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臺北表演藝術中心（北藝中心）與全民大劇團宣布強強聯手， 將於11月20日至29日，共同推出年度重磅沉浸式定目劇《士林YES！》。本次合作打破劇場邊界，將北藝中心一樓至四樓藍盒子劇場轉化為時空通道，結合在地經典小吃與移動式演出，帶領觀眾實體穿越至1990年代的士林夜市，打造兼具視覺、聽覺與味覺的城市文化新體驗。臺北市文化局局長蔡詩萍指出，士林除了美食與觀光，更蘊含豐富的人文歷史，是傳統與當代、庶民生活與藝術能量匯聚的獨特場域。近年從白晝之夜到北藝中心注入的新能量，都證實了藝術能夠實質串連社區、活絡觀光。《士林YES！》的推出，不僅是對城市文化的致敬，更代表對未來的想像，期待透過這場演出，讓大眾重新感受臺北兼容並蓄且充滿創造力的常民風景。走出北藝中心，幾分鐘內就能抵達今日的士林夜市。北藝中心董事長王文儀表示，現今場館所在的地理位置，本身就是士林夜市歷史地景的一環。北藝中心始終秉持「看見更寬廣的世界」的精神，與全民大劇團打開劇場的黑盒子，觀眾除了看見士林夜市的熱鬧，更會發現夜市背後沉澱的常民故事與城市歷史變遷。同時也感謝郭元益食品、士林紙業這兩家凝聚在地情感、乘載百年歷史的士林指標性企業，以及勇源教育發展基金會的支持。因為有在地文化根基的共鳴，才讓這場跨越時空的劇場旅程更加真實動人。空間當代轉譯　經典小吃進劇場打造五感體驗《士林YES！》以1990年的士林夜市作為故事舞臺，除了帶領觀眾重返城市的集體記憶，更呈現了臺北城市現代化的過程。劇中歷史橫跨廟口「鬼仔市」孕育出的夜市文化、工業時代的士林紙廠，到民歌西餐廳承載的青年活力，將士林數百年的文史底蘊濃縮於演出之中。為了讓文史研究轉化為具體的感官體驗，團隊試圖打破劇場與觀眾之間的界線。演出從場館一樓揭開序幕，觀眾將化身為夜市的一部分，隨著劇情與角色推進逐步移轉空間，穿梭於不同樓層，最終抵達四樓藍盒子劇場，實體感受昔日夜市人群川流不息、叫賣聲此起彼落的濃厚人情味。在這段垂直移動的時空旅程中，「食物」成為推動情節的情感載體。結合北藝中心的空間實驗與劇團的轉譯創意，現場特別將夜市經典小吃及郭元益冰沙餡餅等經典常民美食引入劇場，透過味覺、嗅覺、聽覺與情感的多重刺激，讓觀眾邊吃邊走進故事，體驗唯有在此才能實現的五感沉浸式劇場。跨界實力派卡司 同台詮釋庶民群像本次演出發揮全民大劇團擅長的幽默敘事與人情味刻畫，聚焦於一群在士林夜市奮力經營生計的小人物。面對環境變遷與市場競爭，在地經營多年的攤販與前來打拚的新面孔在夜市裡奮力經營生計，交織出小人物在現實生活中的堅持與韌性。為了呈現多元的夜市人物群像，雙方特別邀請跨界卡司，包括知名主播張珮珊、時尚設計師李明川，攜手凱爾、呂紹齊、林斌、劉樸、金雲等實力派劇場演員同台飆戲。透過不同世代、不同背景的演員詮釋，展現夜市文化背後豐富多元的人物群像。全民大劇團團長謝念祖表示，《士林YES！》將1990年代士林夜市的繁華地景與人情韌性，實體還原於北藝中心。這場演出將帶領觀眾跨越三十年的時空限制，在熟悉的食物香氣與時代旋律中，重新連結屬於個人的青春記憶與城市歷史。 北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：臺北表演藝術中心與全民大劇團聯手發表年度沉浸式定目劇《士林YES！》。（臺北表演藝術中心提供）

臺北表演藝術中心（北藝中心）與序場劇本發展中心（序場）共同主辦的「2026第一屆台灣國際讀劇節」，將於6月19日至27日正式登場。本次藝術行動打破傳統劇場框架，全面串連北藝中心11樓的五個排練場空間，將平時作為創作孵育的核心基地，轉化為演出的發生地。本屆讀劇節匯聚台韓雙方12件劇本、3場專題講座與3場重量級論壇，透過台韓導演互換語系的激盪，引導觀眾在最純粹的文字與表演之中，體驗跨越國境的當代常民生活交談。籌辦人暨序場藝術總監吳政翰表示，本次讀劇節以「台灣」為核心內涵，特別聚焦於「台灣本島第一位劇作家」林摶秋的經典轉譯。其中，林摶秋在1957至1960年間創作的《如果發生這種事》，大膽設定「美國超級原子彈爆炸後，導致全人類性別反轉」的末日科幻視野。這項在當年極具顛覆性的超現實設定，對應當代影視思潮依舊前衛，本次以讀劇形式呈現，將帶來強烈的感官興味。不同於常規演出的華麗視覺，第一屆台灣國際讀劇節選定在戲劇的初生地——排練場進行。北藝中心與序場期望大眾揭開排練場的神秘面紗，讓平日不對外開放的空間化身劇場，邀請觀眾就坐在創作者身旁，回歸劇本紙頁所挾帶的純粹訊息，讓演員去讀、導演去聽，激盪出全新的跨國語境。劇本作為文化載體　跨國實證促成意外的美好經驗序場劇本發展中心分享，劇本是深度文化經驗交換的良好載體。以2025年受邀參演韓國「忠北道立劇團」主辦之讀劇節為例，台灣劇作家李承寯獲得台北文學獎評審獎的作品《中學生日常》，在序場協助孵化下前往交流。韓方以足額16位演員呈現該劇，打破了台灣常見以單人或少數演員分飾多角的製作限制，使原劇作家得以見到在原生國土上沒想過的作品風景。透過非作品原生國家表演者的好奇心、提問與詮釋，彼此在排練與共餐等實際互動中應答，創作者也得以檢視自己身上所攜帶的可見與不可見文化痕跡。這種無法被提前設計的文化碰撞，正是跨國劇本交流中最珍貴且具備長遠效益的美好經驗。立足台灣歷史主體　經典劇作首度以韓文面世在這場讀劇行動中，跨國交流是重要骨架，「台灣」依舊是核心內涵。本次讀劇節選定劇作家林摶秋作為代表，演出其為人熟知的經典劇作《高砂館》和本土首演《如果發生這種事》。「如果對我們來說國際是異國文化，台灣早期歷史對我們來說難道不是一個很陌生疏遠的異國文化嗎？」吳政翰以銳利的視野切出一個閱讀台灣的觀點。林摶秋（1920）出生於台灣桃園，是東京劇壇首位台灣出身的劇作家，站在傳統與現代戲劇的交界，曾被《東京新聞》定位為「台灣本島人第一位劇作家」，但在台除了學院研究之外卻鮮少被討論。今年特別透過國立台灣文學館大力協助，乘著近年積極於台灣文學作品外譯及推廣的動能，結合「台灣戲劇文學翻譯計畫」，使林摶秋劇作有機會在本次台灣國際讀劇節以韓文面世，與韓國藝術綜合學校戲劇院等頂尖創作者進行深度的文化反思與身分認同提問。12件劇作、6場座談圓桌齊發　匯聚台韓頂尖大師論辯本屆讀劇節共計12件編劇作品，包含6檔台灣未曾搬演過的韓國劇本、4件台灣中堅編劇的銳利之作，並由台韓雙方重要導演互換語系演繹，全數演出皆在平日並不會開放給大眾進入的「排練場」進行。主辦團隊以「劇本紙頁不應只是戲劇產業的附屬品，而本身就是深層的文化載體」為創作意識，期望大眾一起走入戲劇的初生地，靠近並體驗劇本，無需堆砌華麗的視覺，純粹從文字與表演中迸發出的魅力。除了排練場的讀劇表現，讀劇節期間亦規劃三場講座與三場論壇活動。圓桌論壇將匯集本次讀劇節的重要學者、譯者與創作者，陣容包含九位台韓劇作家、國內重要的林摶秋研究者石婉舜、以及《台灣漫遊錄》韓文譯者金伊莎等人。專家學者們將與現場觀眾一同暢談語言、國家、全球趨勢與創作發展，在藝術體驗中昇華日常。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：2026台灣國際讀劇節參與團隊暨貴賓大合照（臺北表演藝術中心提供）

2026臺北藝術節以「To See a Wider World」的場館精神為核心，集結來自黎巴嫩、印尼、中國、日本及臺灣的藝術家，推出多檔聚焦身分、記憶、漂泊與當代處境的作品。臺北表演藝術中心（北藝中心）今年邀請觀眾看見藝術家如何卸下成熟姿態，直面人生中最艱難與最脆弱的命題。將於9月4日至10月25日登場的臺北藝術節，6月22日起全面啟售。臺北市文化局長蔡詩萍指出，臺北作為亞洲重要的文化交流節點，臺北藝術節持續以多元且具國際視野的節目內容，打造重要的年度表演藝術平臺，不僅匯聚來自世界各地與臺灣的創作者，也透過藝術交流，讓市民重新理解自身與城市之間的關係。藝術節集結來自歐、亞及臺灣的重要創作團隊，推出關注個人經驗與社會脈絡連結的精彩展演，亦展現當代表演藝術在語言、身體與空間上的多元對話，希望讓市民共同參與、體驗藝術不只發生在舞臺上，亦在不同文化的感受現場。北藝中心董事長王文儀輕鬆地表示：「今年藝術節就像久違的同學會，許多想念已久、好久不見的藝術家老朋友，以及讓人期待已久的新朋友，都要前來和臺灣觀眾碰面了。這群創作者們即使已經很有成就，依然不安於過去熟悉的舞臺，選擇持續創作、無畏地挑戰未知，我想這也是劇場最迷人的地方，持續遇見不同於既有框架、更具探索性的視角。推薦大家隨性地走進劇場，看看老朋友、認識新朋友。」從流亡、家族到劇場記憶　揭開未被言說的生命經驗本屆藝術節邀請創作者將尚未被整理、難以被定義的生命經驗，真實地在劇場中攤開。多部作品從個人生命經驗出發，回望身分、歷史與記憶，也讓劇場成為直視傷痕與情感的現場。臺灣觀眾久仰多時、首次來臺的當代法語劇場重要劇作家瓦吉．穆阿瓦（Wajdi Mouawad），並未選擇最新作品，而是帶來最能代表自己的作品 《海之邊》（Littoral）與《孤身》（Seuls），從自身流亡經驗出發，揭露身為流亡者在語言、家庭與文化認同之間的失落與漂泊，這些生命中難以安放的傷痕，卻在喜劇架構下被呈現，是獻給這世界的深情禮物。同樣回溯個人記憶，臺灣觀眾久違的創作社劇團，其作品《孃孃狂言》由編導周慧玲再度拉開歷史縐褶，熨貼女性七十載的情感依存與生命互持，從女性生命經驗與家族記憶中，重新召喚那些長久被忽略、難以言說的情感與歷史幽影；而老歌與滬語的運用，在導演手上都讓本劇充滿活力。臺灣小劇場先鋒及國家文藝獎得主王墨林在《最後的錄音》中，面對已故友人卓明，透過聲音、檔案與記憶碎片，回返臺灣劇場史的斷裂處，補足未被留下的一章。不再滿足既定觀演形式　重新感知時間與存在另一條創作軸線，重構劇場形式與觀看關係。驫舞劇場創團逾20週年，此次獲中國信託新舞臺藝術節共同支持的《大群舞》可以視為舞團的階段性總結，此作由蘇威嘉編創，身為舞者，有感於才華跳不贏時間，獨舞實為與歲月的群舞。中國信託文教基金會董事長馮寄台表示，臺北表演藝術中心近年已成為新舞臺藝術節重要的藝文夥伴。新舞臺藝術節長期關注當代創作，透過跨界且富有創意的肢體、物件、空間等形式，回應當代社會關心的議題，今年與北藝中心共同攜手支持驫舞20《 大群舞》，希望讓更多觀眾看見臺灣當代表演藝術的創作能量。導演王世偉則選擇諾貝爾文學獎得主庸．佛瑟（Jon Fosse）的劇本《我是風》（I Am the Wind），進一步挑戰表演詮釋，面對今年同時入圍臺北戲劇獎戲劇類最佳男演員的林子恆與莫子儀，他給演員的第一份功課，不是在劇本、臺詞中尋找線索，而是在字與字之間停留。作品刻意讓空白、停頓滲入劇場，在追求大量資訊的當代，觀眾可以重新感受時間與存在。矛盾、儀式與沉浸之間　劇場成為重新傾聽與感受的場所此外，創作也試圖讓觀眾進入難以被定義的情緒與狀態之中。四把椅子劇團帶著首屆臺北戲劇獎最佳導演獎且六項入圍的高關注作品《太陽》再次回歸，在當代日益分裂的語境中，持續探問人與人之間如何在對立中創造理解的可能。保留矛盾、停滯與不安，讓劇場成為一個重新學習傾聽的場所。中國藝術家陳天灼與印尼編舞家西科．塞蒂安托（Siko Setyanto）共同創作的《海籠》（Ocean Cage），跨越劇場與儀式、表演與感官經驗之間。融合視覺藝術、聲響、身體，讓觀眾在遊走間，被包覆在既是祭典，也是劇場的沉浸式體驗中 。本次藝術節讓觀眾在觀看他人生命時，重新看見自己。當藝術家選擇不再演出游刃有餘的人生，觀眾也將在劇場中，重新獲得勇氣，享受生命的欣喜。為回饋藝文愛好者，北藝中心會員享有多重購票優惠：成癮玩家預購期享75折，全面啟售享85折（滿3場加贈5折券）；團隊玩家全面啟售單張85折，單筆訂單4張以上75折、10張以上7折；新手玩家則享9折優惠，於北藝官網免費註冊即可享有。6月15日（一）中午12:00將率先開放付費會員（成癮玩家、團隊玩家）優先預購6月22日（一）中午12:00起全面啟售。購票請洽OPENTIX兩廳院文化生活，更多節目詳情請至臺北表演藝術中心官網查詢（https://tpac.org.taipei/）。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：2026臺北戲劇節齊聚久違的藝術家、久仰的作品。（臺北表演藝術中心提供）

　　二十世紀最具影響力的劇作家之一貝托特・布萊希特（Bertolt Brecht），在二十一世紀的今日依舊展現跨越時代與文化邊界的劇場洞察與創作影響力。2026年適逢布萊希特逝世70週年，臺北表演藝術中心（北藝中心）與歌德學院（台北）德國文化中心共同合作辦「2026第二屆臺德表演藝術國際論壇」，以「二十一世紀的布萊希特」為題，邀集臺灣與德國的劇場工作者、學者專家，從歷史脈絡、創作方法到劇場實踐，重新檢視布萊希特如何在當代持續被轉譯、回應與再創造。　　北藝中心董事長王文儀指出，誕生近百年的《三便士歌劇》至今依然充滿穿透力，在布萊希特逝世70週年的此刻，當世界局勢劇烈變動，資本、權力、階級、人性問題雖換上新的形式，卻仍深刻存在。透過重新閱讀與理解布萊希特的經典作品，再次看見其對劇場實踐的深遠影響。她特別提到，臺灣亦曾以歌仔戲形式重新詮釋《三便士歌劇》，「也許1935年布萊希特與梅蘭芳擦身而過時，從未想像百年之後，東西方文化會以這樣的方式彼此交會。」　　歌德學院（台北）德國文化中心院長余德莎也指出，這樣的交流讓文化的傳承持續流動，彼此滋養。此次論壇邀集了來自德國的重要劇場與學術代表，可說是理論與實踐並行。她也提到，真正的對話是願意在觀點差異中產生碰撞，「即使伴隨冒犯與不安，只要能促成思考與辯證，正是布萊希特所期待的劇場精神」。從「檔案即劇場」到「全民的藝術盛典」布萊希特跨越70年的當代回聲　　從柏林藝術學院布萊希特檔案館館長諾亞．威廉森（Noah Willumsen）「檔案即劇場：布萊希特的紀錄性實踐」的講座，到奧格斯堡布萊希特藝術節藝術總監薩哈爾．拉希米（Sahar Rahimi）對藝術節當代文化轉譯的分享，兩場交流共同指向：布萊希特從來不只是被保存於歷史中的劇作家，而是持續影響當代，也被當代重新召喚的思想方式。　　諾亞．威廉森解析布萊希特以大量排練筆記、舞臺照片、多媒體影像或其自創的「模型書」（Modelbuch）系統性記錄作品，除了他擅長以歷史角度觀看自己，更因為他將作品視為持續生成中的創作過程與思想載體。不論是1931年以1秒鐘1張的影像記錄的《男人就是男人》，或1949年在劇院中拍攝了600張演出照並整理成「模型書」的《勇氣媽媽》，都是透過記錄延續創作。對布萊希特而言「檔案並不是用來照抄，不是用來減去思考，反而是用以刺激思考，讓人真正地創作」。　　即使在長達16年的流亡歲月中，布萊希特仍於最艱困的處境下，投注大量時間與心力保存創作資料。布萊希特以批判性的劇場語言，實踐著「藝術只能用藝術的方式被呈現」的核心精神。即便出生地奧格斯堡（Augsburg）也曾因其左翼政治立場，一度成為「被沉默」的名字；而今奧堡的布萊希特藝術節已高舉著「Alle（所有人）」的海報，歡迎著不同世代、不同政治立場、不同文化的群體。　　2026年起擔任奧格斯堡布萊希特藝術節藝術總監的薩哈爾．拉希米指出，承接布萊希特「沒有人被排除在外」的理念，藝術節多年來也以藝術回應戰爭、流亡、移民與社會分裂等議題，今年的藝術節以「共融」為核心，除了所有演出場地皆為無障礙空間，演出形式上也嘗試了德文與德文手語共同演出，口述影像等。拉希米也談及自己的母親仍身處伊朗，當奧格斯堡自由慶祝藝術之際，世界其他地方的人們卻依然身處戰爭之中，也由此感慨「布萊希特對政治、權力與社會現實的批判，從未真正遠離當代」。從《Mackie踹共沒？》到「伽利略計畫」布萊希特走入臺灣劇場語境　　除了臺北表演藝術中心今年於「北藝嚴選」系列邀請由布萊希特創立的柏林劇團來臺演出經典作品《三便士歌劇》外，布萊希特的作品與精神，也持續在臺灣被轉譯與再創造。一心戲劇團於2012年首演的新編歌仔戲《Mackie踹共沒？》即改編自《三便士歌劇》，戲劇顧問張啟豐指出，該劇採用跳敘結構而非傳統線性敘事，「壞人沒有遭報應」的結局安排，也刻意偏離傳統戲曲程式；其中一曲〈什麼時代〉更取材自《三便士歌劇》經典名曲〈大刀麥基〉，展現布萊希特在當代臺灣戲曲語境中，被重新理解與詮釋。　　2020年以布萊希特劇本《伽利略傳》為核心發起「伽利略計畫」的王瑋廉，近年持續透過文本翻譯、表演共學、觀演研究等行動，展開劇場美學實踐與文化自主探索。他指出，「伽利略計畫」關注的不只是劇場本身，更延伸至科學、哲學與藝術之間的辯證關係。回望《伽利略傳》帶來的啟發，他認為其中對知識、權力與人性的思辨，也與東方《論語》、《易經》等生命哲學形成深刻對話。　　王瑋廉進一步表示，布萊希特的批判並非出於冷酷，而是建立在深刻的同情之上，「布萊希特始終以創作者的誠實不斷批判自己。」這樣的精神也與東方哲思形成深刻對話。當臺灣當代劇場以實踐持續回應「排練場不是在戲劇裡，而是在生活裡」，也延續了布萊希特「劇場不是讓人逃避現實的夢境，而是改變社會的實驗室」的精神，使其思想在今日依然具有強烈的當代性與穿透力。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：今年奧格斯堡的布萊希特藝術節高舉「ALLE」歡迎「所有人」。（臺北表演藝術中心提供）

　　1928年，一部原本被認為將徹底失敗的作品，在半毀的舞臺上誕生，卻意外成為改寫戲劇史的經典。近百年後，《三便士歌劇》（The Threepenny Opera）依然像一把未生鏽的刀，劃開資本主義社會最虛偽的表皮。由導演巴里・柯斯基（Barrie Kosky）攜手柏林劇團（Berliner Ensemble）的首演地最新版本，如今原裝來臺，5月29至31日於臺北表演藝術中心大劇院，再次讓這齣作品照映當代的焦慮與裂縫。　　《三便士歌劇》由劇作家貝托克．布萊希特（Bertolt Brecht）與作曲家克特．威爾（Kurt Julian Weill）共同創作，改編自18世紀英國作家約翰・蓋伊（John Gay）的《乞丐歌劇》（The Beggar's Opera）。1928年於柏林首演時，沒有人預料它會成功，甚至在開演前半小時，舞臺布景還突然倒塌一半，所有人都以為這將成為劇場史上的災難。然而結果恰恰相反——主題曲〈大刀麥基〉（Mack the Knife）迅速傳遍街頭，威爾極具魅力的音樂，再加上布萊希特俐落狠準的社會批判，使作品一炮而紅。　　《三便士歌劇》劇情描述維多利亞時代的倫敦，由乞丐集團首領皮佑納與人稱「大刀麥基」的黑幫頭子分庭抗禮，不料皮佑納的女兒皮普麗竟與麥基私下完婚。憤怒的皮佑納逼迫警察總長卜朗逮捕麥基，卻因卜朗與麥基曾是戰場同袍而讓麥基得以逃亡。然而舊情人珍妮出賣下，麥基仍被捕入獄；之後卜朗女兒露西又暗中相助而脫逃。面對層層背叛、利益交換與權力角力，皮佑納更以女皇登基典禮為籌碼威脅警方，逼卜朗對麥基下最後決斷。利益至上善良只是表演 人性被明碼標價　　柏林劇團戲劇構作西碧勒・芭修（Sibylle Baschung）分析指出，劇中每個角色最在意的始終是自身利益，尤其是物質利益。但這並非單純出於邪惡，劇中的名句：「我們本可以善良，而不是卑劣；但這世界從來不是那樣的地方！」直指他們活在一個冰冷、疏離且競爭至上的社會。　　「他們從未想過要團結起來改變結構性的問題；相反地，他們忙著向他人、也向自己上演一場又一場表演。」西碧勒・芭修指出，《三便士歌劇》中的人物，假裝善良、假裝有愛、假裝仍然相信道德，但實際上，所有情感、關係與價值都逐漸被商品化。　　近一世紀後，《三便士歌劇》依然驚人地貼近當代。布萊希特對失控資本主義的批判、對群眾心理與權力結構的洞察，在今日全球經濟焦慮、階級裂縫與民粹情緒蔓延的氛圍中，再次顯得異常銳利。劇中那個被利益、恐懼與權力驅動的社會機器，似乎從未真正離開過。從威瑪共和到當代社會 冷眼直視現代寓言　　布萊希特革命性提出的「疏離效果」——打破第四面牆、讓演員刻意展現「正在扮演」，體現在《三便士歌劇》的雙重性：冷酷與熱情並存、媚俗與嚴肅共生、荒謬與真實纏繞。威爾的音樂刻意以快速、碎裂、混雜的聲音回應現代都市節奏，並自由融合猶太會堂音樂、巴哈、莫札特、爵士、輕歌劇與流行舞曲。看似輕快的音樂，卻暗藏愛情、背叛、道德與利益的故事。　　柏林劇團不只是作品誕生之地，更是布萊希特劇場美學的重要基地，此次原裝來臺的《三便士歌劇》，亦是柏林劇團於首演以來持續迭代更新至今的最新版本。導演巴里・柯斯基則以他鮮明、大膽且帶有黑色幽默的風格，重新打開這部經典。舞臺設計以巨大鷹架構成，如同一座永遠逃不出的社會機器。角色在其中穿梭、攀爬、墜落，像困在階級與欲望中的動物。整體氛圍狡黠、性感，甚至帶著某種病態的魅力，每個人都被迫專注於自身的利益，卻又輕巧地擁抱犬儒與陰暗。　　《紐約時報》盛讚：「柯斯基大膽的重新詮釋，避開過去90年來圍繞此作形成的威瑪時期刻板印象。與柏林劇團無可挑剔的表演陣容一起，他的詮釋充滿野性、帶著一種愉悅的威脅——那爆炸性的音樂幾乎是最好的版本。」　　《三便士歌劇》歷久不衰，因為它不只是講述罪犯與騙子的故事，而是揭露整個社會如何共同參與了一場巨大的表演。在這個世界裡，愛情可能是交易，道德可能是包裝，慈善可能是生意，而憐憫也可以成為操控群眾的工具。　　近百年前，布萊希特用劇場逼迫觀眾直視資本社會的真相；近百年後，我們更需要在劇場裡，在他的作品裡，看見自己所身處的世界。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：《三便士歌劇》主要演員卡特琳．韋利施（左）與加布里埃爾．施奈德以演員視角解讀劇中人物。（臺北表演藝術中心提供）

由新媒體藝術先鋒鄭淑麗與太魯閣族儀式傳承者暨藝術家東冬・侯溫攜手創作的《遊林驚夢：巧遇 Hagay》，5月22至24日在臺北表演藝術中心（北藝中心）球劇場正式登場。這是該作品歷經5年發展，巡演歐洲多地，並於2025年受邀至英國泰德現代美術館 (Tate Modern) 世界首演後，2026年終於回到臺灣以完整版展開在地首演。神話、酷兒與科技交會的山林幻境《遊林驚夢：巧遇 Hagay》以太魯閣山林傳說為起點，描述一名獵人獨自上山打獵，途中遭逢大雨，躲進樹洞避雨後沉沉睡去。醒來時，他走入一座閃閃發光的神秘森林，並遇見一群未著衣裳、優雅而美麗的男性靈群。他們彼此相擁、交疊，並向獵人自我介紹：「我們是 Hagay。」在太魯閣族文化中，「Hagay」指的是擁有女性特質的男性。這場相遇，也成為獵人進入另一種世界觀與身體感知的開始。作品融合數位藝術、影像、雷射、自我敘述、神話歌謠與原民樂舞，並結合太魯閣族的 Gaya 宇宙法則，以及科技薩滿主義（Technoshamanism）概念。東冬．侯溫指出：「作品並不接合西方主流的未來想像，而是提出一種來自原住民世界觀的未來論。」他進一步指出，作品也試圖為非典型性別身體發聲，透過神話中的靈性視野，回應當代酷兒與性別議題，使文化的多元性在身體之中被實踐。鄭淑麗從東冬・侯溫的原始劇本出發，加入後殖民思考、部落變遷與科技幻想，使舞臺不再依賴實體裝置，而轉化為流動的森林幻境。觀眾將看見蝴蝶飛舞、山林移動，雷射光束化為編織與狩獵知識的傳遞媒介；雙人舞踏則透過動作捕捉與即時編碼技術，再詮釋性別流動的身體狀態。最終，一座靈橋將所有表演者匯聚至 Gaya 靈界，也引領觀眾走出山林迷夢，迎向重生。從神話文本到劇場幻境　持續被轉譯的靈性工程《遊林驚夢：巧遇 Hagay》中，科技並非象徵文明進步的裝置，而是重新被置回原住民宇宙觀之中的媒介。舞臺設計揉引科技化為「編織」與「儀式」的延伸，牽引觀眾進入古老智慧與當代社會的交錯境地。東冬．侯溫表示，透過以此作品持續與族中耆老對話，科技對於族人而言，已不再只是冰冷理性的工具，而是當代得以召喚精神、記憶與土地關係的「現代巫具」。作品最早於 2020 年在臺灣當代文化實驗場 Lab Kill Lab 發展成形，2022 年於花蓮銅門部落首演，同年以 STWST48×8 版本於林茲電子藝術節及 Stadwerkstatt 呈現，並參與臺灣美術雙年展。2023年進一步發表劇場版初稿，2024年於瑞士與丹麥展開「Living Gaya Dreaming Hagay」交流演出，2025年受邀至倫敦泰德現代美術館演出。歷經戶外、展覽、美術館與劇場等不同空間轉化後，作品終完成大型劇場完整版本，科技也成為 Gaya 得以顯現的形式之一。鄭淑麗認為《遊林驚夢：巧遇 Hagay》從最初的神話文本開始，經由東冬的敘事，導演與不同技術部門合作，整合成再轉述的舞臺語言。「這是一個不斷被轉譯的過程，也是一場修復文化與重建精神的儀式」，作為觀眾完全不需要「讀懂」每一個符號或脈絡，只需要讓自己進入一種沉浸的狀態。「我們在倫敦演出時，有觀眾留言說一開始不知道自己會看到什麼，但最後完全沉浸其中。我覺得這個回饋很關鍵，這個作品不是要被完全解讀，而是要被經驗。」從儀式開始，也從儀式結束 找到屬於自己的路徑泰德現代美術館國際表演藝術部門資深策展人羅莎莉．杜巴爾（Rosalie Doubal）邀請《遊林驚夢：巧遇 Hagay》演出並表示：「這部作品的特別之處在於它本身來自很多元素的融合。它的根源來自部落文化，所以超越了任何現代或西方定義的藝術形式。」並且看見了動作、舞蹈、儀式、吟唱、各種藝術形式的融合，「以它獨有的方式存在著。」象徵其藝術語彙與議題關懷已超越地域與文化框架，進入國際當代藝術的核心對話。強調「從儀式開始，也從儀式結束」，此作品於泰德現代美術館演出時，引領著觀眾在走進劇場前，便感受到來自花蓮銅門部落的生命故事；如今走進北藝中心同樣延續著重建精神的儀式，引導觀眾不只是踏入劇場，而是彷彿循著獵人的腳步，在城市之中一步步走入山林，穿越霧氣、記憶與召喚。在神話、身體與科技交織之間，讓每一位觀眾都能循著自身感受，找到屬於自己的路徑與聲音。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：藝術家鄭淑麗（左）與太魯閣族儀式傳承者東冬・侯溫。（臺北表演藝術中心提供）