟會文化再現，映照臺灣獨特的肢體美學　　游蕙芬指出，宗教的力量在西來庵事件有重要的地位，「在那個時代下，宗教是市井小民唯一信仰和救贖， 所以可能會進入怪力亂神的狀態」。她說明，像是身上掛滿護身符，這除了與當時的歷史背景有關，同時也展現了一種農民性格， 農民看天吃飯，因此與鬼神信仰的連結很深固。　　金枝演社藝術總監、《西來庵》導演王榮裕表示，他們堅信宗教力量可以救國，因此將賣護身符的錢當作革命基金，也因為當時醫學不發達，只能靠草藥和問神卜卦來治病，但後代子孫因為統治者貼上的標籤，將余清芳看作是神棍，他說:「 如果設身處地去想，我是神棍的話， 賺了錢為什麼不自己去享受，還要做革命這種事情呢？」　　游蕙芬說，劇中虔誠拜神的場景，正是因為農民始終相信王爺公會保佑他們，「但最終在失去那麼多生命和流了那麼多血後，王爺公到底什麼時候會靈驗？他們虔誠拜神，也和一段悲劇交纏在一起。」在劇中飾演余清芳一角的演員韋以丞表示，劇組在討論余清芳為什麼要選擇宗教的力量，「它不一定是唯一的選擇，但可能是最好的、最適合當時民眾的選擇。」重返信念的源頭，因爲自尊而美　　演員郭耀仁飾演六十多歲的羅俊，他表示，這個角色的三個兒子身亡、妻子改嫁，「我認為他是透過革命運動找到生存的動力或價值」，這群人有一個共同的信仰，鼓勵大家起義或生存，為自己的生存和人的價值奮鬥，並幫助後代人思考生而為人的價值、國族認同與自我認同。郭耀仁認為「某種程度上也是一種贏」。　　王榮裕說，這是一部戲劇作品，不是教科書，也不是歷史事件的再現劇，製作創作這部作品的另一面向是美學。金枝演社也將傳統廟會文化融入劇中，可看見家將和宋江陣頭文化的美學，並從中看見臺灣人的身體樣貌。王榮裕:從人生看劇場，沒有白走的路　　在七月份北藝中心舉辦的「北藝人物」系列講座《叛逆的戲神囝仔》中，王榮裕曾分享，他的母親以及伴侶游蕙芬對於他的劇場之路影響甚鉅，從歌仔戲班的小孩到工程師，因緣際會加入優劇場，最後自己成立劇團，也曾參演雲門舞集的《流浪者之歌》，一腳踏入劇場，回頭便超過卅年，在《從土地開花的現代戲班：金枝演社》講座裡，回溯金枝演社這卅年來的各種嘗試，無論是古臺語發音的《祭特洛伊》、常民生活的《浮浪貢開花》，創作的核心始終圍繞在臺灣這片土地。　　如今已入耳順之年的他，終於將醞釀廿年的《西來庵》搬上臺北藝術節的舞臺，藉由曾經發生過的事件，來看臺灣人在生死關頭的信念與選擇。王榮裕希望觀眾以開放的心態欣賞這齣戲，劇中的語言多元，包括日文、客語、臺語到廣東話，正是反映臺灣社會的多元面貌。　　金枝演社《西來庵》將於八月九日至八月十一日在臺北表演藝術中心大劇院隆重上演。八月十日（六）午場演出後也將舉辦演後座談，歡迎觀眾踴躍參加，更多訊息請洽臺北表演藝術中心官方網站查詢。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789916800217571329臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/（圖片：陳少維攝影、金枝演社提供）

　　由臺北市政府主辦、臺北表演藝術中心承辦的2024臺北兒童藝術節，在熱鬧一個多月之後，於八月第一個周末圓滿落幕。邁入第廿五個年頭的臺北兒藝節以「開啟兒童模式」為主題，規模較往年更大、照顧對象更廣，如睽違四年重返大安森林公園舉辦二場戶外演出、六十場前進社區演出，以及首次辦理的輕鬆自在音樂會。期間雖然因颱風一度打亂行程，但仍締造近十萬人參與的佳績，較去年大幅增加了四萬三千多人，在許多孩子的心裡埋下藝術的種子，也為成千上萬的家庭創造親子同樂的美好回憶。　　作為臺灣第一個兒童藝術節品牌，老字號的臺北兒童藝術節是每年夏天最被期待的親子盛會，早在五月初家長們就開始引頸期盼兒藝節手冊問世，不同於嘉年華會形式的熱鬧大活動，臺北兒藝節拉長戰線、深入各行政區的「前進社區」，將熱鬧精彩的節目帶到市民生活周遭，常被家長們稱為「暑假救星」，用一場場適合孩子觀賞的表演，在整座城市織就一張綿密的網，讓孩子們在夏天的歡聲笑語中，一點一滴習慣了被藝術包圍的生活。參與人數破紀錄！觀眾回饋熱情高漲　　2024臺北兒童藝術節規模更甚以往，共有十一檔焦點節目、二檔童創基地，及超過一百四十場的免費演出，包括睽違四年、再度回到大安森林公園舉辦的二場大型戶外演出，以及一連四個周末在臺北表演藝術中心廣場登場的「藝術樂園」。其中，重返大安森林公園露天音樂臺的大型戶外演出，無論是FOCA福爾摩沙馬戲團的經典作品《潘朵拉的盒子》，還是身聲跨劇場的《希望之翼》，都吸引了許多民眾一同享受悠閒的周末夜晚，單場參與人次即破三千人，為夏夜帶來一波又一波的高潮。參與戶外演出的觀眾表示：第一次看是十年前，這次感受到不同的氣氛，現場增加不少互動橋段，小朋友很喜歡，因為有趣好玩，孩子整場都很專注。　　向來被家長們視為兒藝節重頭戲的藝術樂園，今年在四個周末的時間裡，一共舉辦卅三檔、七十三場的演出，吸引一萬多名觀眾參與；加上在北藝中心公共空間舉辦的互動展覽「忘記時間的祕密基地」，有近四萬五千人次的參觀人數，光是在北藝中心參與兒藝節免費活動的民眾就高達五萬五千多人。 許多媽媽會在家長群組分享攻略，安排好時段盡可能將所有節目一網打盡，每次換場的時候就會發現不少家長目標明確地帶著孩子轉移陣地佔好位置，顯然事前做足了功課。　　為了進一步實踐文化平權的理念，今年的「前進社區」擴大舉辦，在臺北市十個行政區共推出十檔、六十場免費演出，精選國內優質親子節目，讓民眾不必舟車勞頓就能在自家附近欣賞精彩表演。前進社區活動經營多年也吸引不少鐵粉， 除了看自己所在社區的表演，還遠征至其他行政區，希望多看幾場節目，現場工作人員認出了不少熟面孔不僅跨區而且連年報到；還有一對國中生姊弟騎著腳踏車趕場，在南港區的九如活動中心他們與工作人員分享：小時候媽媽都會帶他們來看表演，是童年暑假美好的回憶，現在雖然國中了，但是他們仍想來回味那份歡樂的記憶，還擬定了看戲攻略，希望能跨出自家的範圍。　　今年兒藝節售票節目成績也十分不俗，購票觀眾達二萬二千多人，而前進社區參與的人次也近一萬五千人，加上藝術樂園、互動展覽、以及戶外演出，總參與人數近十萬人次，透過撒出綿密的網、一場一場的耕耘，累積出亮麗的成果，更重要的是在大人小孩的心中留下悠長的歡樂記憶。節目多元、服務周全，滿足大小朋友喜好　　今年兒藝節除了擴大規模，在節目安排上也致力於照顧更多族群。像是今年首次規畫的《莫札特的盛夏》輕鬆自在音樂會，當天在專業導聆的帶領下，大小朋友輕鬆地聆聽莫札特經典的第四十號交響曲，還學到很多音樂知識。所有觀眾都能自在地隨自己的狀態進出觀眾席，不必擔心他人眼光或影響其他觀眾。現場觀眾表示：非常好的演出，講解非常詳細，帶孩子看表演沒有壓力，不必時時提醒孩子乖乖坐好，希望可以有下次的演出。　　　　　　在觀眾服務的部分也盡可能照顧多元族群，今年首度於藝術樂園期間在北藝中心廣場提供多功能流動廁所車，紓解觀眾排隊上洗手間的壓力；同時在戶外演出時，服務臺貼心地提供了防蚊液，在戶外演出和前進社區的現場都規劃了嬰兒推車集中放置服務，也有輪椅區和同行者陪伴座位等多項服務，希望讓不同年齡、不同需求的民眾都能放心參與兒藝節的各項活動。串聯各類舞臺，讓潛力創作者面向觀眾持續發展　　今年兒藝節節目串聯北藝中心長年策劃及執行的多項專案及節慶，包括曾參與過「馬戲棚計畫」的演員，及「臺北藝穗節」的參演團隊，都受邀於藝術樂園演出。而《我的初戀是頭鹿》及《媽呀！外星人》兩檔節目，其主創和演員皆來自北藝中心「音樂劇人才培訓計畫」，他們在培訓過程接觸完整的音樂劇創作、編導、演出等訓練，如今在兒藝節端出成果，題材和表演都獲得觀眾好評。如《我的初戀是頭鹿》的觀眾描述：演出就像七十分鐘一鏡到底的流暢電影，要能夠掌握節奏真的不簡單，除了青春笑聲，濃度也夠感動。　　臺北兒藝節向來著重深耕，給予好的創作幾年的打磨時間，耐心地逐年階段呈現，2020年在兒藝節首演的《小路決定要去遠方》便是一例，在當年大獲好評之後連年演出，每年都更進化，如今已成為兒藝節的招牌節目。這部由明日和合製作所所打造的兒童沈浸式劇場作品，內容探討情緒處理與彼此理解的課題，故事中的黑婆婆象徵負面情緒，作品期望能創造親子間互相理解和對話的可能。　　小朋友第一次要走進黑婆婆的家時，都會害怕在外面等待的媽媽因此消失不見，但是在工作人員的耐心引導與陪伴下，小朋友幾乎都會勇敢地參與劇情走進去，然後擁有了開心又難忘的劇場體驗；不少家長回饋表示：看著孩子走入那扇門的背影時，忍不住流下不捨又安慰的眼淚。這些年下來，許多小朋友成為小路的忠實粉絲，每年都要再看一次。　　今年兒藝節收穫不少觀眾的肯定，在兒藝節的問卷回饋讚許今年兒藝節活動十分豐富，也對於新增很多適合幼兒觀賞的表演感到開心；觀眾們還敲碗許願每年的兒藝節都能有這樣的規模，為大小朋友創造一個又一個充滿快樂回憶的夏天。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖為藝術樂園戶外演出（張之馨攝影，臺北表演藝術中心提供）

2024臺北藝術節即將於本周五登場，打頭陣的節目為劇場重量級導演黎煥雄與新生代導演吳子敬攜手合作重現的《闖入者》，跨越時空展現八〇年代「臺灣小劇場運動」風華。這次演出由黎煥雄提供原始作品架構，並由吳子敬添加新觀點，兩代劇場導演共同打造，既是黎煥雄對於青春的回望，也是面對新時代的省思。一齣在客廳排的戲，黎煥雄小劇場美學的起點1986年黎煥雄廿四歲，《闖入者》是他首部執導的劇場作品。當時他就讀淡江大學，就在彼時租屋的客廳排練這齣戲。首演後好評如潮，成為他劇場生涯的關鍵起點，後來更因此受到臺北藝術大學戲劇系副主任馬汀尼邀請，參與新象小劇場演出。時隔多年，重新回到當年踏入劇場的起點，黎煥雄表示，他在九〇年代之後就開始跟劇作家紀蔚然合作，創作、執導許多中大型戲劇作品，包括現代戲劇、音樂劇、以及歌劇，但小劇場始終在他心中，「《闖入者》的重現對我而言不是重返小劇場，對我來說，小劇場一直是最核心的點。」吳子敬表示，重現版的《闖入者》確實保有小劇場的精神，「其核心精神是表演的凝聚，一種表演者對於身體和聲音的掌握，以及某種對世界的提問，帶有一點挑釁、一點反抗的狀態，是確實存在的。」吳子敬與黎煥雄共同工作多年，剛開始合作時認為自己看了這麼多黎導的作品，應該很了解他，沒想到每天回家以淚洗面，「我怎麼都聽不懂他說什麼？」後來他花了很多時間不停閱讀黎導的文字才克服這個問題。這次二人攜手重新詮釋黎煥雄首部劇場作品，在吳子敬的「闖入」，以及黎煥雄自己再「闖入」後，增加了新的篇幅，宛如穿越多重時空，帶領觀眾重新閱讀臺灣劇場史。《闖入者》全劇的架構是將比利時劇作家梅特林克（Maurice Maeterlinck）的同名獨幕劇作品，以及美國作家卡波特（Truman Capote）的小說〈美莉安〉，二部作品拼貼、融合在一起；上半場描述一個劇團正在演出劇中劇《闖入者》，下半場劇中的劇團排練〈美莉安〉。透過劇中劇的形式，探討「闖入」這一個普遍而深刻的主題。此外，導演本人也出現在戲裡的後設觀點，在當時的臺灣小劇場是從沒有人嘗試過的創新方式，獨特的美學觀點因此引起熱烈的討論。間奏曲：黎煥雄與廿四歲的自己對話至於卅八年後的重現版會不會也出現導演上陣演出的橋段呢？吳子敬表示，由於這次有二位導演，因此導演將不會真正上場演出，但導演的意象會透過影像以及演員翻閱筆記時出現；特別的是，這次在上下半場的中間，還有一段劇組稱為「間奏」的段落出現。吳子敬表示，在這個「間奏」段落，劇中的演員會嘗試一些劇中的新片段，「這些段落和時間與空間有關，也會對照卅八年來的歷史變化。演員在場上翻閱導演筆記，提到黎導卅八年前是從這部小說作品裡獲得的靈感；這樣的安排，也等於是黎導在與廿四歲的自己對話。」跨世代的對話與思考：2024年的《闖入者》黎煥雄表示，相隔多年後有新世代導演吳子敬的加入，能夠補充文本內容並提出新觀點，「我們談論的『闖入』，是指當生命被介入、一段歷史或一個空間被介入，加上某種生命的神秘感，這些種種和當代觀眾的關聯，交由觀眾自己決定。」黎煥雄說，這次要呈現的不是1986年獨有的「闖入」情境，「而是透過世界的語彙，以較廣闊的視野，傳達我們對『闖入』主題的回應。」吳子敬表示，1986的《闖入者》談的是「後設」，後設的英文是meta，而meta又是現在主流社群媒體的名稱，所以他將這個概念擴大為討論如今當紅的元宇宙、去中心化的世界、虛擬佔據現實等話題。他說，很多東西大家以為過去了，但其實是一個週期，他在文本的隱喻和符號中找到了許多可能性，並將這些元素與當代的社會議題結合起來，重新思考「闖入」這件事。跨足劇場和音樂界，四場講座打開不一樣的黎煥雄北藝中心從七月份開始舉辦一系列「北藝人物」講座，其中有四場「聽說黎導退社了」講座，便是以黎煥雄為主題人物。從河左岸到人力飛行劇團，黎煥雄跨足音樂劇、歌劇和小劇場，以「如詩般的語言」獨樹一幟。歌手魏如萱形容與他合作如「通靈」，默契十足；音樂人陳建騏則讚賞黎煥雄深厚的音樂底蘊，兩人攜手打造出多部膾炙人口的幾米音樂劇。指揮家簡文彬回憶，他在擔任國家交響樂團音樂總監期間，曾邀請黎煥雄執導貝里尼歌劇《諾瑪》和華格納的《尼貝龍的指環》四部曲，間接促成黎煥雄獲邀赴德國萊茵歌劇院執導普契尼歌劇《杜蘭朵》，黎煥雄提出有別於歐美製作版本的既定東方印象，並大膽融入香港雨傘革命等當代元素，以獨特的美學觀點征服歐陸，成為德國萊茵歌劇院的定目劇。黎煥雄在講座中回顧他從新竹中學的文藝少年，到創作首部劇場作品的歷程。他沒有學院框架，從文學、電影與音樂汲取養分，自八O代起持續耕耘至今，累積了現代劇場編導廿七部、音樂劇及新媒體音樂劇場編導十部、歌劇及音樂劇場十五部的作品。藝評人汪俊彥認為臺灣有一位像黎煥雄這樣由八O年代小劇場時期耕耘至今的創作者十分幸運，跨越近四十年的歷史透過黎煥雄的眼睛，在時間當中不斷穿梭，並向未來投射。這次演出將於八月二日至四日在臺北表演藝術中心藍盒子上演，為觀眾呈現黎煥雄與吳子敬兩代導演之間的跨世代對話與劇場美學的交會。此外，8月2日（五）首場演出後將舉辦演後座談，歡迎觀眾踴躍參加，更多訊息請上北藝中心官網查詢。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖為《闖入者》演前記者會，現場演出照片。（攝影許斌，人力飛行劇團提供）