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在文化部與駐雪梨辦事處文化組推動支持下，澳洲2022第二屆BLEED數位現場雙年展（Biennial Live Event in the Everyday Digital）首度跨越邊界，由臺澳四場館聯合舉辦，於今(29)日開始。臺灣策劃的三個節目分別是吳其育在台北當代藝術館的《白浪的定居殖民博物館》計畫、蘇郁心與安琪拉．戈歐（Angela Goh）在臺北表演藝術中心的現場演出《克賽諾牡丹預報》、以及蘇文琪的線上展演《謝謝電影神》。四位藝術家今日都來到北藝中心暢述他們對當代藝術如何在線上和實體之間遊走、觀眾如何體驗這雙重存在的看法。BLEED 2022由墨爾本藝術之家（Arts House）及雪梨坎貝爾敦藝術中心（Campbelltown Arts Centre）發起，是一項為期六年的計劃，探索現代人對線上文化的感受，透過線下與線上展演，讓觀者探訪、觀看、聆聽與閱讀我們對網路上與現實生活中身分所產生的陌生感。第二屆加入北藝中心和台北當代藝術館(以下簡稱當代館)共同策劃成一個跨國際的展演，也為本屆主題「邊界」帶來另一層意義。新媒體藝術家暨編舞家蘇文琪推出《謝謝電影神》（Thank You Movie God）計畫，藉由轉譯其早先的VR作品《黑洞博物館+身體瀏覽器》到線上放映的過程，進一步探究3D與2D之間空間維度的劇場性、映像的編碼與變奏及電影藝術的生產與辯證。蘇文琪說現在表演作品搬遷到線上放映幾乎類同於走進劇場看表演般自然不過，藝術家如何在網路及實體空間接待觀眾，讓兩者不再是二元對立的多重宇宙，是這部作品想要探索的。《謝謝電影神》於9月6-8日在線上展演。《克賽諾牡丹預報》（Paeonia Drive）由臺灣視覺及影像藝術家蘇郁心與雪梨舞者暨編舞家安琪拉．戈歐（Angela Goh）共創，兩人對自然與科技、身體與影像的關係都有興趣，在2018年於北藝中心「亞當計畫」認識後，產生了合作的念頭。作品從名稱到內容都充滿「重意」、「疊影」，揉合影像、裝置與現場舞蹈，蘇郁心與戈歐角色常常交會互換，觀眾遊移在現場，隨時改變觀看的角度。這個過程不斷在建構身體的形象，也不斷在解構這個形象，質疑今天的我們，如何在實體與虛擬的雙重現實裡找到我們的主體性。演出時間為9月3及4日。當代館策劃的《白浪的定居殖民博物館》（The Pailang Museum）包括一個數位互動網站作品及兩場線上演講透過錄像創作的形式呈現，即日起於線上及當代館現場展區展至9月25日，白浪博物館是一個致力於委任思辨寫作、放映項目、去殖民導覽，和實驗電影製作的媒體小組，由臺灣藝術家吳其育發起。「白浪」源自臺灣原住民族借閩南語音「歹人」對臺灣漢人定居者的稱呼。儘管白浪在口語中已經成為中性詞彙，定居殖民結構的影響仍延續至今，隱藏在日常生活事物的紋理當中。白浪博物館嘗試揭露「白浪凝視」及經常被自然化的歷史性關聯，也積極講述定居殖民結構對自然生態及其物種的各種組織方式。這三件作品分別在美術館、劇場和線上展演，形式結合互動網站、影像、表演、VR、田野調查、裝置等，充份顯示當代藝術家在創作時已不再侷限於媒介、類型、甚至國界，而是各取所需，不斷創新，不斷打破舊有的框架。北藝中心董事長劉若瑀表示，這次的臺澳跨機構合作對北藝的意義重大，尤其在全球疫情持續影響下，讓北藝能持續推進與國際藝文從業者的對話。北藝作為亞太地區的新興藝術機構，與澳洲夥伴聯合籌辦BLEED 2022，將開啟北藝在跨文化、跨領域面向的新篇章。當代的藝術愈來愈重視跨界合作，觀眾在美術館裏可以看表演，在表演場館裏也有視覺藝術家的作品，北藝中心的跨界合作，這才開始。當代館駱麗真館長表示，能夠參與BLEED 2022盛會，透過四個城市的跨國團隊在近一年的線上籌備討論有關全球關注的前沿議題，是一件難能可貴的事情。這次藝術家吳其育以全新計劃《白浪的定居殖民博物館》來回應，以「白浪」對台灣漢人的稱呼作為計劃名稱，來探索土地的歷史與反思，從各人類族群、歷史及各個國家之間的邊界交界狀態，擴延至作品的線上互動呈現，精準的回應本屆雙年展的主題，期待透過這次的合作，能夠將臺灣優秀的藝術家計畫介紹給全球的觀眾，同時透過持續有機的對話，展開更多未來合作的可能性。查詢BLEED 2022節目內容：https://bleedonline.net/tw臺北表演藝術中心：https://www.tpac-taipei.org台北當代藝術館：https://www.mocataipei.org.tw/tw趙紹伯攝影

西班牙編舞家瑪芮娜．麥斯卡利(Marina Mascarell)應臺北藝術節之邀，與舞蹈空間舞團合作，在臺北表演藝術中心藍盒子演出《異托邦喧嘩．沉默不再》，舞者亦樂器，用身上穿戴的水管、磚瓦等物件，一邊舞蹈、一邊奏出奇異的聲響，創造一個可看亦可聽的舞蹈世界。「物件女王」麥斯卡利擅長將她關注的議題，化為具有生命力的物件，透過活靈活現的探索與發展，創造出引人入勝的總結。此次第六度來台，與長期合作的舞蹈空間持續深度交流，在藍盒子劇場以四面舞台塑造一個表演者與觀者共感的沈浸式演出，一吐三年來全球疫情對藝術家深深壓迫的鬱悶。《異托邦喧嘩．沉默不再》靈感得自末日科幻小說《播種者的寓言》（Parable of the Sower），情節設在一個地球暖化和貧富不均而文明崩壞的末日後世界，麥斯卡利建構的舞台世界，也讓人起同樣的聯想。地板上鋪著起皺的厚紙板，舞者身上套著水管、穿著磚瓦、彷彿是從垃圾堆中翻出來的衣物。這些額外的物件，給舞者帶來不同的動作可能性，有時把身體的線條延長，有時成為需要克服的阻礙，有時又是可以共舞的對象。麥斯卡利形容這支舞作有如一趟旅程，「帶著觀眾從一個世界到另外一個世界，這些物件像是造了一座森林景，有不同的挑戰，最後又回歸平淡的世界。」舞蹈空間藝術總監平珩表示：現代人怕熱、怕蚊蟲、怕不舒服，怕的事很多很多，文明帶著我們進步，在享受進步的種種便利後，在生活技能上其實反而退化？一群來自四方的「邊緣人」，用完全不同於常人的方式溝通交流，從彼此的聲響找尋到不可思議的共識，以建立的新常規而尋找到新生的力量。這個群體也像是為我們發聲，倘若只有暄嘩，我們不可能理解彼此，在更臻理想的「異托邦」世界中，我們需要真正「進化」！為生動呈現這靈敏又讓人身歷其境的聲音，特別邀請法國音景設計達米安．巴贊（Damien Bazin）來台，將舞者們從各方收集到日常素材，延伸出晶瑩剔透的音質，以台灣特色景觀及聲音為動力與動能，引導觀眾進入這個特別的旅程。更特殊的是這些物件與物件、與地板、與空氣、與舞者的碰撞摩擦，都會發出意想不到的聲音，形成現場奇異的音景。麥斯卡利的作品擴大了舞蹈的可能性，也改變觀眾看舞的期待。每一次來臺，都給舞者和觀眾新的挑戰和經驗，能在疫情下克服萬難在臺灣待好幾個星期，與舞蹈空間的舞者共同打造出這個絕對前衛又絕對深植人心的作品；台灣舞者的亮眼表現，也讓瑪芮娜極為讚賞，明年將率領舞團前往德國演出。趙紹伯攝影

拉縴人男聲合唱團、FOCA福爾摩沙馬戲團與導演王嘉明三個不同領域的藝術創作者，共同合作出《達文西的notebook》，是臺北表演藝術中心開幕季精神的具體實踐，「混搭」、「跨界」合作是這次開幕季的一大主軸，讓不同領域的藝術家碰撞出創作的火花，而即將於8月26-28日在臺北表演藝術中心大劇院演出四場的《達文西的notebook》，融合合唱、戲劇、馬戲來呈現這位文藝復興時期代表人物豐沛的想像，也將混搭與跨界徹底實踐。今年慶祝創團25周年的拉縴人，以挑戰男聲合唱的極限著稱，除了積極接軌國際，創下名列世界排名第一的男聲合唱團紀錄外，在開拓當代原創曲目、介紹國際多樣化的合唱團隊、以及本土合唱推廣上，也有出色的成果。成立12年的FOCA福爾摩沙馬戲團，自創團起便走訪國際大小舞台，亟欲從中式傳統的雜技訓練中找到新的創作路線，除了積極與各國當代馬戲交流，更多次嘗試與不同藝術家、團隊跨界合作，顛覆大眾對於馬戲的想像。有科學背景的王嘉明創作兼具實驗性和大眾化，並透過表演形式的特殊設計，與演員共同挖掘、面對和思考劇場表演的可能性。達文西這位文藝復興代表人物，更是眾所周知的多才多藝，在繪畫、雕刻、建築、科學、發明、數學上都有劃時代的城就，只是沒聽說過他會唱歌、馬戲或是戲劇，而拉縴人、FOCA和王嘉明偏偏就從這些角度去呈現這個傳奇人物的成就。文藝復興之所以成為人類文明的轉捩點，正來自異種多元的文化刺激，兼具古往今來和東西交匯的特色，正與《達文西的notebook》的創作精神不謀而合。達文西的《最後的晚餐》、《蒙娜麗莎的微笑》、《維特魯威人》、人體解剖圖、飛行機以及筆記本裏真實和幻想的塗鴉，都成為團隊創作的發想，中西名曲像是《詩人之戀》、《兒時情景》、《Both Side Now》、《明天就是下一生》與倒立、抛棍、疊羅漢、滾輪等馬戲穿插，把達文西的想像力延續到21世紀的臺灣，探討移民、同志家庭、地球暖化等當代議題。在創作發展的過程中，拉縴人和FOCA交互訓練，各自學習對方的專長，借用彼此的美學概念，讓彼此創作的方法因此而有互換、激盪的可能。擅長跨界創作的劇場重量級導演王嘉明，帶領八位歌手與六位特技演員，從達文西無數筆記草稿尋找路徑，如同解剖學般，發現馬戲和合唱中都具有的表演特質，拆解劇場中語言、聲音、動作和空間等元素，再重新組合結構；同時，融合表演者的生命經驗，挖掘每個人的內在宇宙，以提問的方向，和達文西的藝術作品、科技發明、建築設計產生對話，發展出如詩般的表演文本。趙紹伯攝影

[臺北訊]當代舞蹈大師薩維耶・勒華(Xavier Le Roy)為慶祝臺北表演藝術中心開幕，特別演出三件作品，包括兩件已列入教科書的經典《情境產物》和《自我未完成》，以及與香港舞蹈家余美華合作，為北藝中心量身定製的《Still (life) in Taipei 》。勒華今(22)日下午表示，創作不只是為解構，也要建構，至於建構出什麼，有時候因觀者而異，不必限定。薩維耶・勒華與余美華剛結束檢疫隔離，即來到北藝中心與藝術家林人中和國立臺北藝術大學助理教授張懿文對談。北藝中心執行長王孟超指出，在疫情的情況下，國外的節目能不能順利演出，常常是未知數，現在藝術家順利完成隔離，是大家的福氣。《Still (life)》10月1日的演出，適逢白晝之夜，會從上午11點一直持續到午夜，發生在北藝中心不同的空間裏，很讓人期待。張懿文在介紹勒華時說，《情境產物》和《自我未完成》都是她讀書時就已經列入教科書裏的經典作品，終於來到臺灣，愛舞者一定不能錯過。勒華來臺多次，之前透過作品與本地年輕編舞家合作，後來她常在這些人的作品裏看到蛛絲馬跡，突顯出國際合作的意義。勒華說《情境》代表他生命的一個歷程，當時有人邀請他在生物學與舞蹈間找出連結，所以他借用科學研討會的形式，其間穿插舞蹈，去建構他這樣一個由科學轉入藝術的身份認同，並探討我們生命中不同經驗是如何形塑我們的性格。《自我》是一個持續不斷的動作，在緩慢的身體變形過程中，讓觀眾自己去體驗，而每個人看到的東西，會因為他自己的生命經驗而不同。舞評常說他的舞是解構，但建構也是很重要的。林人中指出，勒華這次特別為北藝中心做的《Still (life)》會用到建築裏不同的空間，讓民眾與作品在有機的環境下不期而遇，會是一個極為特殊的經驗。勒華說能專為一個新的場館創作，又是在疫情的情況下，他很高興也很感動。《Still (life)》與七位住在臺北的舞者合作，在創作的過程中，每個人要提出一段自己與臺北的特殊關係，然後由這個關係發展出舞蹈動作，並會與現場觀看者互動。作品的名稱取自繪畫的「靜物」，從靜物裏我們看到的一是環境、二是畫家為何選擇這些物件的心態，所以這個作品也顯示舞者與環境的關係。余美華表示，她雖然身在香港，對於北藝中心落成也很興奮，因為這對臺灣及亞洲的藝術家都是很有必要的。她與勒華此來，希望透過作品刺激大家去思考什麼是「中心」？什麼是institution？如何與每個人建立關係？《Still (life)》從身體去看這個關係，每個人一路走來，會收集了很多「靜物」，它們都會形塑我們面對生命的態度。臺北表演藝術中心開幕季薩維耶・勒華系列演出包括：《情境產物》(Product of Circumstances)8/27 (六) 19:30、8/28 (日) 14:30《自我未完成》(Self Unfinished)9/10 (六) 19:30、9/11 (日) 14:30余美華＆薩維耶・勒華《Still (life) in Taipei 》9/17-18、9/24-25、10/1-2三個週末在北藝中心公共空間不期而遇趙紹伯攝影

金曲歌王桑布伊首次登上全新的臺北表演藝術中心舞台，搭配作曲家林桂如、導演陳彥斌Fangas Nayaw、編舞家董怡芬，以打擊樂、舞蹈、影像等當代劇場元素重新詮釋桑布伊的歌謠，今(19)日起在臺北表演藝術中心大劇院演出《永晴之許》四場，帶領觀眾從遠古走進當代、再走向未來，共同期待永遠晴天的許願。臺北表演藝術中心董事長劉若瑀在今(19)日舉行的彩排記者會上說，北藝中心成立以來就有一個願望，要讓不同領域的藝術家可以「混搭」、「碰撞」，創作出觀眾以前沒看過的節目，《永晴之許》就是這樣，以桑布伊歌曲為原素材，採用西方的打擊樂五重奏方式重新編曲，並加上舞蹈和影像等視覺效果，讓桑布伊的樂迷聽到他音樂的不同可能，不熟悉桑布伊音樂的觀眾，可以感受這個來自山林雲霧的天籟之音的現代性。林桂如說，這個作品不是擊樂伴奏桑布伊，而是擊樂與桑布伊歌聲的合奏，因此怎麼樣抓住兩邊契合的點，對歌者本人也是很有挑戰性。「我們把桑布伊自己的作品，縯繹出與專輯裏不同的風貌，希望觀眾來欣賞。」桑布伊說這次和不同的創作夥伴合作，是很好的體驗，不僅是歌聽起來不同，裏面有舞蹈、影像、燈光等，也是很新鮮的嘗試。董怡芬說，「桑布伊聲音的感染力就非常強，所以我也要找到一個有力的身體存在的方式。我這次編舞，要打破以人為中心的本位主義，舞者的形像是流動的，有時候是自然景觀、有時是動物性，在不同的身份流動中創造律動性。」陳彥斌Fangas Nayaw說《永晴之許》有許多個別獨立的劇場元素，創作的過程就是在不斷嘗試如何讓他們加乘、整合成一個新的東西。「觀眾進到劇場，是花時間和我們一起見證作品的誕生。北藝中心是一個新的劇場，這個作品更要讓大家有新的體驗。這條期許的路上有波濤有黑暗，但終究會走到終點的亮光。」趙紹伯攝影

臺北表演藝術中心是一個自由表達的舞台臺北表演藝術中心正式啟用受國際矚目，獲倫敦《泰晤士報》(The Times)、《金融時報》(Financial Times)、《經濟學人》雜誌(The Economist)、《藝術新聞》(The Art Newspaper)、BBC古典音樂網等知名媒體大篇幅報導，香港《南華早報雜誌》列為旅遊必到景點之一。這些報導不僅介紹北藝中心獨特的設計，更強調值此台海關係緊張的時刻，北藝中心的出現見證了臺灣自由民主開放的軟實力。《泰晤士報》於8月11日大篇幅報導北藝中心開幕，以「一棟吸睛的亮眼建築是臺灣新的文化武器」為標題，引言即點出，北藝中心在美國眾議院議長裴洛西來訪後幾天以喜樂的心情正式開放，顯示了在中國軍事威脅下大無畏的精神。文章接著說，臺灣政府視藝術為一項重要的軟實力武器，因此這棟由荷蘭建築大師雷姆．庫哈斯和大衛．希艾萊特設計，極為吸睛的建築，可以視為是臺灣要在世界舞台上扮演重要角色的象徵。北藝中心執行長王孟超在接受為北藝中心開幕特別來臺的泰晤士報資深記者訪問時指出，臺灣可以自由表達意見，觀眾態度也很開放，北藝中心將利用這個自由開放的環境，來探討本地關切、和國際接軌的議題。報導指出，臺灣想贏得這場以小搏大的文化戰爭，北藝中心必須能成功將臺灣藝術推到國際舞台上，如果這說起來是期待過高，那是因為北藝中心「不是一棟一般的建築。」但撰文記者表示她被「庫哈斯和希艾萊特的功能與形狀都同樣突出的大膽幾何設計征服了。」建築內部設計以實用為主，刻意暴露某些內部結構和管線，但是一進到劇場內，就如進入了藍色的「平靜的綠洲。」《經濟學人》也以「臺北表演藝術中心是一個自由表達的舞台」為標題報導北藝開幕。這篇報導指出，開幕季的37檔節目，從傳統新演的魏海敏京劇、布拉瑞陽的原住民舞蹈、到周東彥的同志情慾，都在慶祝「臺灣生氣勃勃的社會，有力宣示這個島的民主價值和國際影響力。」而王孟超在訪問時把臺北比喻為華文世界的「燈塔」，照亮所有人的創作自由。重要藝術專業媒體《藝術新聞》7月號把都在年中開幕的香港故宮文化博物館和臺北表演藝術中心做對比，指出香港故宮所在的西九文化區是當今世界最具企圖心的文化建設之一，但愈來愈嚴苛的言論管制，讓很多人擔心。相形之下，「北藝中心是在文化自由的環境中開幕。」王孟超說沒有政府箝制言論的臺灣，可說是處在「劇場創作的黃金期，」民間劇團可以自由選擇與任何創作者合作，即使在疫情期間，創作活力仍十分旺盛。《金融時報》則在報導中指出北藝中心是「連接高雅文化與當地社區的橋樑。」其開放性因此與高高在上的兩廳院很不一樣。希艾萊特說打破民眾與劇場的隔閡是他們設計的要點，因此設計了公眾可以參觀的回路，不進到劇場裏也可以感受劇場氣氛。但是報導也不諱言外界對北藝中心的批評，像是大劇院座椅破損、冷氣不夠、指標不明確、厠所大排長龍等。王孟超解釋椅子破損是因為工程延宕和原來的承包商破產，正在加緊搶修，重新包椅布，並尋求長期解決方案。希艾萊特說其他有些問題，在逐漸優化後應該會消失，「這樣的劇院一開始總是有些問題，需要一段時間來調適。」北藝中心在動工期間即廣受國際矚目，並曾被美國有線新聞網CNN選為2021年全球最具變革力的建築之一。 「臺北表演藝術中心是一個自由表達的舞台」— 經濟學人 「一棟吸睛的亮眼建築是臺灣新的文化武器」— 泰晤士報 「連接高雅文化與當地社區的橋樑。」— 金融時報 「...象徵一個城市的雄心，同時也代表現代臺灣的自信和都會性格--不受限的文化軟實力可以彌補政治孤立。」—法蘭克福匯報 BBC古典音樂網 南華早報雜誌 藝術新聞