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　　法國知名編舞家瑪蒂德・莫尼葉的作品《黑暗之光》，即將於本周末在臺北藝術節登場。 這部作品改編自法國文集《H24》，集結了廿四位女作家取材自真實事件所寫的性別暴力故事。莫尼葉精選其中九個故事，透過肢體動作以身體鑿開傷痕，將女性在日常生活中所遭受的騷擾、暴力等轉化為舞蹈呈現。舞動文字裡的苦痛，聽見身體的吶喊　　瑪蒂德・莫尼葉表示，舞蹈不只能傳達情感，更能將文字具體化，透過舞者的身體表現，觀眾能直面並感受到暴力對女性所造成的身心傷害。她在編創過程深入了解廿四位作家所寫的文字，並從每段文字感受到每個靈魂深處的吶喊。　　莫尼葉指出:「這部作品既是語言的流動、節奏的跳躍、聲音的起伏，更蘊含著身體動作的力量，這一切都緊緊捆綁著事實的緊張與衝突。這些話語背後，是存在的勇氣，無論是行動中的或靜止的身體，都在默默見證並投入其中，展現他們的真實，堅定地站在抵抗的前線，發出自己的聲音。」直面傷痕，女性的抗爭之聲　　對於莫尼葉而言，身體是記憶的載體，她希望能夠透過舞蹈呈現出女性身體所承載的歷史和創傷，「這些故事之所以能讓我們產生共鳴，是因為不僅真實，更能深深烙印在我們的記憶中，除了講述了當代的性別歧視問題，更是見證了每天聽見、看見，卻被社會忽視、遺忘和忽略的需要。」　　瑪蒂德・莫尼葉是一位備受推崇的法國編舞家，曾擔任蒙比利埃國家舞蹈中心藝術總監，2014 年起進入法國國家舞蹈中心（Centre national de la danse），成為第一位以編舞家身份入主這個以訓練、保存和創作為主旨的舞蹈中心總監。她的作品風格獨特，結合了深思熟慮與直覺創作，並積極與其他藝術形式跨界合作，創造出豐富的藝術對話。以舞蹈書寫女人心事，溫柔接住每一個人　　《黑暗之光》不僅是一場舞蹈演出，更是一場社會對話。舞者在舞台上舞動以及對觀眾訴說獨白，觀眾隨著這些獨白，也像是走進她們的世界。演出者都是女性表演者，莫尼葉表示，她並非故意不和男性表演者工作，而是從身體和創作出發，選定以全女性為主。　　這些表演者的身體表現出痛苦、暴力和舞蹈，但是要談論的並不是暴力，而是在處理暴力之後，如何在不被定義為受害者的情況下生活，莫尼葉認為這支舞作有很多韌性、溫柔的舞蹈和動作，同時還有一些身體的美感，「這是一部很溫柔的作品。」七月講座精彩回顧：瑪蒂德·莫尼葉從編舞家到總監，最終仍回到創作的懷抱　　七月份北藝中心舉辦了幾場以瑪蒂德・莫尼葉為主角的「北藝人物」系列講座，其中「讓邊界消失：瑪蒂德．莫尼葉的思考與存在」講座，由藝評人郭亮廷深入淺出地講述瑪蒂德．莫尼葉在當代舞蹈界的重要性。莫尼葉曾任職法國國家舞蹈中心、蒙彼利埃國立舞蹈中心藝術總監，卅年來致力將舞蹈帶入法國貧民區、資助研究、與前殖民地共製舞蹈作品，更邀請自閉症患者參與創作，備受好評。　　莫尼葉的創作跨足哲學、雕塑等不同領域，她認為跨界最困難的並非領域間的界限，而是人與人的界線。此次她帶來的《黑暗之光》，以女性在生活中遭受的不便與暴力為題材，透過舞者充滿情緒張力的自白，引發觀眾對性別議題的反思。　　臺北藝術大學舞蹈學院副教授陳雅萍則在講座《當代舞蹈與法國》中，梳理1970年以來法國舞蹈的概念變化，並分享如何閱讀《黑暗之光》。她強調，法國當代舞蹈重視思考與提問，而《黑暗之光》以女性經驗為主軸，透過舞者的講述與身體姿態，引發觀眾共鳴與對話。　　昨(8/29)瑪蒂德・莫尼葉於北藝中心舉行公開講座《我舞故我在：瑪蒂德．莫尼葉的編舞哲學》，她提及《黑暗之光》裡面的女性，並非要呈現女性的力量，而是脆弱及掙扎的樣子，對她而言，這個議題的起源來自於《H24》這本書：「看著H24的書籍，感受到從我自己體內、身邊的朋友，多多少少都有經歷，而面對這個議題，我就是謹慎照顧好我身邊的人。這個議題並不好表達，它既真實又帶著政治性，但我們仍試圖碰觸它，希望透過藝術作品，喚起內在的意識。」瑪蒂德．莫尼葉表示。　　《黑暗之光》將於八月卅一日至九月一日，在臺北表演藝術中心大劇院登場。相關訊息請詳見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1790956783085404161臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/（圖：策展人林人中跟編舞家瑪蒂德．莫尼葉聊到節目邀請的過程，原想邀請她與羅提吉斯（Tiago Rodrigues）共創的《please please please》，但在亞維儂藝術節上看到《黑暗之光》，便改變心意改邀此作。）

　　第八屆「亞當計畫」(亞洲當代表演網絡集會)年會即將於八月廿三日至九月一日於臺北表演藝術中心正式登場，來自十四個國家、超過二百位藝術家及策展人聚集於臺北，以「舞動時態」（Choreographing Theirstories）為題，發展「藝術家實驗室」、「新作探索」、「交流與論壇」等三大區塊，共計十四場公開活動，進行跨領域、跨文化的深度對話。此外，今年「亞當計畫」首度與國家文化藝術基金會攜手合作，推出全新單元「Curatoké：表演策展人學院」，邀請國外重量級策展人來台，培育新世代的策展人。　　臺北表演藝術中心董事長王文儀表示，亞當計畫對臺灣的藝術家而言，其實是一個壯遊計畫，我們不用出門，因為北藝中心會把全球最重要的藝術家，通通邀請到這裡。在這裡，我們透過集會，開始對話，討論，這包括藝術家實驗室，包括新作探索。所以讓我們一起壯遊，我相信經過了壯遊，我們就會擁有一個像莎士比亞所說的「世界就是舞臺」。　　國家文化藝術基金會董事長林淇瀁表示，國藝會很榮幸能夠參與此次計畫，人才培育以及支持青年藝術家，一直都是國藝會的目標，策展人學院這個計畫，我們跟北藝中心經過了近一年的討論才完成，當然就是希望培養更多新的、下一代跨國際、跨領域、跨藝術，具備整合能力的策展人，非常感謝北藝中心他們的努力。　　策展人林人中表示，亞當計畫是一個平臺，為下一個世代的表演藝術的策展，提供更多的想像跟訓練的機會。他也分享這幾年京都藝術節與臺北藝術節、亞當計畫有非常多的交流，今年我們就會有新的作品10月份在京都首演。今年還有做食物相關的研究計畫，其實希望透過這樣的一種藝術節之間的交流，我們能夠在國際的場合，在亞太的場合，促進更多積極的，創造性的，委託藝術家做新作品的一種藝術節的風向。與國藝會聯手　打造全新策展人課程 2024亞當計畫年會首度推出的「Curatoké：表演策展人學院」單元，以培育下一代策展人為目標。今年三月透過徵選方式，選出八名來自臺灣、香港、澳洲、印尼、愛沙尼亞學員參與，並邀請比利時布魯塞爾藝術節聯合藝術總監丹尼爾．布蘭加．古貝（Daniel Blanga Gubbay）、澳洲墨爾本亞太表演藝術三年展創意總監傑夫．可汗（Jeff Khan）、巴西Panorama藝術節藝術總監奈塞．洛佩茲（Nayse López）、英國曼特斯特國際工房創意總監劉祺豐（Low Kee Hong）、南非藝術節藝術總監魯瑟拉・西塔（Rucera Seethal）、及新加坡濱海藝術中心節目策畫總監Faith Tan等豪華陣容的導師群，來臺與學員們交流、分享。曼谷駐地　探索每位藝術家的壓力與脆弱　 「藝術家實驗室」單元也在今年首度走出臺灣，由曼谷國際表演藝術集會 (BIPAM) 藝術總監莎莎賓．希芮旺吉（Sasapin Siriwanij）擔任客席策展人，和臺灣藝術家黃鼎云擔任協作者，帶領七位來自越南、泰國、印尼、日本、澳洲、德國和臺灣等地的藝術家，在臺北及曼谷進行兩階段駐地研究。六月已經進行的曼谷駐地研究，莎莎賓帶領大家探索許多曼谷當地不為人知的景點，用不同的視角認識曼谷，她表示駐地期間深入探討每位藝術家的創作實踐、提問、感受他們的壓力與脆弱，是一個美好的經歷。參與駐地的藝術家們以開放、同理與好奇心展開旅程，這種互動讓她感到難忘與感激。藝術家們八月回到臺北進行第二階段研究，期待透過今年非二元文化敘事的視角，深入探討城市、地方和社群的文化，個人和集體的他的故事（history）、她的故事（herstory）和他們的故事（theirstories），並在年會期間分享最終兩地研究成果。新作探索全新劇場作品搶先看 以呈現新計畫的發展過程為核心的「新作探索」單元，今年與澳洲、葡萄牙、日本等國際藝術組織合作，共有五件新作將於今年亞當計劃進行階段性呈現，包含澳洲塊動舞團（Chunky Move）藝術總監安東尼．漢密爾頓（Antony Hamilton）新作《U>N>I>T>E>D》，用機械裝置、印尼峇里島實驗電子樂揉合爪哇地方舞蹈呈現多元交織的舞蹈形貌；澳洲行為藝術家艾瑪．梅．吉布森（Emma Maye Gibson）帶來《焚燒野獸》，探究火的力量。 現居葡萄牙波多的巴西裔藝術家加雅．德．梅德羅斯（Gaya de Medeiros）的《衝啊寶貝！》針對子女養育提出新觀點；以武術與特技見長的香港鐵仕製作TS Crew與日本contact Gonzo以「搭橋」為切入點，提出人類對世界所帶來的干預及影響；去年「亞當藝術家實驗室」的臺灣原民藝術家林安琪（Ciwas Tahos）和日本編舞家松本奈奈子（Nanako Matsumoto）延續了2023的相遇交流和對話，共同打造新作《黏著的手、縫合的山體》，兩人以酷兒及妖怪的視角出發，讓山的形貌跨越既定想像，於這次的亞當計畫年會中階段呈現之後，將於今年十月在京都藝術節首演。 第八屆「亞當計畫」於八月廿三日正式起跑，並於八月廿八日至九月一日在臺北表演藝術中心舉行為期五天的國際年會，集結所有單元的精華內容，包含策展人學院的公開講座、臺北曼谷駐地研究呈現、全新劇場作品等，參與年會的觀眾均可免費參與。除此之外，年會期間還規畫「臺灣表演藝術櫥窗計畫（Showcase）」，計有10 組臺灣優質表演團隊，帶來演出的精華呈現，展現創作多元樣貌，已於OPENTIX兩廳院文化生活銷售。邀請各界藝文夥伴八月齊聚臺北，共同參與這場豐富多元的藝術盛會。詳情請見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789979925889736705臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

　　今夏最受矚目的劇場作品、2024臺北藝術節重磅節目《親愛的帕索里尼》，即將於八月廿三至廿五日在臺北表演藝術中心藍盒子登場。首度來臺的重量級演員蒂妲．史雲頓(Tilda Swinton攜手時尚歷史學家奧利維耶・薩亞（Olivier Saillard），將劇場空間化作全白的伸展臺，一套套出自帕索里尼（Pier Paolo Pasolini）電影的戲服，在舞臺上一一自箱中被取出，蒂妲．史雲頓將自己的身體當作服裝載體，讓這些曾經僅為一齣電影裡而生的服裝，透過她的重新詮釋，以主角的身分再次鮮活起來。蒂妲．史雲頓：「帕索里尼在我成為藝術家的初期，他便成為人生的導師及創作泉源。」　　蒂妲．史雲頓的電影生涯始於1985年，她參演導演德瑞克・賈曼（Derek Jarman）執導的《卡拉瓦喬》入行，與賈曼的合作開啟了她往後卅年的創作核心——將電影視為一種極具影響力的社會行動，囊括包容、倡議、浪漫、奇想、知識以及政治等精神。談到義大利電影大師帕索里尼，史雲頓說：「我相信，單單就帕索里尼存在的這件事情，就給就給予了賈曼很大的勇氣：無論是作為詩人、知識分子、政治活動家，或是激進的電影工作者，他擁有著不可否認的國際影響力與卓越地位。」　　她認為帕索里尼走在前端，點明了前路、照亮了方向；對於其後的電影人而言，在感受到嚴峻威脅的時代，在初試啼聲，嘗試著一種全新、現代、具辯證意涵電影的時候，「是帕索里尼與他的電影鼓勵著我們的創作。」對史雲頓來說，帕索里尼的藝術理念影響她甚多，「在我成為藝術家的初期，他便成為人生的導師及創作泉源」。　　在電影大銀幕發光十年之後，蒂妲．史雲頓將她的藝術觸角伸向行為藝術，1995年在倫敦蛇形畫廊一檔由她構思、演出的行為藝術表演《也許》廣受好評，從此開啟她與不同場館的跨界合作。2012年史雲頓與奧利維耶・薩亞展開合作，首件作品《不可能的衣櫃》(The Impossible Wardrobe)便以服裝為主題，史雲頓擔綱演繹服裝的表演者，當時她並未穿上任何一件衣服，而是藉由舉手、旋轉、舞蹈等動作，給予服裝不同的意識。　　而本次來臺演出的《親愛的帕索里尼》，對她而言更別具意義，不僅是她和老搭檔又一次服裝主題的延伸，更重要的是結合了帕索里尼的電影，史雲頓表示，這次的演出「跨越了許多門檻，奧利維耶和我獲得接觸到帕索里尼作品收藏的機會，而我們燃起熊熊的熱情。我們深愛著這些在同一個電影宇宙裡的遺跡，能夠與它們對話，真的令人陶醉至極。」奧利維耶・薩亞：「《親愛的帕索里尼》是一場以表演形式呈現的展覽，將這些服裝從隔絕的世界中提取出來」　　作為《親愛的帕索里尼》共同創作人的奧利維耶・薩亞，1995年出任馬賽時裝博物館館長，後來負責巴黎裝飾藝術博物館的「時尚」展覽規畫，並於2010年起擔任巴黎時尚博物館館長，從業廿餘年來發起近卅場的演出。他指出，帕索里尼電影裡的服裝，並非是單純的時代呈現，而是透過服裝，呈現出不同的時間及地理空間，與帕索里尼長期合作的服裝設計師達尼羅・多納蒂（Danilo Donati），在其電影的美學中一直扮演著重要的角色，無論是布料的選擇、色彩的運用，皆為電影增添了超越演員本身的魅力。　　薩亞回憶初次見到這次演出的「服裝主角」時的感受:「多納蒂為帕索里尼創作的戲服緊密懸掛並列著，安靜如架上的叢書，它們默默地展示在羅馬的法拉尼工作室之中，這裡也是製作這些服裝的所在。主角和配角的戲服、臨演的衣服，都按照電影和製作進行分組、按章節和場景收集在一起，有些衣服在拍攝結束之後，就再也沒有觸碰過人的肌膚。｣從爭議到傳奇：帕索里尼的藝術遺產　　帕索里尼是廿世紀義大利最具影響力和爭議的電影導演與詩人，一生拍過十二部長片，獲得包括柏林金熊獎、以及坎城、威尼斯等三大影展獎項及影評人的推崇。他的電影創作深受義大利新寫實主義（Italian Neorealism）的影響，他不僅僅是這項運動的繼承者，更是一位革新者，他的作品像是《馬太福音》和《索多瑪的120天》等，在視覺和敘事上有著極高的藝術成就，還挑戰了當時的社會道德觀和審查制度。他毫不避諱地抨擊社會的不公、反對消費主義，還有對宗教、學生的批判，這使得他在藝術成就之外，也經常成為爭議的焦點。讓服裝成為電影的靈魂　　在《親愛的帕索里尼》表演中所出現的戲服，來自《馬太福音》、《老鷹與麻雀》、《伊底帕斯王》、《豚小屋》、《十日談》、《坎特伯雷故事集》、《一千零一夜》、《索多瑪的120天》等帕索里尼所執導的電影，全都由二度榮獲奧斯卡最佳服裝設計獎的設計師達尼羅・多納蒂設計，這些服裝不僅是電影中的道具，更是電影靈魂的一部分。他為了呈現獨特的效果，常使用不同的材質與不尋常顏色拼接來完成服裝，再加上時時創新，如令人驚豔的立體結構垂肩花苞袖，都讓他的設計獨樹一幟、被譽為金獎傳奇大師。　　這些戲服透過《親愛的帕索里尼》這樣一場彷彿行為藝術又像是一場鄭重儀式的表演，再度被賦予新的生命。薩亞表示，對他而言，《親愛的帕索里尼》是一場表演也是一場展覽，將這些與世隔絕的衣服自防塵罩、盒子中取出，每一件衣服都有它的個性與姿態。在舞臺上，薩亞穿著連身工作服，親自將戲服的褶皺攤開，史雲頓則是另外一位策展人，彷彿在博物館裡用她的身體當作載體展示這些服裝，進行一場為時105分鐘的動態導覽。薩亞說：「史雲頓沒有在扮演、也不是在表演，她只是擁抱並呈現服裝本身的樣貌。」然而在這樣的重新詮釋之後，終究還是為這些服裝再度留下鮮活而立體的印記。　　《親愛的帕索里尼》將於八月廿三(五)至廿五(日)日於臺北表演藝術中心藍盒子演出三場，更多訊息請詳見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/（圖由臺北表演藝術中心提供）

　　比利時藝術家米耶．沃洛普（Miet Warlop）充滿力量的作品《一路到底》（ ONE SONG – Histoire(s) du Théâtre IV），即將於本周末在2024臺北藝術節震撼登場。雖受寧波港爆炸事故影響，演出佈景、服裝、道具貨櫃不及抵臺，但主創米耶．沃洛普表示，這部作品不僅是一場視覺與聽覺的盛宴，更是一場對生命及存在的深刻探索，此次雖受船運延遲影響，但為貫徹作品的精神，決定在短暫的時間內，打造出《一路到底》臺灣特規版，十二位表演者會在舞臺上挑戰體力與情感的極致，觀眾將被帶入一場感官狂奔至極限的旅程，感受一場充滿藝術力量的生命狂想曲。12位表演者極限挑戰　觀眾情緒也隨之起舞　　《一路到底》共使用了兩首歌曲，包括以〈Day after day〉開啟的序奏，加上一首主要的歌曲〈In you Head〉，樂器編制為低音提琴、小提琴、爵士鼓、電子琴和人聲，音樂屬性為搖滾樂，其中演員Wietse Tanghe兼主唱、樂手及跑者，其他樂手也都身兼數職。舞臺上，十二名表演者們邊演奏邊進行各種高難度的運動，例如：小提琴手在平衡木上邊演奏邊保持平衡、低音提琴手躺在地上以仰臥起坐方式拉奏、鋼琴手必須持續跳躍彈奏置放於高處的琴鍵、而鼓手則必須在不同樂器間折返跑等。演出者和觀眾一起在同一個時空裡，經歷了一個高張的過程，成為生命裡獨特的「One Song」。　　不斷重複的動作象徵著生命中無盡的追求與掙扎，同時也反映出人類面對死亡的恐懼和對永恆的渴望；與此同時，觀眾的情緒也將隨著演出而產生變化及波動，跟著臺上表演者一路從興奮到疲憊，透過如此特殊的演出與觀賞間的情緒交流，期使產生一種超越個體的集體力量。舞臺之外的極限任務 北藝與比利時團隊共創《一路到底》臺灣特規版　　受寧波港爆炸事故影響，劇組貨櫃無法於演出前抵臺。米耶．沃洛普前日抵臺後，也迅速與其演出團隊、臺北表演藝術中心共同討論應變方案。確認樂器、平衡木、跑步機等關鍵道具皆可在臺灣租借使用，便重新調整演出段落，打造專屬臺灣特規版本的《一路到底》。　　米耶．沃洛普表示，他在親人過世後曾和好友一起譜寫了一首歌，但因太過悲傷，一直無法重聽，直到2022年瑞士劇場導演米洛・勞（Milo Rau）委託他在「劇場歷史」系列（Histoire(s) du théâtre）創作，他在回顧個人創作史時，重新找出這首歌，並發展作品《一路到底》。　　她表示，《一路到底》原是她獻給離世兄弟的安魂曲，不過，創作的過程改變了她看待生命的方式。舞臺上的每個人最終都將精疲力竭，但所有人都完成演奏，成為演出的一部分。此次在臺灣面對前所未有的挑戰，反而激勵團隊將這份精神擴展到舞臺之外。演出團隊也請比利時的工作夥伴緊急打包備用的服裝，目前已在來臺的班機上。為了臺灣特規版的全體動員，米耶．沃洛普表達對所有人的感謝，「其實演出最終會結束，只是怎麼結束？這很重要。」雜揉視覺、音樂、劇場 展現充滿生命力的演出　　出生於1978年，畢業於比利時皇家藝術學院取得視覺藝術碩士的米耶‧沃洛普，是一位從視覺藝術出發跨足劇場的比利時藝術家。他的作品以獨特的風格，將視覺、表演、音樂等元素巧妙結合，創造出充滿實驗性與視覺衝擊力的舞臺。從早期實驗性的視覺藝術創作，到後來的劇場作品，都展現出他不斷創新的精神。無論是視覺上的震撼、聽覺上的享受，還是對生命、社會的深刻思考，都能帶給觀眾豐富的藝術體驗。　　《一路到底》將於八月廿三至廿五日，在臺北表演藝術中心球劇場演出三場；此外，八月廿四日下午在北藝中心太陽廳還有一場「北藝筆記」講座，由米耶．沃洛普以《我們就只分享一首歌ONE SONG》為題，親自分享他的創作理念及如何以劇場表達對人類情感與社會現象的深刻觀察。相關資訊請詳見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789979925889736705臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

　　泰國當紅劇場導演維帢亞・阿塔瑪（Wichaya Artama）代表作《曼谷公寓》，即將於本周末在2024臺北藝術節登場，公寓裡的故事正是微型的社會縮影，維帢亞藉由戲劇剖析社會底層的生活困境，觀眾在看戲過程中不斷解謎，探尋角色之間的真實關係，這部作品不僅是藝術創作，更是一面反映泰國社會現況的鏡子。　　《曼谷公寓》以公寓為場景，透過兩男、兩女角色，在關係上做模糊化處理，引發觀眾無限遐想。維帢亞指出，他的靈感來自邪典電影（cult movie），並將其與泰國生活中的許多現象進行了類比。他覺得「在泰國的生活很像邪教，充滿民眾深信和尊崇的東西，然後確實融入日常生活之中」，在這樣看似平凡的生活中，隱藏著權力鬥爭、社會壓迫、以及個體的孤獨與無力感。　　於是觀眾可以看到：一邊是國家廣播穿透整棟公寓播放著新聞、傳統音樂和國家大內宣，另一邊是女人談論著人生與生命。但在劇情走向裡無法判斷他們之間的關係是朋友、是兄弟姐妹或父母子女，保有一種模糊地帶與開放關係，吸引觀眾看戲時去探究其間關係與狀態。權力、社會與個體角力，從泰國社會縮影到劇場裡的社會抗爭　　臺北藝術節策展人林人中表示，劇名的泰文原文有提到「家」和「國家」的字詞，最初是2013年維帢亞在自家公寓創作和呈現，類似臺灣的公寓聯展。林人中指出，「出生於1985年的維帢亞，如同我們的太陽花世代，他們也有自己的學運世代，他是屬於年輕的學運世代劇場導演，他也想要批評國家、政權、暴力和不自由，透過藝術創作把他們的生活樣貌呈現給觀眾，因為整齣戲的場景就是在家裡，所以在家裡都在做什麼，就演什麼給觀眾看。」　　維帢亞提到，這部作品最初上演時，與2014年泰國政變的時間點十分接近，社會處於一種轉變的氛圍中，許多人因為害怕轉變，努力維護傳統。「在那時候的演出中，國家、宗教和國王這三大支柱被轉化為更複雜的概念，並在劇中以廣播、對話等形式呈現，表達了對泰國現狀的深刻思考。」雙面舞台的各種可能性，隔一層珠簾，打破劇場第四面牆　　特別的是，這次演出的版本採雙面台演出，中間以珠簾分隔，觀眾會在其中一面看演出，無法看到另一面珠簾後的演出，也因此，每一次的觀看都會有不一樣的視角和不同的劇情解讀。而這樣的舞台設計，也是順應當時的時局狀態調整而來。　　2013年在公寓演出時，觀眾可透過窗戶看另一個房間；2023年在歐洲與布魯塞爾國際藝術節（Kunsten festival des arts）共製重演時，兩個舞台被置放在同一個舞台，中間加上珠簾，觀眾坐在兩端看戲，反映了導演對當時社會政治時局的感觸。根據維帢亞的觀察「政治是一件在日常生活中的循環，且無法探究其走向和發展。」　　林人中表示，這部作品非常有重量感，「從十年前的製作看到現在，導演如何看待泰國政治、社會、經濟、文化的轉變，重新凝視自己社會的過往，也是認識泰國一個重要的管道。」《曼谷公寓》將於八月廿四、廿五日在臺北水源劇場演出二場，此外，在八月廿二日於北藝中心太陽廳還有一場「北藝筆記」講座，由維帢亞以《聚焦東南亞—撒哇滴咖！泰國當代劇場》為題，親自為觀眾解析與當代社會運動同步發展的泰國當代劇場演進。相關訊息請詳見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1790231933543718913臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/（圖片：© Anna van waeg，臺北表演藝術中心提供）

　　一場身體的狂想曲、跨越文化與世代的身體對話——日本舞踏大師麿赤兒（Akaji Maro）攜手法國編舞家兼舞者馮莎・夏紐（François Chaignaud），共同打造舞作《黃金雨》，在里昂舞蹈雙年展首演後佳評如潮，獲邀至各國場館與藝術節演出，世界巡演最終站來到臺灣，將於八月十七、十八日在臺北藝術節封箱演出。麿赤兒透露，在臺北登場的會是一個更升級的版本，希望能把更好的呈現帶給臺灣觀眾。　　麿赤兒是日本知名的舞踏團體「大駱駝艦」創辦人與藝術總監，他表示，《黃金雨》取材自羅馬神話，以愛神與太陽神的形象為核心，探討身分認同、性別流動與生命週期等議題，「這是一場關於身體的狂想曲，我們試圖透過身體的極限與解放，來表達內心的複雜情感。」　　國立臺北藝術大學戲劇系副教授林于竝日前於「北藝人物：什麼是舞踏？」講座中表示，認為現代的舞踏，仍具備「瀆聖」精神，以個體精神達到一種「逆轉的神聖」。大駱駝艦劇團一般被認定為較俗麗，而俗麗與神聖性乍聽之下似乎是相反的概念，但在大駱駝艦的作品中，卻可見兩種元素共融。　　麿赤兒表示，他和馮莎十三年前在法國相遇，當時馮莎於法國蒙彼利埃演出作品《(M)imosa》，該作品談論羅馬暴君故事， 麿赤兒看了演出後對馮莎留下深刻印象，也埋下了《黃金雨》的創作靈感，「當時馮莎飾演的是一名擁有絕世美貌的暴君，我可說是對他的美貌與才華一見傾心，之後也和他保持聯繫，討論創作。」羅馬神話啟發，麿赤兒與馮莎開啟藝術對話　　馮莎・夏紐畢業於國立巴黎高等音樂暨舞蹈學院，作品兼擅舞蹈與音樂元素，挑戰多元表演形式，常與不同領域的藝術家合作，如傳奇變裝皇后 Rumi Missabu。風格清晰，充滿驚喜，是當代歐洲舞壇炙手可熱的跨域表演者，演出足跡遍及各大藝術節，如里昂舞蹈雙年展、巴黎秋天藝術節、亞維儂藝術節，以及巴黎龐畢度中心、倫敦沙德勒之井劇院等重量級場館。　　在二人第一次見面的七年後，馮莎答應和麿赤兒一起創作，延續《(M)imosa》帶來的靈感，以羅馬神話宙斯、太陽神、愛神等神話故事，創作這次的《黃金雨》。但兩人在舞蹈領域專長和身體方法皆大不相同，創作過程可想而知經過許多磨合，才終於產生火花。　　馮莎是以身體為出發的編舞者，而麿赤兒是從故事出發進行舞蹈創作，要將兩個截然不同的身體方法論及文化背景融合成一件作品，是相當不容易的事，麿赤兒說:「我們也會有互相模仿的部分，我學習了馮莎從身體出發的編舞方式，而他也嘗試從故事的角度進行創作。我們彼此坦誠相見，最終呈現的演出是一個很好的『化合物』，也就是經過我們的溝通和交流後，產生的一個極佳的化學反應。」視覺盛宴與思想碰撞，舞蹈藝術的新高度　　臺北藝術節策展人林人中指出，除了精湛的肢體表演，《黃金雨》也融入了音樂與戲劇元素。麿赤兒在劇中演唱了一首日本民謠《死的體感》，將死亡與重生、悲劇與喜劇巧妙地結合；而馮莎則以童謠的形式，詮釋了生命週期的無常。　　兩人除了種族不同帶來的外貌差異，年齡的差距也在身體上呈現迥異的差別，而在《黃金雨》裡更強化了二人形象的不同。馮莎的角色呈現出赤裸、嬰兒般的狀態，麿赤兒則以華麗的服飾和假髮示人，象徵著一位母親的角色。麿赤兒將馮莎塑造成羅馬皇帝，呼應了歷史上曾被流放的羅馬皇帝埃拉加巴盧斯；而麿赤兒在演出中以黃色頭髮的敘利亞神官形象登場，黃色在敘利亞文化中代表著神聖。舞踏大師工作坊，探索舞蹈的無限可能　　對於舞蹈，麿赤兒有著獨特的見解，他表示，「現代人常常執著於『我』這個概念，但如果『我』是虛的，那麼我們與世界的連結又會是什麼？透過舞蹈，我們可以探索身體與空間的互動，甚至創造出一個新的實相。」　　除了演出，麿赤兒也將在臺北舉辦舞踏工作坊。他希望透過工作坊，將他的創作理念和身體技巧傳授給更多人。麿赤兒表示，將長期的舞蹈訓練濃縮成二小時的工作坊是一大挑戰，但他也很期待能將舞蹈的精髓傳授給大家，同為東方人對於虛實的概念可能會有更深刻的體悟，希望大家能和他一起，在工作坊中共同探索舞蹈的無限可能。　　《黃金雨》將於八月十七、十八日在臺北表演藝術中心球劇場登場，一共演出二場；麿赤兒舞踏工作坊於八月十九日下午於臺北表演藝術中心排練場舉辦。相關訊息詳見臺北表演藝術中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789916800217571329臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖（左）日本舞踏大師麿赤兒（Akaji Maro）、（右）法國編舞家兼舞者馮莎・夏紐（François Chaignaud）（張震洲攝影 | 臺北表演藝術中心提供）