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　　由波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）執導的沉浸式長時劇場作品《共和國》（Respublika），將於6月4日至6月8日在臺北表演藝術中心超級大劇院登場。北藝中心首次於演出中開啟的超級大劇院，讓這齣結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧的作品首度走進劇場，以一場長達6小時的狂歡派對，邀請觀眾打破體制設限，在劇場中體驗「銳舞」（Rave）文化，並重新想像「參與」、「工作」與「自由」的可能性。《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間以及大小舞台，觀眾不再只是坐在觀眾席上的旁觀者，而是被邀請穿梭其中，自由參與、探索。導演塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅成為本作的精神核心，也象徵他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。森林中的社會實驗：生活即創作的藝術實踐《共和國》部份的創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國」（The Pavlov Republic）。這個由波蘭神父與800名農民，在18世紀末共同創建的小型共和國，曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。儘管它最終未能持久，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。塔沃柯夫斯基說：「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」這個問題，開啟了《共和國》的創作概念。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此歷史案例重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。塔沃柯夫斯基與來自各國的15位藝術家，其中包括演員、作曲家、DJ、服裝設計等，在2019年一同走入立陶宛森林，以僅有的房車與移動住宅，開始了共居和創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，設計了一套社會實驗的脈絡引導成員，例如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，「共和國」的成長成了一種宣告：我應得的，我需要它，剩下的都不重要。銳舞為信仰：Techno音樂中的反抗與療癒將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由三個部份組成，一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，在其中的小街道迷路；1小時後開始進入表演，整場演出中將會不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是在電影片場，可以同時看到屏幕和現場正發生的事，編排著多層次又彼此交替的多重敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員、DJ將以舞蹈、音樂與觀眾共同投入狂歡體驗。塔沃柯夫斯基讓電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno音樂誕生於1980年代美國底特律這座工業城市，成為都市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。塔沃柯夫斯基深受這段歷史的啟發，在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，使整場演出如同一場帶有社會意識的儀式，也像是一次個人心靈的逃逸旅程。塔沃柯夫斯基認為電子音樂有種昇華人性的作用，他更指出：「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他視銳舞為宣言，「實在沒有足夠語彙得以形容，但至少有一件事是肯定的：這是非常重要的體驗。」希望觀眾感受大家跟著同樣的節奏跳舞，彼此成為一個群體，分享共同的喜悅。從烏托邦到當代：一場暫離現實的劇場革命塔沃柯夫斯基擅長運用多媒體裝置與去中心敘事手法，藉由視覺、聲音與身體交織，建立起一個去疆界、反制度的藝術空間。《共和國》沒有明確的舞台，也沒有明確的敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種共享經驗，是結合表演元素的音樂活動，而非結合音樂元素的表演。「我無法忍受一直以來被稱作『劇場』的這個東西。」塔沃柯夫斯基認為時至今日，單靠劇場自身已然不足，而我們正處於影像的世界，且始終處於登入狀態中，因此「我們必須要尋找正處於交叉路口的新形式」，他認為《共和國》可說是一個巨大裝置，讓人覺得彷彿處於行動的旋風之中。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在這個資訊爆炸與節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫時離開現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/(另開新視窗)購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1889862118044786688(另開新視窗)臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenter(另開新視窗)Instagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/(另開新視窗)新聞聯絡人：臺北表演藝術中心 李怡芸｜evelyn.lee@tpac-taipei.org｜0922-347-683

　　今年首度推出的「北藝學院」課程，春季班引介戲劇構作的基本概念，由東方傳統文本為基底，探究文學如何轉化為劇場創作，經歷一季深入的文本閱讀與解析，秋季課程將視角轉向歐洲，邀集臺灣重要文化推手林懷民，重量級學者楊莉莉、羅仕龍和深諳歐陸劇場文化的導演暨戲劇顧問王世偉，以14堂講座與8堂工作坊，展開對「構作與創作」的對話。　　延續春季課程售票一空的熱潮，今秋北藝學院的「構作與創作」課程將結合理論與實作、文本與身體、個人經驗與文化系譜，邀請學員探索藝術如何回應當代、轉譯經典。臺北表演藝術中心董事長王文儀表示，「構作與創作」是雕琢的功夫，在AI語言與數位影像交錯的時代，「構作」（Dramaturgy）不僅僅是舞台呈現的技能，更是一種思維訓練，一種既有鳥瞰亦有細觀世界的方式。北藝學院以「構作與創作」課程回應當下的文化轉型，強調劇場不只是演出，更是當代思考與創造的現場。　　王文儀特別感謝光寶科技創辦人宋恭源長期支持文化活動，為台灣積累人文底蘊不遺餘力；董事長宋明峰近年更是支持江賢二藝術園區，提升當地民眾的藝術賞析環境。非常感謝「北藝學院」能獲得光寶科技的認同，讓資深文化人的知識得以傳承，經驗得以累積，我相信北藝學院將成為藝文工作者養分的重要來源之一，學員們也將為社會大眾帶來更多元的創作。　　光寶科技企業品牌價值發展中心負責人暨光寶文教基金會執行長張衣宜出席記者會指出，光寶科技支持文化藝術創作，響應文化保存與推廣，今年適逢50週年，特別邀請雲門舞集至北藝中心演出，知道林懷民老師應邀擔任「北藝學院」的授課講師時，便希望透過光寶科技的拋磚引玉，邀請更多企業響應，一起對台灣的文化藝術盡一份心力。　　北藝學院除了持續推出課程，也將推出「表演藝術策展實驗室」，延續北藝學院戲劇構作的精神，是為培育新生代策展人所設計的實作型工作坊，甄選出國際學員由國內外策展人手把手擔任導師，透過主題課程 、跨國對話，並帶人戲劇構作思考的策展方式，引導學員發展屬於自己的策展視角與提案，策展內容也將有機會實際在北藝中心進行展演。名師齊聚北藝秋季講堂 引領劇場思辨　　北藝學院秋季課程涵括文本到舞台，邀請雲門舞集創辦人林懷民分享自己的「江湖行」，23歲正式學舞、26歲創辦臺灣第一個現代舞團，作品根植於臺灣土地與文化精神的林懷民，將透過4場深度對談，解密他對於創作和經營舞團的思考並呈現極少釋出的珍貴影片。透過舞作影像敘述他如何運用動作、音樂和視覺素材，將文本轉化為舞作。此次系列講座不僅是他藝術人生的告白，也是一堂堂將創作實踐轉化為凝視構作的現場。　　戲劇研究者楊莉莉畢生研究法國劇場，將以「認識法國戲劇」系列講座，帶學員從歷史、導演、劇作到表演美學，全方位領略法國劇場魅力。系列一的「法國劇場面面觀」，將以法國劇場為核心，簡述法國20世紀至今的劇場生態、表導演走向、文藝政策、公立劇院的結構等，並介紹法國20世紀下半葉3大劇作家；系列二「展讀經典劇」以莫理哀的名作《守財奴》為核心，楊莉莉將以親譯版本深入探討這位法國喜劇巨擘的創作手法，引導讀者掌握「如何讀劇」的關鍵，讓大家自己在家也能領略讀劇本的樂趣；「歐陸的戲劇顧問」系列則關注歐洲和法國的戲劇顧問從解析劇本到舞台演出所涉及的工作歷程，並以《守財奴》演出為例，揭示劇本與舞台間的橋接。　　法國巴黎新索邦大學戲劇學博士，現任清華大學中文系副教授羅仕龍，將以「我們的時代，我們的福瑟」為題，剖析2023年諾貝爾文學獎得主、北歐重要劇作家約恩．福瑟（Jon Fosse）劇作中的意象、語言結構及戲劇節奏，並在北歐劇場發展脈絡與風格的對照下，解讀福瑟作品的獨特性，並探討福瑟如何透過其獨特的劇本形式與風格，反映當代人精神狀態的多重面貌。由北歐劇場語言的靜謐張力，為後續的工作坊奠下美學基礎。及物之間構作實戰工作坊 引領多元觀看　　延續理論學習，導演王世偉所主持的「戲劇構作工作坊：及物之間」預計甄選20名學員，透過8堂主題課程，深入福瑟劇作的語言節奏、時間敘事與空間調度，並邀請學員超越自身視角，探索「與他者相遇」的契機。工作坊將引導學員透過身體、空間、聲音等多元形式探索，並如福瑟所言：「試著說出無法表達的內容」。此外，王世偉帶領的工作坊中將邀請音樂創作者廖海廷與編舞家田孝慈共同參與，在「無言與有聲之間」、「身體與存在之間」突破既定框架，發掘另一種觀看、詮釋的可能。　　北藝學院秋季課程全系列課程甄選自即日起開放報名至6月30日止，歡迎年滿18歲、有志從事表演藝術創作者線上申請，需通過書面與面試審查，預計招收20名學員。課程費用為新台幣4,500元（含全額退還之保證金2,000元），部分講座開放一般觀眾購票參與，購票可洽Opentix。每場單堂票價250元。北藝中心北藝學院 2025構作與創作秋季課程官網：https://tpac.org.taipei/event/1260(另開新視窗)新聞聯絡人：臺北表演藝術中心李怡芸｜evelyn.lee@tpac-taipei.org｜0922-347-683

混亂時代人們總渴望一個精神定錨。村上春樹在《國境之南、太陽之西》中多次提到舒伯特的《冬之旅》——即使聽不懂德語，那份穿越語言的孤寂與情感仍能深切觸動人心。由詩人鴻鴻與黑眼睛跨劇團於4月19、20日，在臺北表演藝術中心球劇場帶來的《末日前的冬之旅》，20日晚場的古典版是鴻鴻對《冬之旅》逾40年的深情致意，19、20日午場的爵士版也是一首給當代世界的情詩——願舒伯特交織著悲傷與甜蜜的音樂，為這混沌世界帶來一絲慰藉與希望之光。德國浪漫主義詩人威廉．穆勒《冬之旅》的24首詩，在舒伯特的重新編排與作曲下，成為鋪陳情感層次豐富的聲音旅程——一位失戀旅人在冬日流浪，靜靜向內窺視傷痕與存在的深淵。《冬之旅》不僅被無數音樂家重新詮釋，也跨界成為舞蹈與戲劇的靈感泉源。而黑眼睛跨劇團此次將《冬之旅》改編為音樂意象劇場《末日前的冬之旅》，並挑戰同台雙戲的「絕世復刻經典場」與「末日重生爵士場」兩個版本，讓初次接觸的觀眾既能欣賞原汁原味的古典版，也同時品味能與時代交織，包容、延伸變奏所有音樂的爵士版。從荒島唱片到劇場夙願 雙版本詮釋經典與當代黑眼睛跨劇團藝術總監鴻鴻表示，這就像是一部電影，畫面不變卻配上兩套聲軌，不僅演出兩種語版，連音樂也是南轅北轍的兩種風格。他也指出，《冬之旅》堪稱是自己的「荒島唱片」，自大學時代第一次聽到全曲錄音至今已40年，仍是百聽不厭。想要做舒伯特《冬之旅》的劇場版是自己的夙願。回顧過去製作、導演過的《浮士德的天譴》、《茶花女》、《唐懷瑟》、原創的《天中殺》等歌劇，想來彷彿都在為《末日前的冬之旅》做準備。將《冬之旅》的幽微詩意，以完整的舞台敘事搬演，不僅是對經典的回應，也是一場寓言的建立。鴻鴻希望點出「末日前」，是企圖把這套組曲與今日的世界連結起來，彼此對照。酷愛音樂的部落客「爵士殺手」指出，《冬之旅》這樣的作品不該只是放進音樂廳訴諸純聽覺，而是要在劇場中讓身體參與、讓影像對話。鴻鴻將它視為音樂意象劇場，用聲音說故事、用空間建構寓言，透過影像和舞台的更迭，演員的角色扮演、余彥芳的編舞，讓舞台成為一個歷經文明洗劫後的空間，詩意、夢境、綠意與殘瓦在其中交錯，觀眾宛如坐在遺跡中、見證一個真實的生命如何存活下來的過程。《末日前的冬之旅》分為古典版──「絕世復刻經典場」，由男中音趙方豪搭配蘇映竹的鋼琴伴奏，演唱舒伯特原汁原味的德語版，中譯歌詞選用了聲樂家金慶雲協韻而富詩意的譯本《冬旅》，如第一首〈晚安〉的譯筆：「陌生的我來到這裡，陌生的我又離去，五月曾何等親密，迎我以繁花如許」；爵士版──「末日重生爵士場」由爵士女歌手林理惠演唱謝明諺全新編曲，詩人鄭順聰重新填詞的臺語版，將舒伯特轉化為狂野的爵士樂，演唱者也彷彿以流浪者的身份，浪跡時代的劇變、心緒的轉換與語言、音樂的過渡，有如一名穿梭古今的說書人，不僅是對經典的重新詮釋，也是一場臺文文學與音樂的跨界冒險。從歐陸冰雪到台灣風景 把經典唱給下一代聽鴻鴻形容臺語版歌詞既口語又不失典雅，其說是翻譯，不如說是重寫。用臺語的聲韻填德語的旋律甚是高難度，鄭順聰也分享創作過程中自己的詞既要保持與歌劇的距離感，又要代入劇場呈現的畫面，因而有了如〈考試〉這樣的橋段：「考試是無通閃的人生，無標準答案的上歹添，主考官就是彼跤時鐘」以學子的考試寓意人生試鍊，也讓爵士版在《冬之旅》的底蘊上，彷彿將場景從歐陸的冰雪荒原轉換為台灣風景。鄭順聰指出在轉譯過程中自己代入許多臺語歌曲的「悲戀」情境，甚至打趣自己想像著「半夜被老婆趕出門」的心情進行填詞。「爵士殺手」指出，如果你從未聽過《冬之旅》，《末日前的冬之旅》會是一道入門的破口；若你早已熟稔它，那這將會是一場熟悉旋律的陌生旅程。「音癒系」作家瓦力也指出，或許你從來沒有完整聽過《冬之旅》，但你肯定聽說這裡面有一首知名〈菩提樹〉，儘管小學課本的〈菩提樹〉早就被民謠化了，歌詞也被更動，但完全無損幼年時剛聽到這首曲子時，內心深處的一條絃是怎樣地被撩撥的。舒伯特的《冬之旅》是一封獻給生命的終極情書，撫慰世間最寂寞的人；鴻鴻《末日前的冬之旅》亦像是他獻給當下的情詩，他也期盼著臺語爵士版日後錄製成專輯，讓孩子們除了耳熟能詳的中文版〈菩提樹〉，也能傳唱這套完整的臺語版《冬之旅》，將一首來自兩百年前的生命情書，延續到更遙遠的未來。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1889862118044786688臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

南非當代藝術巨擘威廉・肯特里奇（William Kentridge）以其獨特的視覺語彙與敘事手法，在全球引發熱烈討論的作品《女先知》（SIBYL），將於4月11日至13日登上臺北表演藝術中心大劇院。作品以古希臘神話中掌管命運的「女先知」為靈感，融合動畫、音樂、舞蹈與動態裝置，探索當代人類面對命運與科技操控之間的焦慮與無力感。《女先知》不僅是一場藝術的極致展演，更是關於未來與人類自由意志的哲學思辨。SIBYL的預言 命運的幽微曖昧古羅馬詩人維吉爾（Virgil）的史詩《艾尼亞斯紀》（Aeneid）描述，傳說中庫邁（Cumae）洞窟中的女先知SIBYL會將預言寫在橡樹葉上，並留在洞穴口讓人們領取。然而，當風吹散了樹葉，混亂了問答和預言的順序，最終使人們無法辨認屬於自己的命運。這種「已被揭示卻無法掌握」的命運隱喻，正是肯特里奇在《女先知》中所傳達的意涵。在21世紀的現代社會，人工智能（AI）與大數據技術已能預測個人的行為模式、購物習慣，甚至健康狀況，人類看似擁有掌握未來的能力，卻陷入被數據與演算法操控的命運困境。肯特里奇表示：「當人們透過演算法判斷要聽什麼音樂，5年後自己的身體狀況⋯⋯，事實是演算法正在榨乾我們，它像是一頭有無數獠牙的巨豬。我們以為它在餵養我們，但實際上是不斷將訊息回飼它，最終將不知會養出怎樣的怪獸。」炭筆動畫與南非樂舞交織 歷史與文化儀式流轉榮獲2023年英國勞倫斯・奧立佛獎（Laurence Olivier Awards）「傑出歌劇成就獎」（Outstanding Achievement in Opera）的《女先知》，敘事由兩個篇章組成：首部《瞬間已逝》（The Moment Has Gone）由肯特里奇標誌性的炭筆動畫描繪歷史記憶的重疊與模糊——影像中的人物不斷被擦除、重繪，隱喻著過去的變動與當下的瞬逝。第二部《等待女先知》（Waiting for the Sibyl）則以音樂與舞蹈回應神話中的先知之聲，舞者的身影投映在巨大的書頁上，彷若風中飄旋的樹葉，陰影映照著命運燃燒殆盡的餘燼。多媒體作品《女先知》以舞台上的書頁翻動，演員如活動雕塑般旋轉移動，呼應著承載先知訊息的樹葉流轉，肯特里奇認為視覺須有現場演奏結合，因此邀請兩位音樂家共同合作：恩赫蘭赫拉·馬哈蘭古（Nhlanhla Mahlangu）負責合唱與編舞，爵士鋼琴家凱爾·謝潑德（Kyle Shepherd）負責音樂創作，馬哈蘭古曾表示：「我帶來了傳統和本能，凱爾・謝潑德則帶來了古典與技巧。」兩人共譜出富張力與層次的音樂語言。馬哈蘭古的創作植根於南非傳統歌舞而在國際舞台上享有盛譽，且與肯特里奇合作多年。在《女先知》中，他不僅擔任歌舞編排，更親自領導合唱團登台演出。他將古代女先知的神諭轉譯為南非文化語彙，故特別邀請具備傳承祖先精神天賦的歌者與舞者共同演繹，使整場演出更具南非文化與儀式感。《瞬間已逝》片段中，觀眾可以深刻感受到南非祖魯族的「Isicathamiya」演唱風格，Isicathamiya原為男聲無伴奏合唱，此次則融合了男聲四重唱與謝潑德的鋼琴演奏，呈現底層勞工在困頓現實中尋找短暫歡愉的壓抑情感；進入《等待女先知》，無論音樂或舞蹈，則顯得更加奔放多變，展現戲劇張力。宿命與自由 我們是否有勇氣迎向未來？成長於種族隔離制度下的肯特里奇，對社會不公與政治壓迫有著深刻的洞察，作品中不斷呈現種族與政治衝突的歷史印記，在素描的黑與白之間，他透過藝術拓寬那些近乎消失或極其細小的灰色、中間地帶，一如他所言：「捍衛不確定性是藝術家的責任。」讓觀者在觀看作品的同時，也參與了一場歷史與現實的辯證。《二手閱讀》、《翻頁的探戈》、《十四行詩》、《軟字典》及《女先知》作為肯特里奇標幟性的翻書系列（Flipbook），書頁翻動成為最原始的動態影像，也在翻頁的停頓之間，藝術家以圖像折射出對世界的演繹。他認為歷史、神話元素是用來檢視當代問題的方法之一，正因為有些事反覆出現，用古老的方式檢視當代，也就成為面對問題的一種方式，也檢視我們能多大程度地掌控自身與周遭世界。隨著舞台上每一次的書頁翻動，觀眾所見是命運的推移？或是一種重新書寫的可能？或許觀眾將發現：命運，或許早已揭曉——但真正的問題是，我們是否有勇氣去面對？北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1889862118044786688臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

「歐洲舞蹈劇場教母」碧娜．鮑許帶領的「烏帕塔舞蹈劇場」（Tanztheater Wuppertal），2022年後與新任藝術總監波赫士．夏瑪茲(Boris Charmatz)及由其創辦的實驗性舞蹈組織「陣地」（terrain），攜手呈獻了一場風暴般的演出——《自由大教堂》。作品結合了鐘聲、管風琴、合唱與舞蹈，展現了夏瑪茲對舞蹈的創新與探索。作為一座「沒有教堂的教堂」，此作呼應了藝術家對自由的追求，並以其前衛而富挑釁的方式，質疑社會規範和藝術界限。此作品將於3月21、22日在臺北表演藝術中心大劇院進行亞洲首演。教堂與劇院之間 尋找真正的自由《自由大教堂》首演於德國烏帕塔附近的聖瑪麗大教堂，選擇在看似冰冷的建築作為表演空間，著重於它所承載的文化與歷史重量。教堂作為宗教的象徵，有著深厚的人文意涵，而夏瑪茲將這個象徵性的場所轉化為一座「自由」的大教堂，在舞蹈的框架內重新詮釋教堂所代表的意義。他表示：「教堂不是自由的空間，劇院也不是；真正的自由空間只存在於心中。」這種將空間、身體與歷史交織的藝術手法，讓觀眾不僅僅是在欣賞舞蹈，更是參與了一場關於人性、信仰與自由的深刻對話。夏瑪茲並運用教堂的鐘響，提醒人們注意生命中的儀式感和重要時刻，他以「狂熱」看待這場鐘聲的「遊戲」，認為像是鐘聲的電音派對，故而存在巨大的反差。他也在《自由大教堂》裡將觀眾席以不對稱的方式，建立出一個十字形的表演空間，形成一個環形觀眾席，強化神聖感的同時，也讓觀眾得以近距離感受舞者的身體動作。秩序與失序間 探索神聖與人性波赫士．夏瑪茲的創作總是挑戰觀眾對舞蹈的傳統認知，也凸顯他的藝術哲學建立在「打破舞蹈既有框架」的基礎上。《自由大教堂》中，他讓26名表演者在空間中形成一種無序的秩序，讓舞動的群體建構出一種「沒有教堂屏蔽的神聖集會」感，並將整場表演依不同的聽覺內容分為五個獨立的片段，將聲音與肢體動作交揉。第一段以貝多芬第32號鋼琴奏鳴曲（Piano Sonata No. 32, Op. 111）為軸心，發展出參差的肢體與紛亂的唱隊，彷彿讓舞動成為延展旋律的共鳴箱，躁動的合唱群以失衡肢態與游移軌跡蠶食舞台，觀眾亦可感受他昔日舞作《一萬種姿態》與《半醒》殘存的基因卻簡化而顯得破碎。第二段夏瑪茲彙集三十三座城市的鐘鳴，金屬震盪聲交織成生命儀典的隱喻。當喧囂群舞退去，夏瑪茲在第三段鑿刻出靜默般的深淵，以天主教性侵案例，形塑出喉頭痙攣的失語體態，既是被噤聲的受難者標本，亦是體制黑箱的病理切片。加拿大裔女歌手派切絲（Peaches）千禧年推出的歌曲《Fuck the Pain Away》吶喊地帶出第四段，宛若集體懺悔又彷彿掙脫壓抑的控訴。舞者們以肢體蔓生至觀眾席，囈語構成無形鎖鏈彷彿將每座孤島串聯成陸。最終段，編舞家以管風琴聲紋滲入眾人毛孔，舞者以肌膚相觸凸顯神性擁抱與肉身禁忌，在後疫情時代迸裂。歷史記憶與身體傳承 反思社會與自我關係夏瑪茲的作品亦關注了身體與歷史的遺產問題。他與烏帕塔舞蹈劇場的合作中，碧娜．鮑許的影響無可避免地成為了《自由大教堂》的一部分。夏瑪茲稱這些與碧娜共同創作的舞者們為「帶有歷史的身體」，這些身體的記憶成為了舞作的一部分。他認為記憶是強大的工具，透過這些舞者，碧娜的遺產得以在作品中延續，並賦予了《自由大教堂》更深的歷史意涵。《自由大教堂》除了是一場舞蹈表演，它更是一次對於自由、歷史與身體的深刻探索。夏瑪茲邀請觀眾走進這座「沒有教堂的教堂」中，反思自己與社會、宗教以及歷史的關係。這是一座既沒有圍牆也沒有鐘樓的大教堂。然而，鐘聲依然響起。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/

　　靈感從何而來？創作如何成形？不只劇場，從影視編劇、小說寫作到Youtube的影音創作，所有創作者都需要「戲劇構作」（Dramaturgy）的思維。在劇場，「戲劇顧問」（Dramaturg）就像是創作者的嚮導與編輯，透過提問、研究、組織與思辨，協助藝術家將腦海中的故事，轉化為舞臺上的震撼。隨著當代創作日益多元與複雜，「戲劇構作」已成為不可或缺的創作方法。為推廣劇場的深度思考與專業養成，臺北表演藝術中心「北藝學院」將於2025年推出「戲劇構作開放課程」，首波春季課程更將從東方古典文學出發，邀請國內頂尖專家學者，帶領學員探索從文本分析到舞臺呈現的創作全貌。戲劇構作：21世紀創作關鍵　　美國戲劇顧問學者瑪格達．羅曼斯卡（Magda Romanska）曾指出：「如果說20世紀可以被稱為『作者導演』的世紀，那麼21世紀將是『戲劇構作』的世紀。」這句話精準點出了當代創作趨勢的轉變：從個人英雄式的創作，走向集體協作、跨界對話。當代美學不再迷信天才，而是強調創作過程中內、外部的交流與激盪。戲劇顧問正是因應此趨勢而生的重要角色，帶著跨領域的知識與視野，與創作者並肩作戰，透過不斷對話，挖掘作品的深度與廣度。　　對藝術總監、導演、劇作家、編舞家等創作者而言，戲劇顧問是作品內部的第一位評論者。他們在創作過程中全程參與，透過敏銳觀察與深入提問，協助創作者釐清思路、探索更多可能性，讓作品的意涵更豐富、更具層次。　　戲劇顧問也扮演對外溝通的橋樑。比如負責撰寫節目冊、向行銷團隊解說作品，確保作品的核心精神能準確傳遞給觀眾，建立創作者與觀眾間的有效連結。北藝學院：培養新一代劇場人才　　作為一種理論與實踐並重的創作方法，「戲劇構作」完美體現了「北藝學院」的精神。北藝中心董事長王文儀強調，臺灣的藝術人才具有多元、跨領域的特色，並能同時掌握華語文化與歐美劇場趨勢。學院的成立，正是希望提供劇場愛好者一個逐夢舞臺，透過系統性的課程與實作，培養更多具備國際視野的優秀人才。正如莎士比亞名劇《皆大歡喜》所言：「世界是一個舞臺」，北藝中心期許與創作者共同完成一場場穿越古今的藝術壯遊。名師匯聚：「戲劇構作」課程亮點　　本次課程師資陣容堅強，深耕戲曲領域多年的王安祈老師，不僅是國光劇團的靈魂人物，更是臺灣「戲曲構作」的先行者。王安祈老師將以《閻羅夢》、《孟小冬》、《三個人兒兩盞燈》等經典作品為例，分享她如何以「構作」思維，結合文本改編、跨界合作、傳統再詮釋，成功為國光劇團開拓年輕觀眾市場，讓傳統戲曲在當代煥發新生。　　而專精古典文學研究的胡曉真老師，則將帶領學員從「構作」的角度，重新審視古典小說的敘事策略與人物塑造。將以《珍珠衫》、《金瓶梅》、《兒女英雄傳》等經典文本為例，深入剖析其中如何藉由話術與敘事設計，營造情節轉折、刻畫角色性格，讓學員掌握「以古鑑今」的構作方法，為當代劇場創作注入豐沛的靈感與養分。　　除了深厚的學理基礎，課程更強調實務應用。資深戲劇顧問吳政翰老師，將從學理與實務層面，完整介紹「戲劇構作」的核心概念與發展歷程，說明如何以戲劇構作方法閱讀並解讀文本，與創作者一同將概念轉化成舞臺形式。　　全期總導師汪俊彥將整合前三位講師的所學，透過實作工作坊，讓學員親身體驗「戲劇構作」的應用。為期五天的深度工作坊，將涵蓋文本分析、劇場美學史、文化脈絡、當代觀眾心理等多元議題，讓學員在實作中掌握「構作」的精髓，培養美學思辨與創作應變的實戰能力。　　2025北藝學院「戲劇構作開放課程」，集結國內頂尖師資，結合東西方經典，打造理論與實務兼具的學習體驗，不僅是一門課程，更是一把鑰匙，開啟您通往劇場創作核心的關鍵之門。春季課程招收30名學員已迅速額滿，9至12月的秋季構作課程，將以西洋經典作品為主軸，屆時亦將邀請國內外重量級學者與劇場工作者擔任講師。相關報名資訊預計7月公布完整課程，簡章與報名連結，請見北藝學院官方網站。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life/event/1889862118044786688臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/