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　　今夏最受矚目的劇場作品、2024臺北藝術節重磅節目《親愛的帕索里尼》，即將於八月廿三至廿五日在臺北表演藝術中心藍盒子登場。首度來臺的重量級演員蒂妲．史雲頓(Tilda Swinton攜手時尚歷史學家奧利維耶・薩亞（Olivier Saillard），將劇場空間化作全白的伸展臺，一套套出自帕索里尼（Pier Paolo Pasolini）電影的戲服，在舞臺上一一自箱中被取出，蒂妲．史雲頓將自己的身體當作服裝載體，讓這些曾經僅為一齣電影裡而生的服裝，透過她的重新詮釋，以主角的身分再次鮮活起來。蒂妲．史雲頓：「帕索里尼在我成為藝術家的初期，他便成為人生的導師及創作泉源。」　　蒂妲．史雲頓的電影生涯始於1985年，她參演導演德瑞克・賈曼（Derek Jarman）執導的《卡拉瓦喬》入行，與賈曼的合作開啟了她往後卅年的創作核心——將電影視為一種極具影響力的社會行動，囊括包容、倡議、浪漫、奇想、知識以及政治等精神。談到義大利電影大師帕索里尼，史雲頓說：「我相信，單單就帕索里尼存在的這件事情，就給就給予了賈曼很大的勇氣：無論是作為詩人、知識分子、政治活動家，或是激進的電影工作者，他擁有著不可否認的國際影響力與卓越地位。」　　她認為帕索里尼走在前端，點明了前路、照亮了方向；對於其後的電影人而言，在感受到嚴峻威脅的時代，在初試啼聲，嘗試著一種全新、現代、具辯證意涵電影的時候，「是帕索里尼與他的電影鼓勵著我們的創作。」對史雲頓來說，帕索里尼的藝術理念影響她甚多，「在我成為藝術家的初期，他便成為人生的導師及創作泉源」。　　在電影大銀幕發光十年之後，蒂妲．史雲頓將她的藝術觸角伸向行為藝術，1995年在倫敦蛇形畫廊一檔由她構思、演出的行為藝術表演《也許》廣受好評，從此開啟她與不同場館的跨界合作。2012年史雲頓與奧利維耶・薩亞展開合作，首件作品《不可能的衣櫃》(The Impossible Wardrobe)便以服裝為主題，史雲頓擔綱演繹服裝的表演者，當時她並未穿上任何一件衣服，而是藉由舉手、旋轉、舞蹈等動作，給予服裝不同的意識。　　而本次來臺演出的《親愛的帕索里尼》，對她而言更別具意義，不僅是她和老搭檔又一次服裝主題的延伸，更重要的是結合了帕索里尼的電影，史雲頓表示，這次的演出「跨越了許多門檻，奧利維耶和我獲得接觸到帕索里尼作品收藏的機會，而我們燃起熊熊的熱情。我們深愛著這些在同一個電影宇宙裡的遺跡，能夠與它們對話，真的令人陶醉至極。」奧利維耶・薩亞：「《親愛的帕索里尼》是一場以表演形式呈現的展覽，將這些服裝從隔絕的世界中提取出來」　　作為《親愛的帕索里尼》共同創作人的奧利維耶・薩亞，1995年出任馬賽時裝博物館館長，後來負責巴黎裝飾藝術博物館的「時尚」展覽規畫，並於2010年起擔任巴黎時尚博物館館長，從業廿餘年來發起近卅場的演出。他指出，帕索里尼電影裡的服裝，並非是單純的時代呈現，而是透過服裝，呈現出不同的時間及地理空間，與帕索里尼長期合作的服裝設計師達尼羅・多納蒂（Danilo Donati），在其電影的美學中一直扮演著重要的角色，無論是布料的選擇、色彩的運用，皆為電影增添了超越演員本身的魅力。　　薩亞回憶初次見到這次演出的「服裝主角」時的感受:「多納蒂為帕索里尼創作的戲服緊密懸掛並列著，安靜如架上的叢書，它們默默地展示在羅馬的法拉尼工作室之中，這裡也是製作這些服裝的所在。主角和配角的戲服、臨演的衣服，都按照電影和製作進行分組、按章節和場景收集在一起，有些衣服在拍攝結束之後，就再也沒有觸碰過人的肌膚。｣從爭議到傳奇：帕索里尼的藝術遺產　　帕索里尼是廿世紀義大利最具影響力和爭議的電影導演與詩人，一生拍過十二部長片，獲得包括柏林金熊獎、以及坎城、威尼斯等三大影展獎項及影評人的推崇。他的電影創作深受義大利新寫實主義（Italian Neorealism）的影響，他不僅僅是這項運動的繼承者，更是一位革新者，他的作品像是《馬太福音》和《索多瑪的120天》等，在視覺和敘事上有著極高的藝術成就，還挑戰了當時的社會道德觀和審查制度。他毫不避諱地抨擊社會的不公、反對消費主義，還有對宗教、學生的批判，這使得他在藝術成就之外，也經常成為爭議的焦點。讓服裝成為電影的靈魂　　在《親愛的帕索里尼》表演中所出現的戲服，來自《馬太福音》、《老鷹與麻雀》、《伊底帕斯王》、《豚小屋》、《十日談》、《坎特伯雷故事集》、《一千零一夜》、《索多瑪的120天》等帕索里尼所執導的電影，全都由二度榮獲奧斯卡最佳服裝設計獎的設計師達尼羅・多納蒂設計，這些服裝不僅是電影中的道具，更是電影靈魂的一部分。他為了呈現獨特的效果，常使用不同的材質與不尋常顏色拼接來完成服裝，再加上時時創新，如令人驚豔的立體結構垂肩花苞袖，都讓他的設計獨樹一幟、被譽為金獎傳奇大師。　　這些戲服透過《親愛的帕索里尼》這樣一場彷彿行為藝術又像是一場鄭重儀式的表演，再度被賦予新的生命。薩亞表示，對他而言，《親愛的帕索里尼》是一場表演也是一場展覽，將這些與世隔絕的衣服自防塵罩、盒子中取出，每一件衣服都有它的個性與姿態。在舞臺上，薩亞穿著連身工作服，親自將戲服的褶皺攤開，史雲頓則是另外一位策展人，彷彿在博物館裡用她的身體當作載體展示這些服裝，進行一場為時105分鐘的動態導覽。薩亞說：「史雲頓沒有在扮演、也不是在表演，她只是擁抱並呈現服裝本身的樣貌。」然而在這樣的重新詮釋之後，終究還是為這些服裝再度留下鮮活而立體的印記。　　《親愛的帕索里尼》將於八月廿三(五)至廿五(日)日於臺北表演藝術中心藍盒子演出三場，更多訊息請詳見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/（圖由臺北表演藝術中心提供）

　　比利時藝術家米耶．沃洛普（Miet Warlop）充滿力量的作品《一路到底》（ ONE SONG – Histoire(s) du Théâtre IV），即將於本周末在2024臺北藝術節震撼登場。雖受寧波港爆炸事故影響，演出佈景、服裝、道具貨櫃不及抵臺，但主創米耶．沃洛普表示，這部作品不僅是一場視覺與聽覺的盛宴，更是一場對生命及存在的深刻探索，此次雖受船運延遲影響，但為貫徹作品的精神，決定在短暫的時間內，打造出《一路到底》臺灣特規版，十二位表演者會在舞臺上挑戰體力與情感的極致，觀眾將被帶入一場感官狂奔至極限的旅程，感受一場充滿藝術力量的生命狂想曲。12位表演者極限挑戰　觀眾情緒也隨之起舞　　《一路到底》共使用了兩首歌曲，包括以〈Day after day〉開啟的序奏，加上一首主要的歌曲〈In you Head〉，樂器編制為低音提琴、小提琴、爵士鼓、電子琴和人聲，音樂屬性為搖滾樂，其中演員Wietse Tanghe兼主唱、樂手及跑者，其他樂手也都身兼數職。舞臺上，十二名表演者們邊演奏邊進行各種高難度的運動，例如：小提琴手在平衡木上邊演奏邊保持平衡、低音提琴手躺在地上以仰臥起坐方式拉奏、鋼琴手必須持續跳躍彈奏置放於高處的琴鍵、而鼓手則必須在不同樂器間折返跑等。演出者和觀眾一起在同一個時空裡，經歷了一個高張的過程，成為生命裡獨特的「One Song」。　　不斷重複的動作象徵著生命中無盡的追求與掙扎，同時也反映出人類面對死亡的恐懼和對永恆的渴望；與此同時，觀眾的情緒也將隨著演出而產生變化及波動，跟著臺上表演者一路從興奮到疲憊，透過如此特殊的演出與觀賞間的情緒交流，期使產生一種超越個體的集體力量。舞臺之外的極限任務 北藝與比利時團隊共創《一路到底》臺灣特規版　　受寧波港爆炸事故影響，劇組貨櫃無法於演出前抵臺。米耶．沃洛普前日抵臺後，也迅速與其演出團隊、臺北表演藝術中心共同討論應變方案。確認樂器、平衡木、跑步機等關鍵道具皆可在臺灣租借使用，便重新調整演出段落，打造專屬臺灣特規版本的《一路到底》。　　米耶．沃洛普表示，他在親人過世後曾和好友一起譜寫了一首歌，但因太過悲傷，一直無法重聽，直到2022年瑞士劇場導演米洛・勞（Milo Rau）委託他在「劇場歷史」系列（Histoire(s) du théâtre）創作，他在回顧個人創作史時，重新找出這首歌，並發展作品《一路到底》。　　她表示，《一路到底》原是她獻給離世兄弟的安魂曲，不過，創作的過程改變了她看待生命的方式。舞臺上的每個人最終都將精疲力竭，但所有人都完成演奏，成為演出的一部分。此次在臺灣面對前所未有的挑戰，反而激勵團隊將這份精神擴展到舞臺之外。演出團隊也請比利時的工作夥伴緊急打包備用的服裝，目前已在來臺的班機上。為了臺灣特規版的全體動員，米耶．沃洛普表達對所有人的感謝，「其實演出最終會結束，只是怎麼結束？這很重要。」雜揉視覺、音樂、劇場 展現充滿生命力的演出　　出生於1978年，畢業於比利時皇家藝術學院取得視覺藝術碩士的米耶‧沃洛普，是一位從視覺藝術出發跨足劇場的比利時藝術家。他的作品以獨特的風格，將視覺、表演、音樂等元素巧妙結合，創造出充滿實驗性與視覺衝擊力的舞臺。從早期實驗性的視覺藝術創作，到後來的劇場作品，都展現出他不斷創新的精神。無論是視覺上的震撼、聽覺上的享受，還是對生命、社會的深刻思考，都能帶給觀眾豐富的藝術體驗。　　《一路到底》將於八月廿三至廿五日，在臺北表演藝術中心球劇場演出三場；此外，八月廿四日下午在北藝中心太陽廳還有一場「北藝筆記」講座，由米耶．沃洛普以《我們就只分享一首歌ONE SONG》為題，親自分享他的創作理念及如何以劇場表達對人類情感與社會現象的深刻觀察。相關資訊請詳見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789979925889736705臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

　　泰國當紅劇場導演維帢亞・阿塔瑪（Wichaya Artama）代表作《曼谷公寓》，即將於本周末在2024臺北藝術節登場，公寓裡的故事正是微型的社會縮影，維帢亞藉由戲劇剖析社會底層的生活困境，觀眾在看戲過程中不斷解謎，探尋角色之間的真實關係，這部作品不僅是藝術創作，更是一面反映泰國社會現況的鏡子。　　《曼谷公寓》以公寓為場景，透過兩男、兩女角色，在關係上做模糊化處理，引發觀眾無限遐想。維帢亞指出，他的靈感來自邪典電影（cult movie），並將其與泰國生活中的許多現象進行了類比。他覺得「在泰國的生活很像邪教，充滿民眾深信和尊崇的東西，然後確實融入日常生活之中」，在這樣看似平凡的生活中，隱藏著權力鬥爭、社會壓迫、以及個體的孤獨與無力感。　　於是觀眾可以看到：一邊是國家廣播穿透整棟公寓播放著新聞、傳統音樂和國家大內宣，另一邊是女人談論著人生與生命。但在劇情走向裡無法判斷他們之間的關係是朋友、是兄弟姐妹或父母子女，保有一種模糊地帶與開放關係，吸引觀眾看戲時去探究其間關係與狀態。權力、社會與個體角力，從泰國社會縮影到劇場裡的社會抗爭　　臺北藝術節策展人林人中表示，劇名的泰文原文有提到「家」和「國家」的字詞，最初是2013年維帢亞在自家公寓創作和呈現，類似臺灣的公寓聯展。林人中指出，「出生於1985年的維帢亞，如同我們的太陽花世代，他們也有自己的學運世代，他是屬於年輕的學運世代劇場導演，他也想要批評國家、政權、暴力和不自由，透過藝術創作把他們的生活樣貌呈現給觀眾，因為整齣戲的場景就是在家裡，所以在家裡都在做什麼，就演什麼給觀眾看。」　　維帢亞提到，這部作品最初上演時，與2014年泰國政變的時間點十分接近，社會處於一種轉變的氛圍中，許多人因為害怕轉變，努力維護傳統。「在那時候的演出中，國家、宗教和國王這三大支柱被轉化為更複雜的概念，並在劇中以廣播、對話等形式呈現，表達了對泰國現狀的深刻思考。」雙面舞台的各種可能性，隔一層珠簾，打破劇場第四面牆　　特別的是，這次演出的版本採雙面台演出，中間以珠簾分隔，觀眾會在其中一面看演出，無法看到另一面珠簾後的演出，也因此，每一次的觀看都會有不一樣的視角和不同的劇情解讀。而這樣的舞台設計，也是順應當時的時局狀態調整而來。　　2013年在公寓演出時，觀眾可透過窗戶看另一個房間；2023年在歐洲與布魯塞爾國際藝術節（Kunsten festival des arts）共製重演時，兩個舞台被置放在同一個舞台，中間加上珠簾，觀眾坐在兩端看戲，反映了導演對當時社會政治時局的感觸。根據維帢亞的觀察「政治是一件在日常生活中的循環，且無法探究其走向和發展。」　　林人中表示，這部作品非常有重量感，「從十年前的製作看到現在，導演如何看待泰國政治、社會、經濟、文化的轉變，重新凝視自己社會的過往，也是認識泰國一個重要的管道。」《曼谷公寓》將於八月廿四、廿五日在臺北水源劇場演出二場，此外，在八月廿二日於北藝中心太陽廳還有一場「北藝筆記」講座，由維帢亞以《聚焦東南亞—撒哇滴咖！泰國當代劇場》為題，親自為觀眾解析與當代社會運動同步發展的泰國當代劇場演進。相關訊息請詳見北藝中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1790231933543718913臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/（圖片：© Anna van waeg，臺北表演藝術中心提供）

　　一場身體的狂想曲、跨越文化與世代的身體對話——日本舞踏大師麿赤兒（Akaji Maro）攜手法國編舞家兼舞者馮莎・夏紐（François Chaignaud），共同打造舞作《黃金雨》，在里昂舞蹈雙年展首演後佳評如潮，獲邀至各國場館與藝術節演出，世界巡演最終站來到臺灣，將於八月十七、十八日在臺北藝術節封箱演出。麿赤兒透露，在臺北登場的會是一個更升級的版本，希望能把更好的呈現帶給臺灣觀眾。　　麿赤兒是日本知名的舞踏團體「大駱駝艦」創辦人與藝術總監，他表示，《黃金雨》取材自羅馬神話，以愛神與太陽神的形象為核心，探討身分認同、性別流動與生命週期等議題，「這是一場關於身體的狂想曲，我們試圖透過身體的極限與解放，來表達內心的複雜情感。」　　國立臺北藝術大學戲劇系副教授林于竝日前於「北藝人物：什麼是舞踏？」講座中表示，認為現代的舞踏，仍具備「瀆聖」精神，以個體精神達到一種「逆轉的神聖」。大駱駝艦劇團一般被認定為較俗麗，而俗麗與神聖性乍聽之下似乎是相反的概念，但在大駱駝艦的作品中，卻可見兩種元素共融。　　麿赤兒表示，他和馮莎十三年前在法國相遇，當時馮莎於法國蒙彼利埃演出作品《(M)imosa》，該作品談論羅馬暴君故事， 麿赤兒看了演出後對馮莎留下深刻印象，也埋下了《黃金雨》的創作靈感，「當時馮莎飾演的是一名擁有絕世美貌的暴君，我可說是對他的美貌與才華一見傾心，之後也和他保持聯繫，討論創作。」羅馬神話啟發，麿赤兒與馮莎開啟藝術對話　　馮莎・夏紐畢業於國立巴黎高等音樂暨舞蹈學院，作品兼擅舞蹈與音樂元素，挑戰多元表演形式，常與不同領域的藝術家合作，如傳奇變裝皇后 Rumi Missabu。風格清晰，充滿驚喜，是當代歐洲舞壇炙手可熱的跨域表演者，演出足跡遍及各大藝術節，如里昂舞蹈雙年展、巴黎秋天藝術節、亞維儂藝術節，以及巴黎龐畢度中心、倫敦沙德勒之井劇院等重量級場館。　　在二人第一次見面的七年後，馮莎答應和麿赤兒一起創作，延續《(M)imosa》帶來的靈感，以羅馬神話宙斯、太陽神、愛神等神話故事，創作這次的《黃金雨》。但兩人在舞蹈領域專長和身體方法皆大不相同，創作過程可想而知經過許多磨合，才終於產生火花。　　馮莎是以身體為出發的編舞者，而麿赤兒是從故事出發進行舞蹈創作，要將兩個截然不同的身體方法論及文化背景融合成一件作品，是相當不容易的事，麿赤兒說:「我們也會有互相模仿的部分，我學習了馮莎從身體出發的編舞方式，而他也嘗試從故事的角度進行創作。我們彼此坦誠相見，最終呈現的演出是一個很好的『化合物』，也就是經過我們的溝通和交流後，產生的一個極佳的化學反應。」視覺盛宴與思想碰撞，舞蹈藝術的新高度　　臺北藝術節策展人林人中指出，除了精湛的肢體表演，《黃金雨》也融入了音樂與戲劇元素。麿赤兒在劇中演唱了一首日本民謠《死的體感》，將死亡與重生、悲劇與喜劇巧妙地結合；而馮莎則以童謠的形式，詮釋了生命週期的無常。　　兩人除了種族不同帶來的外貌差異，年齡的差距也在身體上呈現迥異的差別，而在《黃金雨》裡更強化了二人形象的不同。馮莎的角色呈現出赤裸、嬰兒般的狀態，麿赤兒則以華麗的服飾和假髮示人，象徵著一位母親的角色。麿赤兒將馮莎塑造成羅馬皇帝，呼應了歷史上曾被流放的羅馬皇帝埃拉加巴盧斯；而麿赤兒在演出中以黃色頭髮的敘利亞神官形象登場，黃色在敘利亞文化中代表著神聖。舞踏大師工作坊，探索舞蹈的無限可能　　對於舞蹈，麿赤兒有著獨特的見解，他表示，「現代人常常執著於『我』這個概念，但如果『我』是虛的，那麼我們與世界的連結又會是什麼？透過舞蹈，我們可以探索身體與空間的互動，甚至創造出一個新的實相。」　　除了演出，麿赤兒也將在臺北舉辦舞踏工作坊。他希望透過工作坊，將他的創作理念和身體技巧傳授給更多人。麿赤兒表示，將長期的舞蹈訓練濃縮成二小時的工作坊是一大挑戰，但他也很期待能將舞蹈的精髓傳授給大家，同為東方人對於虛實的概念可能會有更深刻的體悟，希望大家能和他一起，在工作坊中共同探索舞蹈的無限可能。　　《黃金雨》將於八月十七、十八日在臺北表演藝術中心球劇場登場，一共演出二場；麿赤兒舞踏工作坊於八月十九日下午於臺北表演藝術中心排練場舉辦。相關訊息詳見臺北表演藝術中心官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789916800217571329臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖（左）日本舞踏大師麿赤兒（Akaji Maro）、（右）法國編舞家兼舞者馮莎・夏紐（François Chaignaud）（張震洲攝影 | 臺北表演藝術中心提供）

　　當世界因病毒戰爭導致人口銳減，存活下來的人能常保青春，但無法在太陽底下活動，這類人自稱為「諾克斯」，得天獨厚地過著優越生活，和普通人類「克里奧」形成對比，同時也無可避免地走上對立。四把椅子劇團將這部日本知名劇作家前川知大的預言之作《太陽》，首度搬上臺灣的舞臺，於本周末在臺北藝術節盛大登場。　　前川知大表示，《太陽》的雛形是源自他的短篇小說，2011年創作過程中發生了311日本東北大地震，連帶地改變了他的書寫方向。他以病毒為引，書寫突如其來的巨變帶給社會的改變，「那場大地震對我來說是一個巨大的衝擊，現實的殘酷遠超出了我的想像，發生天災改變了社會狀態，讓我重新思考劇本的內容。」從日本311到新冠疫情，一部跨越時空的寓言　　巧合的是，雖然《太陽》的創作早於新冠肺炎疫情，但劇中描繪的社會分裂與對立卻和近年疫情有著驚人的相似之處。劇中人類因病毒感染分化為兩個對立的群體：對陽光敏感的「諾克斯」和普通人類「克里奧」，如此的社會分化，有如人們面對疫情時所遇見的種種現實。　　劇中的「太陽」不僅是天體星球，也是權力、階級和社會不平等的象徵，諾克斯代表著上流階層，他們擁有特權，卻對普通人的苦難漠不關心。前川知大表示，全劇藉由不同階層、立場的人對話，尋找能夠跨越這些問題的機會。太陽下的陰影：權力、階級與社會分化的反思　　《太陽》於2011年在日本首演，2012年獲日本第六十三屆讀賣文學獎戲劇之劇本單項獎，2014年由知名導演蜷川幸雄改編成《太陽2068》；2016年出現電影版，由神木隆之介主演，劇中的病毒災難，也和近年席捲全球的疫情不謀而合。這部映照現實的科幻預言，在2024年由導演許哲彬執導、陳以恩擔任劇本改編，帶領觀眾在後疫情時代重新看《太陽》，尋找超越二元對立面的觀點。　　許哲彬表示，剛開始看劇本時，直覺聯想到是在談論「對立」，劇中描繪的社會對立，很容易讓人聯想到臺灣的政治局勢，內部的藍綠對立等，都可以在劇中找到對應之處，「劇中有一種很直接且巨大的政治隱喻，在排練、改編時，會一直浮現出來，讓人一直想到臺灣的現況，不同黨派的對立面和現實層面問題。」　　前川知大表示，近期日本社會的新自由主義在年輕族群間興起，批判勇於改革的人，對於日本社會所帶來的分裂也令他感到憂心。他認為，劇場是活著的藝術，反映當下的時代」，對於許哲彬從劇中連結臺灣社會當下的狀態，並感受其中的隱喻，這樣的解讀令他感到有種被理解的欣喜。 2024臺北藝術節：四把椅子劇團《太陽》將於八月九至十一日，在臺北表演藝術中心球劇場演出四場。八月十一日（日）午場演出後將舉辦演後座談，歡迎觀眾踴躍參加，更多訊息請洽臺北表演藝術中心官方網站查詢。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789928343427223552臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

　　金枝演社醞釀多年的史詩鉅作《西來庵》，本周末在臺北藝術節盛大登場，全劇以「西來庵事件」為靈感，講述臺灣農民群起對抗日本人，一心守護家園，不僅是對臺灣歷史的回顧，更是一場關於信仰、抗爭、人性與韌性的深刻探討，於八月九日至十一日在臺北表演藝術中心大劇院帶領觀眾重返百年抗暴烽火現場。信仰與抗爭的交織，小人物的大故事　　西來庵事件發生於1915年日治時期的臺灣，發起人包括余清芳、羅俊、江定等人，他們以宗教力量號召民眾群起反抗日本殖民統治。這是日治時期規模最大、犧牲人數最多的武力抗爭，雖然最終起義失敗，但展現了臺灣人不畏強權、勇於反抗的精神。　　《西來庵》編劇游蕙芬表示，劇中描述的那段時期，因著不認輸的臺灣人而動人，而劇中小人物的信仰與掙扎，是串起這段歷史的重要關鍵，「開始寫《西來庵》，我發現不服輸的個性會傳承，不服輸的精神也很重要，更是一種接近源頭的方式，希望有更多年輕人看到這部作品，因此對臺灣歷史產生興趣，年輕人可以為臺灣的過去而感到驕傲。」廟會文化再現，映照臺灣獨特的肢體美學　　游蕙芬指出，宗教的力量在西來庵事件有重要的地位，「在那個時代下，宗教是市井小民唯一信仰和救贖， 所以可能會進入怪力亂神的狀態」。她說明，像是身上掛滿護身符，這除了與當時的歷史背景有關，同時也展現了一種農民性格， 農民看天吃飯，因此與鬼神信仰的連結很深固。　　金枝演社藝術總監、《西來庵》導演王榮裕表示，他們堅信宗教力量可以救國，因此將賣護身符的錢當作革命基金，也因為當時醫學不發達，只能靠草藥和問神卜卦來治病，但後代子孫因為統治者貼上的標籤，將余清芳看作是神棍，他說:「 如果設身處地去想，我是神棍的話， 賺了錢為什麼不自己去享受，還要做革命這種事情呢？」　　游蕙芬說，劇中虔誠拜神的場景，正是因為農民始終相信王爺公會保佑他們，「但最終在失去那麼多生命和流了那麼多血後，王爺公到底什麼時候會靈驗？他們虔誠拜神，也和一段悲劇交纏在一起。」在劇中飾演余清芳一角的演員韋以丞表示，劇組在討論余清芳為什麼要選擇宗教的力量，「它不一定是唯一的選擇，但可能是最好的、最適合當時民眾的選擇。」重返信念的源頭，因爲自尊而美　　演員郭耀仁飾演六十多歲的羅俊，他表示，這個角色的三個兒子身亡、妻子改嫁，「我認為他是透過革命運動找到生存的動力或價值」，這群人有一個共同的信仰，鼓勵大家起義或生存，為自己的生存和人的價值奮鬥，並幫助後代人思考生而為人的價值、國族認同與自我認同。郭耀仁認為「某種程度上也是一種贏」。　　王榮裕說，這是一部戲劇作品，不是教科書，也不是歷史事件的再現劇，製作創作這部作品的另一面向是美學。金枝演社也將傳統廟會文化融入劇中，可看見家將和宋江陣頭文化的美學，並從中看見臺灣人的身體樣貌。王榮裕:從人生看劇場，沒有白走的路　　在七月份北藝中心舉辦的「北藝人物」系列講座《叛逆的戲神囝仔》中，王榮裕曾分享，他的母親以及伴侶游蕙芬對於他的劇場之路影響甚鉅，從歌仔戲班的小孩到工程師，因緣際會加入優劇場，最後自己成立劇團，也曾參演雲門舞集的《流浪者之歌》，一腳踏入劇場，回頭便超過卅年，在《從土地開花的現代戲班：金枝演社》講座裡，回溯金枝演社這卅年來的各種嘗試，無論是古臺語發音的《祭特洛伊》、常民生活的《浮浪貢開花》，創作的核心始終圍繞在臺灣這片土地。　　如今已入耳順之年的他，終於將醞釀廿年的《西來庵》搬上臺北藝術節的舞臺，藉由曾經發生過的事件，來看臺灣人在生死關頭的信念與選擇。王榮裕希望觀眾以開放的心態欣賞這齣戲，劇中的語言多元，包括日文、客語、臺語到廣東話，正是反映臺灣社會的多元面貌。　　金枝演社《西來庵》將於八月九日至八月十一日在臺北表演藝術中心大劇院隆重上演。八月十日（六）午場演出後也將舉辦演後座談，歡迎觀眾踴躍參加，更多訊息請洽臺北表演藝術中心官方網站查詢。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1789916800217571329臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/（圖片：陳少維攝影、金枝演社提供）