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2026臺北藝術節以「To See a Wider World」的場館精神為核心，集結來自黎巴嫩、印尼、中國、日本及臺灣的藝術家，推出多檔聚焦身分、記憶、漂泊與當代處境的作品。臺北表演藝術中心（北藝中心）今年邀請觀眾看見藝術家如何卸下成熟姿態，直面人生中最艱難與最脆弱的命題。將於9月4日至10月25日登場的臺北藝術節，6月22日起全面啟售。臺北市文化局長蔡詩萍指出，臺北作為亞洲重要的文化交流節點，臺北藝術節持續以多元且具國際視野的節目內容，打造重要的年度表演藝術平臺，不僅匯聚來自世界各地與臺灣的創作者，也透過藝術交流，讓市民重新理解自身與城市之間的關係。藝術節集結來自歐、亞及臺灣的重要創作團隊，推出關注個人經驗與社會脈絡連結的精彩展演，亦展現當代表演藝術在語言、身體與空間上的多元對話，希望讓市民共同參與、體驗藝術不只發生在舞臺上，亦在不同文化的感受現場。北藝中心董事長王文儀輕鬆地表示：「今年藝術節就像久違的同學會，許多想念已久、好久不見的藝術家老朋友，以及讓人期待已久的新朋友，都要前來和臺灣觀眾碰面了。這群創作者們即使已經很有成就，依然不安於過去熟悉的舞臺，選擇持續創作、無畏地挑戰未知，我想這也是劇場最迷人的地方，持續遇見不同於既有框架、更具探索性的視角。推薦大家隨性地走進劇場，看看老朋友、認識新朋友。」從流亡、家族到劇場記憶 揭開未被言說的生命經驗本屆藝術節邀請創作者將尚未被整理、難以被定義的生命經驗，真實地在劇場中攤開。多部作品從個人生命經驗出發，回望身分、歷史與記憶，也讓劇場成為直視傷痕與情感的現場。臺灣觀眾久仰多時、首次來臺的當代法語劇場重要劇作家瓦吉．穆阿瓦（Wajdi Mouawad），並未選擇最新作品，而是帶來最能代表自己的作品 《海之邊》（Littoral）與《孤身》（Seuls），從自身流亡經驗出發，揭露身為流亡者在語言、家庭與文化認同之間的失落與漂泊，這些生命中難以安放的傷痕，卻在喜劇架構下被呈現，是獻給這世界的深情禮物。同樣回溯個人記憶，臺灣觀眾久違的創作社劇團，其作品《孃孃狂言》由編導周慧玲再度拉開歷史縐褶，熨貼女性七十載的情感依存與生命互持，從女性生命經驗與家族記憶中，重新召喚那些長久被忽略、難以言說的情感與歷史幽影；而老歌與滬語的運用，在導演手上都讓本劇充滿活力。臺灣小劇場先鋒及國家文藝獎得主王墨林在《最後的錄音》中，面對已故友人卓明，透過聲音、檔案與記憶碎片，回返臺灣劇場史的斷裂處，補足未被留下的一章。不再滿足既定觀演形式 重新感知時間與存在另一條創作軸線，重構劇場形式與觀看關係。驫舞劇場創團逾20週年，此次獲中國信託新舞臺藝術節共同支持的《大群舞》可以視為舞團的階段性總結，此作由蘇威嘉編創，身為舞者，有感於才華跳不贏時間，獨舞實為與歲月的群舞。中國信託文教基金會董事長馮寄台表示，臺北表演藝術中心近年已成為新舞臺藝術節重要的藝文夥伴。新舞臺藝術節長期關注當代創作，透過跨界且富有創意的肢體、物件、空間等形式，回應當代社會關心的議題，今年與北藝中心共同攜手支持驫舞20《 大群舞》，希望讓更多觀眾看見臺灣當代表演藝術的創作能量。導演王世偉則選擇諾貝爾文學獎得主庸．佛瑟（Jon Fosse）的劇本《我是風》（I Am the Wind），進一步挑戰表演詮釋，面對今年同時入圍臺北戲劇獎戲劇類最佳男演員的林子恆與莫子儀，他給演員的第一份功課，不是在劇本、臺詞中尋找線索，而是在字與字之間停留。作品刻意讓空白、停頓滲入劇場，在追求大量資訊的當代，觀眾可以重新感受時間與存在。矛盾、儀式與沉浸之間 劇場成為重新傾聽與感受的場所此外，創作也試圖讓觀眾進入難以被定義的情緒與狀態之中。四把椅子劇團帶著首屆臺北戲劇獎最佳導演獎且六項入圍的高關注作品《太陽》再次回歸，在當代日益分裂的語境中，持續探問人與人之間如何在對立中創造理解的可能。保留矛盾、停滯與不安，讓劇場成為一個重新學習傾聽的場所。中國藝術家陳天灼與印尼編舞家西科．塞蒂安托（Siko Setyanto）共同創作的《海籠》（Ocean Cage），跨越劇場與儀式、表演與感官經驗之間。融合視覺藝術、聲響、身體，讓觀眾在遊走間，被包覆在既是祭典，也是劇場的沉浸式體驗中 。本次藝術節讓觀眾在觀看他人生命時，重新看見自己。當藝術家選擇不再演出游刃有餘的人生，觀眾也將在劇場中，重新獲得勇氣，享受生命的欣喜。為回饋藝文愛好者，北藝中心會員享有多重購票優惠：成癮玩家預購期享75折，全面啟售享85折（滿3場加贈5折券）；團隊玩家全面啟售單張85折，單筆訂單4張以上75折、10張以上7折；新手玩家則享9折優惠，於北藝官網免費註冊即可享有。6月15日（一）中午12:00將率先開放付費會員（成癮玩家、團隊玩家）優先預購6月22日（一）中午12:00起全面啟售。購票請洽OPENTIX兩廳院文化生活，更多節目詳情請至臺北表演藝術中心官網查詢（https://tpac.org.taipei/）。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：2026臺北戲劇節齊聚久違的藝術家、久仰的作品。（臺北表演藝術中心提供）

　　二十世紀最具影響力的劇作家之一貝托特・布萊希特（Bertolt Brecht），在二十一世紀的今日依舊展現跨越時代與文化邊界的劇場洞察與創作影響力。2026年適逢布萊希特逝世70週年，臺北表演藝術中心（北藝中心）與歌德學院（台北）德國文化中心共同合作辦「2026第二屆臺德表演藝術國際論壇」，以「二十一世紀的布萊希特」為題，邀集臺灣與德國的劇場工作者、學者專家，從歷史脈絡、創作方法到劇場實踐，重新檢視布萊希特如何在當代持續被轉譯、回應與再創造。　　北藝中心董事長王文儀指出，誕生近百年的《三便士歌劇》至今依然充滿穿透力，在布萊希特逝世70週年的此刻，當世界局勢劇烈變動，資本、權力、階級、人性問題雖換上新的形式，卻仍深刻存在。透過重新閱讀與理解布萊希特的經典作品，再次看見其對劇場實踐的深遠影響。她特別提到，臺灣亦曾以歌仔戲形式重新詮釋《三便士歌劇》，「也許1935年布萊希特與梅蘭芳擦身而過時，從未想像百年之後，東西方文化會以這樣的方式彼此交會。」　　歌德學院（台北）德國文化中心院長余德莎也指出，這樣的交流讓文化的傳承持續流動，彼此滋養。此次論壇邀集了來自德國的重要劇場與學術代表，可說是理論與實踐並行。她也提到，真正的對話是願意在觀點差異中產生碰撞，「即使伴隨冒犯與不安，只要能促成思考與辯證，正是布萊希特所期待的劇場精神」。從「檔案即劇場」到「全民的藝術盛典」布萊希特跨越70年的當代回聲　　從柏林藝術學院布萊希特檔案館館長諾亞．威廉森（Noah Willumsen）「檔案即劇場：布萊希特的紀錄性實踐」的講座，到奧格斯堡布萊希特藝術節藝術總監薩哈爾．拉希米（Sahar Rahimi）對藝術節當代文化轉譯的分享，兩場交流共同指向：布萊希特從來不只是被保存於歷史中的劇作家，而是持續影響當代，也被當代重新召喚的思想方式。　　諾亞．威廉森解析布萊希特以大量排練筆記、舞臺照片、多媒體影像或其自創的「模型書」（Modelbuch）系統性記錄作品，除了他擅長以歷史角度觀看自己，更因為他將作品視為持續生成中的創作過程與思想載體。不論是1931年以1秒鐘1張的影像記錄的《男人就是男人》，或1949年在劇院中拍攝了600張演出照並整理成「模型書」的《勇氣媽媽》，都是透過記錄延續創作。對布萊希特而言「檔案並不是用來照抄，不是用來減去思考，反而是用以刺激思考，讓人真正地創作」。　　即使在長達16年的流亡歲月中，布萊希特仍於最艱困的處境下，投注大量時間與心力保存創作資料。布萊希特以批判性的劇場語言，實踐著「藝術只能用藝術的方式被呈現」的核心精神。即便出生地奧格斯堡（Augsburg）也曾因其左翼政治立場，一度成為「被沉默」的名字；而今奧堡的布萊希特藝術節已高舉著「Alle（所有人）」的海報，歡迎著不同世代、不同政治立場、不同文化的群體。　　2026年起擔任奧格斯堡布萊希特藝術節藝術總監的薩哈爾．拉希米指出，承接布萊希特「沒有人被排除在外」的理念，藝術節多年來也以藝術回應戰爭、流亡、移民與社會分裂等議題，今年的藝術節以「共融」為核心，除了所有演出場地皆為無障礙空間，演出形式上也嘗試了德文與德文手語共同演出，口述影像等。拉希米也談及自己的母親仍身處伊朗，當奧格斯堡自由慶祝藝術之際，世界其他地方的人們卻依然身處戰爭之中，也由此感慨「布萊希特對政治、權力與社會現實的批判，從未真正遠離當代」。從《Mackie踹共沒？》到「伽利略計畫」布萊希特走入臺灣劇場語境　　除了臺北表演藝術中心今年於「北藝嚴選」系列邀請由布萊希特創立的柏林劇團來臺演出經典作品《三便士歌劇》外，布萊希特的作品與精神，也持續在臺灣被轉譯與再創造。一心戲劇團於2012年首演的新編歌仔戲《Mackie踹共沒？》即改編自《三便士歌劇》，戲劇顧問張啟豐指出，該劇採用跳敘結構而非傳統線性敘事，「壞人沒有遭報應」的結局安排，也刻意偏離傳統戲曲程式；其中一曲〈什麼時代〉更取材自《三便士歌劇》經典名曲〈大刀麥基〉，展現布萊希特在當代臺灣戲曲語境中，被重新理解與詮釋。　　2020年以布萊希特劇本《伽利略傳》為核心發起「伽利略計畫」的王瑋廉，近年持續透過文本翻譯、表演共學、觀演研究等行動，展開劇場美學實踐與文化自主探索。他指出，「伽利略計畫」關注的不只是劇場本身，更延伸至科學、哲學與藝術之間的辯證關係。回望《伽利略傳》帶來的啟發，他認為其中對知識、權力與人性的思辨，也與東方《論語》、《易經》等生命哲學形成深刻對話。　　王瑋廉進一步表示，布萊希特的批判並非出於冷酷，而是建立在深刻的同情之上，「布萊希特始終以創作者的誠實不斷批判自己。」這樣的精神也與東方哲思形成深刻對話。當臺灣當代劇場以實踐持續回應「排練場不是在戲劇裡，而是在生活裡」，也延續了布萊希特「劇場不是讓人逃避現實的夢境，而是改變社會的實驗室」的精神，使其思想在今日依然具有強烈的當代性與穿透力。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：今年奧格斯堡的布萊希特藝術節高舉「ALLE」歡迎「所有人」。（臺北表演藝術中心提供）

　　1928年，一部原本被認為將徹底失敗的作品，在半毀的舞臺上誕生，卻意外成為改寫戲劇史的經典。近百年後，《三便士歌劇》（The Threepenny Opera）依然像一把未生鏽的刀，劃開資本主義社會最虛偽的表皮。由導演巴里・柯斯基（Barrie Kosky）攜手柏林劇團（Berliner Ensemble）的首演地最新版本，如今原裝來臺，5月29至31日於臺北表演藝術中心大劇院，再次讓這齣作品照映當代的焦慮與裂縫。　　《三便士歌劇》由劇作家貝托克．布萊希特（Bertolt Brecht）與作曲家克特．威爾（Kurt Julian Weill）共同創作，改編自18世紀英國作家約翰・蓋伊（John Gay）的《乞丐歌劇》（The Beggar's Opera）。1928年於柏林首演時，沒有人預料它會成功，甚至在開演前半小時，舞臺布景還突然倒塌一半，所有人都以為這將成為劇場史上的災難。然而結果恰恰相反——主題曲〈大刀麥基〉（Mack the Knife）迅速傳遍街頭，威爾極具魅力的音樂，再加上布萊希特俐落狠準的社會批判，使作品一炮而紅。　　《三便士歌劇》劇情描述維多利亞時代的倫敦，由乞丐集團首領皮佑納與人稱「大刀麥基」的黑幫頭子分庭抗禮，不料皮佑納的女兒皮普麗竟與麥基私下完婚。憤怒的皮佑納逼迫警察總長卜朗逮捕麥基，卻因卜朗與麥基曾是戰場同袍而讓麥基得以逃亡。然而舊情人珍妮出賣下，麥基仍被捕入獄；之後卜朗女兒露西又暗中相助而脫逃。面對層層背叛、利益交換與權力角力，皮佑納更以女皇登基典禮為籌碼威脅警方，逼卜朗對麥基下最後決斷。利益至上善良只是表演 人性被明碼標價　　柏林劇團戲劇構作西碧勒・芭修（Sibylle Baschung）分析指出，劇中每個角色最在意的始終是自身利益，尤其是物質利益。但這並非單純出於邪惡，劇中的名句：「我們本可以善良，而不是卑劣；但這世界從來不是那樣的地方！」直指他們活在一個冰冷、疏離且競爭至上的社會。　　「他們從未想過要團結起來改變結構性的問題；相反地，他們忙著向他人、也向自己上演一場又一場表演。」西碧勒・芭修指出，《三便士歌劇》中的人物，假裝善良、假裝有愛、假裝仍然相信道德，但實際上，所有情感、關係與價值都逐漸被商品化。　　近一世紀後，《三便士歌劇》依然驚人地貼近當代。布萊希特對失控資本主義的批判、對群眾心理與權力結構的洞察，在今日全球經濟焦慮、階級裂縫與民粹情緒蔓延的氛圍中，再次顯得異常銳利。劇中那個被利益、恐懼與權力驅動的社會機器，似乎從未真正離開過。從威瑪共和到當代社會 冷眼直視現代寓言　　布萊希特革命性提出的「疏離效果」——打破第四面牆、讓演員刻意展現「正在扮演」，體現在《三便士歌劇》的雙重性：冷酷與熱情並存、媚俗與嚴肅共生、荒謬與真實纏繞。威爾的音樂刻意以快速、碎裂、混雜的聲音回應現代都市節奏，並自由融合猶太會堂音樂、巴哈、莫札特、爵士、輕歌劇與流行舞曲。看似輕快的音樂，卻暗藏愛情、背叛、道德與利益的故事。　　柏林劇團不只是作品誕生之地，更是布萊希特劇場美學的重要基地，此次原裝來臺的《三便士歌劇》，亦是柏林劇團於首演以來持續迭代更新至今的最新版本。導演巴里・柯斯基則以他鮮明、大膽且帶有黑色幽默的風格，重新打開這部經典。舞臺設計以巨大鷹架構成，如同一座永遠逃不出的社會機器。角色在其中穿梭、攀爬、墜落，像困在階級與欲望中的動物。整體氛圍狡黠、性感，甚至帶著某種病態的魅力，每個人都被迫專注於自身的利益，卻又輕巧地擁抱犬儒與陰暗。　　《紐約時報》盛讚：「柯斯基大膽的重新詮釋，避開過去90年來圍繞此作形成的威瑪時期刻板印象。與柏林劇團無可挑剔的表演陣容一起，他的詮釋充滿野性、帶著一種愉悅的威脅——那爆炸性的音樂幾乎是最好的版本。」　　《三便士歌劇》歷久不衰，因為它不只是講述罪犯與騙子的故事，而是揭露整個社會如何共同參與了一場巨大的表演。在這個世界裡，愛情可能是交易，道德可能是包裝，慈善可能是生意，而憐憫也可以成為操控群眾的工具。　　近百年前，布萊希特用劇場逼迫觀眾直視資本社會的真相；近百年後，我們更需要在劇場裡，在他的作品裡，看見自己所身處的世界。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：《三便士歌劇》主要演員卡特琳．韋利施（左）與加布里埃爾．施奈德以演員視角解讀劇中人物。（臺北表演藝術中心提供）

由新媒體藝術先鋒鄭淑麗與太魯閣族儀式傳承者暨藝術家東冬・侯溫攜手創作的《遊林驚夢：巧遇 Hagay》，5月22至24日在臺北表演藝術中心（北藝中心）球劇場正式登場。這是該作品歷經5年發展，巡演歐洲多地，並於2025年受邀至英國泰德現代美術館 (Tate Modern) 世界首演後，2026年終於回到臺灣以完整版展開在地首演。神話、酷兒與科技交會的山林幻境《遊林驚夢：巧遇 Hagay》以太魯閣山林傳說為起點，描述一名獵人獨自上山打獵，途中遭逢大雨，躲進樹洞避雨後沉沉睡去。醒來時，他走入一座閃閃發光的神秘森林，並遇見一群未著衣裳、優雅而美麗的男性靈群。他們彼此相擁、交疊，並向獵人自我介紹：「我們是 Hagay。」在太魯閣族文化中，「Hagay」指的是擁有女性特質的男性。這場相遇，也成為獵人進入另一種世界觀與身體感知的開始。作品融合數位藝術、影像、雷射、自我敘述、神話歌謠與原民樂舞，並結合太魯閣族的 Gaya 宇宙法則，以及科技薩滿主義（Technoshamanism）概念。東冬．侯溫指出：「作品並不接合西方主流的未來想像，而是提出一種來自原住民世界觀的未來論。」他進一步指出，作品也試圖為非典型性別身體發聲，透過神話中的靈性視野，回應當代酷兒與性別議題，使文化的多元性在身體之中被實踐。鄭淑麗從東冬・侯溫的原始劇本出發，加入後殖民思考、部落變遷與科技幻想，使舞臺不再依賴實體裝置，而轉化為流動的森林幻境。觀眾將看見蝴蝶飛舞、山林移動，雷射光束化為編織與狩獵知識的傳遞媒介；雙人舞踏則透過動作捕捉與即時編碼技術，再詮釋性別流動的身體狀態。最終，一座靈橋將所有表演者匯聚至 Gaya 靈界，也引領觀眾走出山林迷夢，迎向重生。從神話文本到劇場幻境　持續被轉譯的靈性工程《遊林驚夢：巧遇 Hagay》中，科技並非象徵文明進步的裝置，而是重新被置回原住民宇宙觀之中的媒介。舞臺設計揉引科技化為「編織」與「儀式」的延伸，牽引觀眾進入古老智慧與當代社會的交錯境地。東冬．侯溫表示，透過以此作品持續與族中耆老對話，科技對於族人而言，已不再只是冰冷理性的工具，而是當代得以召喚精神、記憶與土地關係的「現代巫具」。作品最早於 2020 年在臺灣當代文化實驗場 Lab Kill Lab 發展成形，2022 年於花蓮銅門部落首演，同年以 STWST48×8 版本於林茲電子藝術節及 Stadwerkstatt 呈現，並參與臺灣美術雙年展。2023年進一步發表劇場版初稿，2024年於瑞士與丹麥展開「Living Gaya Dreaming Hagay」交流演出，2025年受邀至倫敦泰德現代美術館演出。歷經戶外、展覽、美術館與劇場等不同空間轉化後，作品終完成大型劇場完整版本，科技也成為 Gaya 得以顯現的形式之一。鄭淑麗認為《遊林驚夢：巧遇 Hagay》從最初的神話文本開始，經由東冬的敘事，導演與不同技術部門合作，整合成再轉述的舞臺語言。「這是一個不斷被轉譯的過程，也是一場修復文化與重建精神的儀式」，作為觀眾完全不需要「讀懂」每一個符號或脈絡，只需要讓自己進入一種沉浸的狀態。「我們在倫敦演出時，有觀眾留言說一開始不知道自己會看到什麼，但最後完全沉浸其中。我覺得這個回饋很關鍵，這個作品不是要被完全解讀，而是要被經驗。」從儀式開始，也從儀式結束 找到屬於自己的路徑泰德現代美術館國際表演藝術部門資深策展人羅莎莉．杜巴爾（Rosalie Doubal）邀請《遊林驚夢：巧遇 Hagay》演出並表示：「這部作品的特別之處在於它本身來自很多元素的融合。它的根源來自部落文化，所以超越了任何現代或西方定義的藝術形式。」並且看見了動作、舞蹈、儀式、吟唱、各種藝術形式的融合，「以它獨有的方式存在著。」象徵其藝術語彙與議題關懷已超越地域與文化框架，進入國際當代藝術的核心對話。強調「從儀式開始，也從儀式結束」，此作品於泰德現代美術館演出時，引領著觀眾在走進劇場前，便感受到來自花蓮銅門部落的生命故事；如今走進北藝中心同樣延續著重建精神的儀式，引導觀眾不只是踏入劇場，而是彷彿循著獵人的腳步，在城市之中一步步走入山林，穿越霧氣、記憶與召喚。在神話、身體與科技交織之間，讓每一位觀眾都能循著自身感受，找到屬於自己的路徑與聲音。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：藝術家鄭淑麗（左）與太魯閣族儀式傳承者東冬・侯溫。（臺北表演藝術中心提供）

被譽為「戲劇史上最複雜女性角色之一」的《海妲．蓋柏樂》（Hedda Gabler），自1890年發表以來，始終是全球劇場反覆詮釋的經典文本，也是無數演員心中嚮往又畏懼的「表演聖杯」。晃晃跨幅町2026年在臺北表演藝術中心（北藝中心）的全新演繹版，5月8至10日於球劇場登場，將原本近3小時的演出精煉為約105分鐘，讓觀眾成為「讀心者」，體會人性中未說出口卻最為鋒利的情緒縫隙。體面之下，她無處安放的靈魂《海妲．蓋柏樂》是被譽為「現代戲劇之父」的挪威劇作家易卜生（Henrik Ibsen）經典劇作，主角海妲是將軍之女，家道中落而選擇與個性拘謹的學者泰斯曼成婚，渴望名利與保障，然而新婚生活的枯燥乏味讓她感到壓抑與窒息。當舊情人艾略特以自新的姿態回歸，學妹塔雅崛起，法官布瑞克曖昧而具威脅性地靠近，都讓看似有著完備、優渥人生條件的海妲，陷入難以言說的困境。「我一輩子都被要求做正確的事」看似體面的婚姻和表面的優雅，卻讓海妲．蓋柏樂真正的自我陷於束縛，將骨子裡的渴望轉成了操控、瘋狂、憂鬱與善妒。此一易卜生最具挑戰性的作品，首演至今仍映照著當代社會每個人的理想、慾望與掙扎，海妲所面對的心理矛盾與暗影既是內在課題，亦是女性社會處境的映照，也讓海妲一角成為複雜而備受爭議的迷人角色。從白蘭琪到海妲，更幽微的內心戰場由音樂創作者王榆鈞與演員、表演創作者蔡佾玲共同組成的晃晃跨幅町，繼 2023 年創團作品《慾望街車》（A Streetcar Named Desire），近乎延攬原班人馬再度挑戰經典作品。從演繹白蘭琪到海妲．蓋柏樂，蔡佾玲指出演繹白蘭琪因為有大段的獨白，更容易向觀眾直抒胸臆，然而海妲卻需要在多層次的對話、情緒反應中展現內在的壓抑與渴望，不斷挖掘的過程對她而言「彷彿攀越一座又一座高峰」。晃晃跨幅町團長暨音樂設計王榆鈞指出，此次邀請演出的實力派演員乃至導演，除了以自身視角詮釋作品，更透過團隊細膩的排練與共創，試圖讓觀眾不只觀看海妲的經歷，更體會每一句台詞背後，每個人在生活中類似的抉擇與掙扎。邊界之上，在不確定中選擇蔡佾玲坦言海妲這個角色並不討喜，被視為自私、失控，然而看她在婚姻中得面對丈夫尤根．泰斯曼絲毫無法拒絕扶養自己長大的姑姑搬來同住，「可以說她嫁給了一個『媽寶』！」而自己對於生活的嚮往卻不被理解。蔡佾玲要演繹出性格不完美卻能讓人同理的海妲「某種程度上，海妲就像我們身邊的朋友、同事，或是自己」。以當代視角詮釋而非經典再現，《海妲．蓋柏樂》更像是一面映照出當代人內在掙扎的鏡子。劇本譯者白斐嵐分析，海妲身處舊時代貴族沒落，新興中產階級崛起的邊界，對映2026大多數人也都經歷過類比至數位時代種種「邊界跨越」的不安。導演陳侑汝認為，這種不知道未來，在邊界上游移的狀態，反而產生一種迷人的吸引力，令人好奇行動所帶來的結果。易卜生的《海妲．蓋柏樂》不只是女性角色的書寫，更是對「自由意志」與「社會規訓」的深層拷問。濃縮經典，105分鐘的極限凝視今年在北藝中心推出的全新版本《海妲．蓋柏樂》，將原作濃縮至約105分鐘，在節奏與敘事上高度提煉，也讓角色之間的角力壓縮至高度緊繃，使觀眾得以在更緊湊的觀看經驗中，體驗角色內在的崩解與爆裂。也因此，這不只是一次經典重演，而更像是對原作的一次「再解剖」，讓觀眾在更短時間內，直視人性幽微深淵。當舞台燈光熄滅之際，留給每個觀眾無以逃避的提問：在現實與自我之間，我們究竟還有多少選擇？北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：海妲燒毀艾略特手稿的場景象徵了她內心矛盾的毀滅衝動，以及對自身無處安放的的絕望釋放。（臺北表演藝術中心提供）

由臺北市政府、臺北表演藝術中心共同主辦的2026臺北兒童藝術節，將於6月30日至8月6日登場。臺北市政府發出「開啟兒童模式」的邀請函，邀請市民全家大小脫離日常節奏，化身「探索者」，以最純粹的好奇心重新繪製城市地圖。由 31 組國際表演團隊領航，深入臺北市 12 個行政區，帶來 34 檔共 169 場演出。售票節目將於5月11日中午12:00全面啟售。臺北市政府副市長林奕華表示，今年夏天臺北兒童藝術節邀集來自法國、澳洲、比利時、西班牙、印尼、泰國及臺灣7個不同國家的團隊，橫跨劇場、社區與戶外空間，並結合互動展覽與共融工作坊，讓藝術走入城市各個角落。無論是在劇場中細膩的情感交流，或在公共空間中的即時互動。面對快速變動的世界，臺北兒童藝術節讓不同世代保有對未知的好奇、對差異的包容，以及對創意的想像。期盼每一位參與者，都能在藝術中找到感動與啟發，讓好奇與想像成為城市持續前行的力量，共同形塑更自由且富有創造力的臺北。臺北表演藝術中心董事長王文儀表示，2026 臺北兒童藝術節引領大家看見一個沒有邊界的世界。當我們切換到兒童模式，邊界就不再是阻礙，而是探索的起點。今年特別強化了「共融」與「參與」：亮點節目之一的《甘美朗敲好玩！》除了聲音展覽之外，也邀請孩子參與工作坊後正式「登台演出」，從觀看者轉身成為創造者。此外，為小朋友打造的的共融工作坊，以及連續3年舉辦的輕鬆自在音樂會，我們確保藝術的探索地圖上沒有人會缺席。王文儀特別感謝企業夥伴的熱情支持，包括：長期相挺達19年的永豐銀行；大力支持4檔大型戶外演出的兆豐銀行文教基金會；支持「前進社區」大安區場次的英業達集團公益慈善基金會；贊助《玩具王國的星空派對》輕鬆自在音樂會的KIA；支持兒藝節並將透過「小茶人」活動融合品茶與劇場的長虹教育基金會；以及將創新生活品牌帶入藝術場域的士林紙業，共同為城市打造屬於孩子與家庭的藝術盛宴。雙手啟動想像 偶與物的魔法劇場偶戲與物件劇場，是孩子理解情感與角色最直覺的方式，今年兒藝節邀請觀眾走進偶與物的小世界，看見想像如何被雙手喚醒。《紙淘氣 逃出去》讓紙偶展開一場機智又調皮的逃脫探險，帶領孩子進入輕巧又充滿創意的冒險旅程；《飛吧！我的甲蟲朋友》將孩子的塗鴉化為立體木偶，讓想像從畫紙延伸到真實世界；《怪奇怪奇布穀鐘》則以格林兄弟童話為靈感，結合偶與機械裝置，邀請觀眾跟著第13下鐘聲，踏入童話旅程。光影打開世界 看見故事的另一種方式影像與光影，是用眼睛與想像力一起完成的遊戲。今年多部作品透過光影變化，物件與材質設計，讓黑暗成為好奇心的起點。2025年大受好評的《小魚散步》以生活物件與光影層次，詩意描繪熟悉又迷人的臺灣巷弄日常；《閃亮貴賓犬》運用視覺設計與戲偶變化，打造充滿驚喜的舞臺魔法；《月亮找朋友》則在柔和光影中展開一場關於陪伴與尋找的旅程，跟著月亮認識友誼、包容與自我認同，也學習各種感官的創意運用。跟著節奏前進 用身體感受故事音樂與律動讓故事不只被觀看，更被身體感受。《豆花公劇場版－拍斷手骨顛倒勇》以搖滾節奏與戲劇張力，展現熱鬧又有活力的舞臺魅力；《玩具王國的星空派對》輕鬆自在音樂會，邀請大小朋友以最舒適、自在的心情，走進音符交織的童話派對；《一二三，不掉下去！》透過身體律動與節奏遊戲，讓觀眾在笑聲中感受合作與挑戰；由林懷民、幾米與FOCASA聯手打造的親子馬戲《幾米男孩的100次勇敢》，以音樂與刺激的驚呼聲交織勇氣與成長之旅。走入城市相遇 社區與校園演出臺北兒童藝術節持續打破劇場邊界，期待為孩子接觸表演藝術的第一哩路，創造更多親近的機會。今年「前進社區」單元在臺北市各地舉辦多達92場演出活動。社區演出走入12個行政區的多元場域，陪伴親子歡度暑假；校園演出走進12所國小，與師生共享藝術體驗，開啟更多可能。戶外演出以音樂、故事與互動體驗為主軸，打造適合親子共賞的歡樂劇場時光。《大手牽小手》讓戶外草地成為親子共享回憶的音樂舞臺；音樂劇《星星任務大作戰》引領觀眾看見成長中的友情、勇氣；《明星節度使》融合歌仔戲與數位語言，探討成癮與成長責任議題，呈現孩子與大人皆能共感的療癒歷程；《嗶啵！外星人來襲！》結合音樂與馬戲，帶領觀眾思考自我認同與情感連結。無界探索　感官共融新大陸臺北兒童藝術節每年邀請藝術家團隊，以裝置與體驗活動鼓勵大小朋友透過肢體及五感體驗藝術，今年規畫的大型裝置《遊戲迷宮》是期間限定的城市遊戲場，讓迷路也是一種沉浸式體驗；《甘美朗敲好玩！》既是一場聲音探險展覽，也是一堂傾聽彼此的世界音樂課。2025年首度推出就獲得熱烈迴響的「聽聾共融身體工作坊」，今年再度加場回歸，以兩場工作坊《哈囉！藏在心裡的我！》、《噓！我有話跟你說！》重啟旅程，將由聾人與聽人老師共同帶領課程，引領眾人走進無聲卻充滿體感的探索旅程，試著用身體和物件表達，讓說不出口的心聲，得以用身體為自己發聲，讓劇場成為每個人都能自在表達與分享的共融空間。為回饋親子藝文愛好者，北藝中心會員享有多重購票優惠：成癮玩家預購期享75折，全面啟售享85折（滿3場加贈5折券）；團隊玩家全面啟售單張85折，單筆訂單4張以上75折、10張以上7折；新手玩家則享9折優惠，於北藝官網免費註冊即可享有。5月4日（一）中午12:00至5月11日（一）11:59將率先開放付費會員（成癮玩家、團隊玩家）優先預購。購票請洽OPENTIX兩廳院文化生活，更多節目詳情請至臺北表演藝術中心官網查詢（https://tpac.org.taipei/）。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/