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混亂時代人們總渴望一個精神定錨。村上春樹在《國境之南、太陽之西》中多次提到舒伯特的《冬之旅》——即使聽不懂德語，那份穿越語言的孤寂與情感仍能深切觸動人心。由詩人鴻鴻與黑眼睛跨劇團於4月19、20日，在臺北表演藝術中心球劇場帶來的《末日前的冬之旅》，20日晚場的古典版是鴻鴻對《冬之旅》逾40年的深情致意，19、20日午場的爵士版也是一首給當代世界的情詩——願舒伯特交織著悲傷與甜蜜的音樂，為這混沌世界帶來一絲慰藉與希望之光。德國浪漫主義詩人威廉．穆勒《冬之旅》的24首詩，在舒伯特的重新編排與作曲下，成為鋪陳情感層次豐富的聲音旅程——一位失戀旅人在冬日流浪，靜靜向內窺視傷痕與存在的深淵。《冬之旅》不僅被無數音樂家重新詮釋，也跨界成為舞蹈與戲劇的靈感泉源。而黑眼睛跨劇團此次將《冬之旅》改編為音樂意象劇場《末日前的冬之旅》，並挑戰同台雙戲的「絕世復刻經典場」與「末日重生爵士場」兩個版本，讓初次接觸的觀眾既能欣賞原汁原味的古典版，也同時品味能與時代交織，包容、延伸變奏所有音樂的爵士版。從荒島唱片到劇場夙願 雙版本詮釋經典與當代黑眼睛跨劇團藝術總監鴻鴻表示，這就像是一部電影，畫面不變卻配上兩套聲軌，不僅演出兩種語版，連音樂也是南轅北轍的兩種風格。他也指出，《冬之旅》堪稱是自己的「荒島唱片」，自大學時代第一次聽到全曲錄音至今已40年，仍是百聽不厭。想要做舒伯特《冬之旅》的劇場版是自己的夙願。回顧過去製作、導演過的《浮士德的天譴》、《茶花女》、《唐懷瑟》、原創的《天中殺》等歌劇，想來彷彿都在為《末日前的冬之旅》做準備。將《冬之旅》的幽微詩意，以完整的舞台敘事搬演，不僅是對經典的回應，也是一場寓言的建立。鴻鴻希望點出「末日前」，是企圖把這套組曲與今日的世界連結起來，彼此對照。酷愛音樂的部落客「爵士殺手」指出，《冬之旅》這樣的作品不該只是放進音樂廳訴諸純聽覺，而是要在劇場中讓身體參與、讓影像對話。鴻鴻將它視為音樂意象劇場，用聲音說故事、用空間建構寓言，透過影像和舞台的更迭，演員的角色扮演、余彥芳的編舞，讓舞台成為一個歷經文明洗劫後的空間，詩意、夢境、綠意與殘瓦在其中交錯，觀眾宛如坐在遺跡中、見證一個真實的生命如何存活下來的過程。《末日前的冬之旅》分為古典版──「絕世復刻經典場」，由男中音趙方豪搭配蘇映竹的鋼琴伴奏，演唱舒伯特原汁原味的德語版，中譯歌詞選用了聲樂家金慶雲協韻而富詩意的譯本《冬旅》，如第一首〈晚安〉的譯筆：「陌生的我來到這裡，陌生的我又離去，五月曾何等親密，迎我以繁花如許」；爵士版──「末日重生爵士場」由爵士女歌手林理惠演唱謝明諺全新編曲，詩人鄭順聰重新填詞的臺語版，將舒伯特轉化為狂野的爵士樂，演唱者也彷彿以流浪者的身份，浪跡時代的劇變、心緒的轉換與語言、音樂的過渡，有如一名穿梭古今的說書人，不僅是對經典的重新詮釋，也是一場臺文文學與音樂的跨界冒險。從歐陸冰雪到台灣風景 把經典唱給下一代聽鴻鴻形容臺語版歌詞既口語又不失典雅，其說是翻譯，不如說是重寫。用臺語的聲韻填德語的旋律甚是高難度，鄭順聰也分享創作過程中自己的詞既要保持與歌劇的距離感，又要代入劇場呈現的畫面，因而有了如〈考試〉這樣的橋段：「考試是無通閃的人生，無標準答案的上歹添，主考官就是彼跤時鐘」以學子的考試寓意人生試鍊，也讓爵士版在《冬之旅》的底蘊上，彷彿將場景從歐陸的冰雪荒原轉換為台灣風景。鄭順聰指出在轉譯過程中自己代入許多臺語歌曲的「悲戀」情境，甚至打趣自己想像著「半夜被老婆趕出門」的心情進行填詞。「爵士殺手」指出，如果你從未聽過《冬之旅》，《末日前的冬之旅》會是一道入門的破口；若你早已熟稔它，那這將會是一場熟悉旋律的陌生旅程。「音癒系」作家瓦力也指出，或許你從來沒有完整聽過《冬之旅》，但你肯定聽說這裡面有一首知名〈菩提樹〉，儘管小學課本的〈菩提樹〉早就被民謠化了，歌詞也被更動，但完全無損幼年時剛聽到這首曲子時，內心深處的一條絃是怎樣地被撩撥的。舒伯特的《冬之旅》是一封獻給生命的終極情書，撫慰世間最寂寞的人；鴻鴻《末日前的冬之旅》亦像是他獻給當下的情詩，他也期盼著臺語爵士版日後錄製成專輯，讓孩子們除了耳熟能詳的中文版〈菩提樹〉，也能傳唱這套完整的臺語版《冬之旅》，將一首來自兩百年前的生命情書，延續到更遙遠的未來。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1889862118044786688臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

南非當代藝術巨擘威廉・肯特里奇（William Kentridge）以其獨特的視覺語彙與敘事手法，在全球引發熱烈討論的作品《女先知》（SIBYL），將於4月11日至13日登上臺北表演藝術中心大劇院。作品以古希臘神話中掌管命運的「女先知」為靈感，融合動畫、音樂、舞蹈與動態裝置，探索當代人類面對命運與科技操控之間的焦慮與無力感。《女先知》不僅是一場藝術的極致展演，更是關於未來與人類自由意志的哲學思辨。SIBYL的預言 命運的幽微曖昧古羅馬詩人維吉爾（Virgil）的史詩《艾尼亞斯紀》（Aeneid）描述，傳說中庫邁（Cumae）洞窟中的女先知SIBYL會將預言寫在橡樹葉上，並留在洞穴口讓人們領取。然而，當風吹散了樹葉，混亂了問答和預言的順序，最終使人們無法辨認屬於自己的命運。這種「已被揭示卻無法掌握」的命運隱喻，正是肯特里奇在《女先知》中所傳達的意涵。在21世紀的現代社會，人工智能（AI）與大數據技術已能預測個人的行為模式、購物習慣，甚至健康狀況，人類看似擁有掌握未來的能力，卻陷入被數據與演算法操控的命運困境。肯特里奇表示：「當人們透過演算法判斷要聽什麼音樂，5年後自己的身體狀況⋯⋯，事實是演算法正在榨乾我們，它像是一頭有無數獠牙的巨豬。我們以為它在餵養我們，但實際上是不斷將訊息回飼它，最終將不知會養出怎樣的怪獸。」炭筆動畫與南非樂舞交織 歷史與文化儀式流轉榮獲2023年英國勞倫斯・奧立佛獎（Laurence Olivier Awards）「傑出歌劇成就獎」（Outstanding Achievement in Opera）的《女先知》，敘事由兩個篇章組成：首部《瞬間已逝》（The Moment Has Gone）由肯特里奇標誌性的炭筆動畫描繪歷史記憶的重疊與模糊——影像中的人物不斷被擦除、重繪，隱喻著過去的變動與當下的瞬逝。第二部《等待女先知》（Waiting for the Sibyl）則以音樂與舞蹈回應神話中的先知之聲，舞者的身影投映在巨大的書頁上，彷若風中飄旋的樹葉，陰影映照著命運燃燒殆盡的餘燼。多媒體作品《女先知》以舞台上的書頁翻動，演員如活動雕塑般旋轉移動，呼應著承載先知訊息的樹葉流轉，肯特里奇認為視覺須有現場演奏結合，因此邀請兩位音樂家共同合作：恩赫蘭赫拉·馬哈蘭古（Nhlanhla Mahlangu）負責合唱與編舞，爵士鋼琴家凱爾·謝潑德（Kyle Shepherd）負責音樂創作，馬哈蘭古曾表示：「我帶來了傳統和本能，凱爾・謝潑德則帶來了古典與技巧。」兩人共譜出富張力與層次的音樂語言。馬哈蘭古的創作植根於南非傳統歌舞而在國際舞台上享有盛譽，且與肯特里奇合作多年。在《女先知》中，他不僅擔任歌舞編排，更親自領導合唱團登台演出。他將古代女先知的神諭轉譯為南非文化語彙，故特別邀請具備傳承祖先精神天賦的歌者與舞者共同演繹，使整場演出更具南非文化與儀式感。《瞬間已逝》片段中，觀眾可以深刻感受到南非祖魯族的「Isicathamiya」演唱風格，Isicathamiya原為男聲無伴奏合唱，此次則融合了男聲四重唱與謝潑德的鋼琴演奏，呈現底層勞工在困頓現實中尋找短暫歡愉的壓抑情感；進入《等待女先知》，無論音樂或舞蹈，則顯得更加奔放多變，展現戲劇張力。宿命與自由 我們是否有勇氣迎向未來？成長於種族隔離制度下的肯特里奇，對社會不公與政治壓迫有著深刻的洞察，作品中不斷呈現種族與政治衝突的歷史印記，在素描的黑與白之間，他透過藝術拓寬那些近乎消失或極其細小的灰色、中間地帶，一如他所言：「捍衛不確定性是藝術家的責任。」讓觀者在觀看作品的同時，也參與了一場歷史與現實的辯證。《二手閱讀》、《翻頁的探戈》、《十四行詩》、《軟字典》及《女先知》作為肯特里奇標幟性的翻書系列（Flipbook），書頁翻動成為最原始的動態影像，也在翻頁的停頓之間，藝術家以圖像折射出對世界的演繹。他認為歷史、神話元素是用來檢視當代問題的方法之一，正因為有些事反覆出現，用古老的方式檢視當代，也就成為面對問題的一種方式，也檢視我們能多大程度地掌控自身與周遭世界。隨著舞台上每一次的書頁翻動，觀眾所見是命運的推移？或是一種重新書寫的可能？或許觀眾將發現：命運，或許早已揭曉——但真正的問題是，我們是否有勇氣去面對？北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1889862118044786688臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

「歐洲舞蹈劇場教母」碧娜．鮑許帶領的「烏帕塔舞蹈劇場」（Tanztheater Wuppertal），2022年後與新任藝術總監波赫士．夏瑪茲(Boris Charmatz)及由其創辦的實驗性舞蹈組織「陣地」（terrain），攜手呈獻了一場風暴般的演出——《自由大教堂》。作品結合了鐘聲、管風琴、合唱與舞蹈，展現了夏瑪茲對舞蹈的創新與探索。作為一座「沒有教堂的教堂」，此作呼應了藝術家對自由的追求，並以其前衛而富挑釁的方式，質疑社會規範和藝術界限。此作品將於3月21、22日在臺北表演藝術中心大劇院進行亞洲首演。教堂與劇院之間 尋找真正的自由《自由大教堂》首演於德國烏帕塔附近的聖瑪麗大教堂，選擇在看似冰冷的建築作為表演空間，著重於它所承載的文化與歷史重量。教堂作為宗教的象徵，有著深厚的人文意涵，而夏瑪茲將這個象徵性的場所轉化為一座「自由」的大教堂，在舞蹈的框架內重新詮釋教堂所代表的意義。他表示：「教堂不是自由的空間，劇院也不是；真正的自由空間只存在於心中。」這種將空間、身體與歷史交織的藝術手法，讓觀眾不僅僅是在欣賞舞蹈，更是參與了一場關於人性、信仰與自由的深刻對話。夏瑪茲並運用教堂的鐘響，提醒人們注意生命中的儀式感和重要時刻，他以「狂熱」看待這場鐘聲的「遊戲」，認為像是鐘聲的電音派對，故而存在巨大的反差。他也在《自由大教堂》裡將觀眾席以不對稱的方式，建立出一個十字形的表演空間，形成一個環形觀眾席，強化神聖感的同時，也讓觀眾得以近距離感受舞者的身體動作。秩序與失序間 探索神聖與人性波赫士．夏瑪茲的創作總是挑戰觀眾對舞蹈的傳統認知，也凸顯他的藝術哲學建立在「打破舞蹈既有框架」的基礎上。《自由大教堂》中，他讓26名表演者在空間中形成一種無序的秩序，讓舞動的群體建構出一種「沒有教堂屏蔽的神聖集會」感，並將整場表演依不同的聽覺內容分為五個獨立的片段，將聲音與肢體動作交揉。第一段以貝多芬第32號鋼琴奏鳴曲（Piano Sonata No. 32, Op. 111）為軸心，發展出參差的肢體與紛亂的唱隊，彷彿讓舞動成為延展旋律的共鳴箱，躁動的合唱群以失衡肢態與游移軌跡蠶食舞台，觀眾亦可感受他昔日舞作《一萬種姿態》與《半醒》殘存的基因卻簡化而顯得破碎。第二段夏瑪茲彙集三十三座城市的鐘鳴，金屬震盪聲交織成生命儀典的隱喻。當喧囂群舞退去，夏瑪茲在第三段鑿刻出靜默般的深淵，以天主教性侵案例，形塑出喉頭痙攣的失語體態，既是被噤聲的受難者標本，亦是體制黑箱的病理切片。加拿大裔女歌手派切絲（Peaches）千禧年推出的歌曲《Fuck the Pain Away》吶喊地帶出第四段，宛若集體懺悔又彷彿掙脫壓抑的控訴。舞者們以肢體蔓生至觀眾席，囈語構成無形鎖鏈彷彿將每座孤島串聯成陸。最終段，編舞家以管風琴聲紋滲入眾人毛孔，舞者以肌膚相觸凸顯神性擁抱與肉身禁忌，在後疫情時代迸裂。歷史記憶與身體傳承 反思社會與自我關係夏瑪茲的作品亦關注了身體與歷史的遺產問題。他與烏帕塔舞蹈劇場的合作中，碧娜．鮑許的影響無可避免地成為了《自由大教堂》的一部分。夏瑪茲稱這些與碧娜共同創作的舞者們為「帶有歷史的身體」，這些身體的記憶成為了舞作的一部分。他認為記憶是強大的工具，透過這些舞者，碧娜的遺產得以在作品中延續，並賦予了《自由大教堂》更深的歷史意涵。《自由大教堂》除了是一場舞蹈表演，它更是一次對於自由、歷史與身體的深刻探索。夏瑪茲邀請觀眾走進這座「沒有教堂的教堂」中，反思自己與社會、宗教以及歷史的關係。這是一座既沒有圍牆也沒有鐘樓的大教堂。然而，鐘聲依然響起。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

德國當代音樂劇場領軍人物海恩納．郭貝爾（Heiner Goebbels），以一次世界大戰為起點，跨越百年歐洲史的作品《每件發生了，還要發生的事》（Everything that Happened and Would Happen ）3月8日、9日於臺北表演藝術中心大劇院進行亞洲首演。本劇打破傳統歷史書寫權威，將詮釋權交回觀眾手中，由每個觀眾自由選擇對歷史事件的看法，從不同角度重新審視過去與未來。劇場化身巨型樂器 聲音實驗震撼感官 繼《白紙黑字》、《史迪夫特的事物》、《進擊的狂想》及《代孕城市》後，郭貝爾再次以其獨特的劇場語彙震撼臺灣觀眾。新作《每件發生了，還要發生的事》亞洲首演，引領觀眾走入一座由聲音、影像、物件、裝置、文本、演奏共構的巨型「樂器」中，體驗前所未有的沉浸式劇場。 郭貝爾表示：「所有劇場與音樂劇場媒材在我看來都像作曲」。這句話，不僅是他創作的核心理念，更是理解《每件發生了，還要發生的事》的關鍵。不同於傳統音樂對旋律與和聲的既定印象，郭貝爾運用如同約翰·凱吉（John Cage）的作法，將「聲響」視為音樂創作的本質。本作舞台上的一切——物件的碰撞、裝置的運作、環境的聲響、人聲的呢喃、影像的流動，乃至於文本的意涵，都被視為「樂音」的一部分。 這些「樂音」的隨機拼湊，是經過郭貝爾精心編排。他汲取捷克作家派屈克・奧雷尼克 （Patrik Ouředník）《20世紀極簡歐洲史》中並置歷史事件與個人片段的手法，以及「歐洲新聞頻道」（Euronews）《不予置評》中抽離詮釋、直面事件的純粹影像，將這些元素解構、重組，轉化為劇場中的聲響與視覺符號。 因此，《每件發生了，還要發生的事》的演出現場，本身就是一個巨大的、不斷變化的聲音裝置。觀眾不再只是被動的聆聽者，而是置身於「樂器」之中，親身感受各種聲響的流動、碰撞、交織，主動建構屬於自己的聆聽經驗與意義詮釋。劇場也成歷史場域 臺灣多元敘事展現多層次 曾多次來臺，郭貝爾觀察到臺灣的歷史具有多層次性，不同的視角交織形成多元的歷史敘述，並與藝術創作緊密相連，他認為歷史如何從不同的權力位置被建構或重新書寫，是目前臺灣藝術場景中特別值得關注的議題。 借鑑《20世紀極簡歐洲史》的敘事方式，將歷史與當代事件交織在一起，演出中包括即時新聞畫面，且每場演出所使用的新聞素材都不同，郭貝爾認為觀眾可能會聯想到當前烏克蘭戰爭，甚或川普試圖購買格陵蘭等事件，但表演本身不對新聞內容做評論，而是讓觀眾自行思考和詮釋。不為作品下定義 邀觀眾改寫未來 為呈現史詩般的《每件發生了，還要發生的事》首次將大劇院全面展開，全長 50米的景深已是一座奧運標準泳池規格；舞台上所有吊桿均配以靜音馬達，在全然寂靜的空間，演出者在舞台上拖拉工業和劇場道具，讓聲響成為演出的一環，表演者之間的關係，包括與道具之間的關係——如何拿取、如何懸掛，如何移動，既是自由也是詮釋；既是重建也是解構世界史。 郭貝爾強調，自己並不設定「某個主題」，他始終無法回答「這作品是關於什麼？」，他希望作品就是作品，是他們本身，也期待臺灣的觀眾不用思考「這是關於什麼」。 但這場演出不僅是一場聽覺與視覺的盛宴，更是一場對歷史、身分與未來的深刻提問。在全球化浪潮下，人類社會不斷變動，郭貝爾藉由這部作品，邀請觀眾打破時間的線性敘事，反思歷史如何形塑現在，並在「並置而非敘事」的劇場體驗中，與藝術家共同思考、想像人類的過去、現在與未來，進而參與未來的書寫。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

　　臺北表演藝術中心於2025年盛大推出「北藝嚴選」系列，匯集來自世界各地的頂尖藝術家和其作品，包括德國藝術家郭貝爾（Heiner Goebbels）《每件發生了，還要發生的事》、法國編舞家夏瑪茲 （Boris Charmatz）《自由大教堂》、南非藝術家威廉・肯特里奇（William Kentridge）《女先知》、波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）《共和國》、黑眼睛跨劇團《末日前的冬之旅》等，五部充滿實驗性與深度內涵的劇場作品，探索人類存在的本質、社會的變遷以及未來的可能性。50公尺深度舞台，超劇場感官體驗　　德國藝術家郭貝爾（Heiner Goebbels）的《每件發生了，還要發生的事》，將觀眾帶入一個充滿歷史切片的大舞臺，也是北藝中心大劇院舞臺首度全面展開演出，利用50公尺的舞台深度，為一次世界大戰的歷史敘事提供了壯觀的背景。　　作品的靈感來自於捷克作家奧雷尼克（Patrik Ouředník）的著作《20世紀極簡歐洲史》、美國作曲家約翰·凱吉（John Cage）的反歌劇觀念及歐洲新聞台（Euronews）的節目「不予置評」（No Comment）。郭貝爾讓舞臺上音樂家、舞者、文本錄音和影像的交織登場，各自呈現20世紀的大小事件，看似混亂的場景，觀眾卻能在觀賞過程中，自行組織細碎的歷史線索，替眼前所見設定新的情節，同時沈浸在郭貝爾打造的感官場景裡。夏瑪茲任碧娜・鮑許烏帕塔舞蹈劇場藝術總監的首部作品《自由大教堂》　　法國編舞家夏瑪茲（Boris Charmatz）的《自由大教堂》，是一部在教堂裡用身體追求自由的舞作，也是他擔任碧娜・鮑許烏帕塔舞蹈劇場藝術總監後，為該團打造的首部作品。　　這部2023年在德國內維吉斯的聖瑪麗大教堂首演的舞作，夏瑪茲將教堂轉化為一個充滿力量與美感的舞台，作品一開場，26位舞者集體奔跑與歌唱，形成身體與聲音的巨大漩渦，當舞者們突然靜止並停止歌唱，乍然的靜默成為空間裡壓迫性的存在。為了能在臺北重現同樣的臨場感，夏瑪茲決定將觀眾移動到大劇院舞台上，特別搭建具十字架意象的環形觀眾席，觀眾可近距離感受舞者的呢喃、禱告、咒罵等細微動作，及群舞的震撼。AI演算和命運預言，威廉‧肯特里奇《女先知》　　2024年五月，臺北市立美術館為南非藝術家威廉‧肯特里奇（William Kentridge）舉辦的個展引起廣大的迴響。劇場作品《女先知》集結他眾多才華，打造一場融合音樂、動畫與裝置藝術的跨界盛宴。以希臘神話庫邁女先知希比爾（SIBYL）的故事為靈感，傳說中希比爾會在橡樹葉上寫下人們的命運，但一陣風將這些葉子吹散，使祈求先知的人們永遠無法獲得自己命運的答案。　　「你的命運將被揭曉，但你卻無法知曉。」肯特里奇道出人類對未知的恐懼與渴望，同時嫻熟地運用他標誌性的素描定格投影、動態投影、機械裝置、動態雕塑，及鋼琴伴奏與男聲聲樂合唱。南非爵士鋼琴家凱爾‧謝帕德（Kyle Shepherd）與合唱作曲家恩蘭拉‧馬蘭古（Nhlanhla Mahlangu）攜手創作，融合古典與現代音樂元素，塑造出一種全新的聲音，既有傳統的深度，也有現代的表現力。因此榮獲2023年獲勞倫斯·奧立佛獎（Laurence Olivier Awards）的傑出歌劇成就獎（Outstanding Achievement in Opera）黑眼睛跨劇團《末日前的冬之旅》，古典與爵士的絕美撞擊　　臺灣黑眼睛跨劇團的新作《末日前的冬之旅》，以全新角度重新編創作曲家舒伯特的經典藝術歌曲《冬之旅》，並與當代社會議題緊密結合，在音樂上大膽創新，讓不同背景的觀眾都能享受到這部作品的魅力。　　舒伯特的《冬之旅》，描述一名孤獨旅人的心靈之旅，在漫無目的的旅程中，追憶愛情也思索人生，黑眼睛跨劇團重新詮釋《冬之旅》，是對經典的致敬，也是對當今社會的深刻反思，並試圖探討人類在面對末日危機時的內心世界。　　演出共有兩種版本，一是古典原版，由男中音趙方豪深情演繹，忠實呈現舒伯特原曲的優雅與深邃，爵士版則是由歌手林理惠與薩克斯風演奏家謝明諺全新編曲，鄭順聰台語轉譯的《冬之旅》歌詞，勢必展現屬於臺灣的獨特。期間限定的6小時烏托邦《共和國》 於「超級大劇院」獨立建國　　波蘭導演盧卡斯·塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）聯手立陶宛國家劇院的《共和國》，將首度打開北藝中心超級大劇院，嘗試打造一個充滿實驗性的烏托邦國度。在這場為期6小時的沉浸式體驗中，觀眾將穿越一場結合展覽、表演、裝置藝術的狂歡派對，感受絕對的自由與狂歡。　　《共和國》是一個擁有DJ、舞池、廚房、酒吧、桑拿房、拖車與太空船的自由國度，運用電子音樂、錄像藝術和現場表演，觀眾如同置身於一個平行宇宙，體驗一個虛構而令人嚮往的烏托邦。觀眾完成入境手續後，將成為「烏托邦」的公民，可以自由穿梭於不同的場景，近距離感受表演者的熱情；也可選擇待在一個角落靜靜觀察一切，無論以哪種方式參與，都能在這場狂歡中找到屬於自己的一方天地。北藝學院 2025 年登場！跨領域講座開啟藝術新視野　　2024年臺北藝術節推出以藝術家為主體的「北藝人物」及深度解析作品的「北藝筆記」講座，將在2025年納入籌備中的「北藝學院」。同時也為嚴選節目規劃系列的深度講座，包含美國密西根大學神經科學博士、班多鈕手風琴演奏家李承宗開設3堂音樂與心理課程，數位傳聲製作總監吳家恆及爵士樂手謝明諺將共同開設《冬之旅》與爵士樂的課程。而藝術家郭貝爾也將在2025年1月9日開設線上直播講座，分享他的創作歷程。詳細資訊，請見臺北表演藝術中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：《女先知》是一場結合視覺與聽覺的藝術盛宴。威廉·肯特里奇運用動態投影、舞蹈和機械裝置，將希臘神話中的女先知形象生動呈現。透過對未來的不確定性與命運的探索，作品引發觀眾對自身存在的深層思考。（©Stella Olivier，臺北表演藝術中心提供）

劇場導演洪唯堯首度挑戰執導馬戲作品，推出全新作品《落地前六釐米》，從空中飛人表演者落地時的六釐米可能遇到的變數為出發點，將哲學思維融入馬戲，透過大型道具、多媒體技術和極具挑戰性的動作設計，打造了一個充滿張力的舞台空間，邀請觀眾一同感受在失衡中尋找平衡的過程，一場屬於生命與用氣的探索。馬戲是關於生命、選擇和勇氣的探索 洪唯堯表示，他受到德國哲學家尼采《查拉圖斯特拉如是說》將人比喻為「走鋼索的人」影響，「這一端是動物，另一頭是超人。我們不斷地在成為超人的路上行走，過程充滿危險和不確定性，正是這種不確定性，讓生命充滿了無限可能。」 為此，洪唯堯創作時自尼采延伸至空中動作表演者的最後關鍵調整階段「六釐米」，這短短的落地距離充滿了不確定性，也決定了動作的成敗，「調整好可以完美落地，沒有調整好，可能會摔倒；我想要探索的是，在成功落地前的決定性瞬間，充滿了緊張、期待和不確定性，以及面對不確定性時，人們的掙扎、搏鬥和不服輸的精神。」失衡的舞台，是生命的縮影 洪唯堯近年打造多部廣受歡迎的沈浸式劇場作品，他十分看重劇場的當下狀態，那樣的未知令人著迷，而他認為，馬戲又比劇場更當下，有更多未知的當下，他也邀請不同領域的表演者如：舞者、運動員、演員等加入演出，擴充身體表演的豐富度，「馬戲最迷人的是發生在當下的一切，那種不確定性，甚至比戲劇還要當下。這些表演者有不同的背景，呈現出一個多元化的舞台，讓觀眾看到更多的可能性。」 《落地前六釐米》演出充滿了失衡和未知，大型電風扇、網球發射機，都是舞台上的干擾者，表演者的肢體表現和反應，讓每一次演出充滿了當下感與獨特性，洪唯堯說，這種掙扎、和當下搏鬥的過程，是演出中最真實、最動人的段落，觀眾也能感受到表演者身體和心靈的極限挑戰，隨著表演者的動作而緊張、興奮，甚至會為他們捏一把汗，強烈的參與感，讓觀眾與表演者之間有獨特的連結。 洪唯堯表示，這次的創作很特別，他不想讓馬戲演員演戲，也不想讓舞者做馬戲。而是讓表演者在同一個舞台上，以各自擅長的方式表達，藉此呈現獨特的表演藝術魅力。《落地前六釐米》將於12月28、29日在臺北表演藝術中心球劇場演出。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：《落地前六釐米》從空中飛人表演者落地時的六釐米可能遇到的變數為出發點，表演者的肢體表現和反應，讓每一次演出充滿了當下感與獨特性（©攝影-張震洲，臺北表演藝術中心提供）