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尋找摯友卓明消失的聲音　遍歷戰後臺灣歷史與反思小劇場史「這個戲可以作為我的墓誌銘。」年近八十的臺灣小劇場先驅王墨林，首度以獨角戲正面凝視衰老，將逾40年的劇場實踐、生命記憶與臺灣戰後歷史帶上舞臺。2026臺北藝術節《最後的錄音》將於10月16至18日在臺北表演藝術中心藍盒子演出。王墨林集概念、導演與表演於一身，從摯友卓明的記憶重探臺灣小劇場歷史，並與山謬．貝克特（Samuel Beckett）的《克拉普最後的錄音帶》（Krapp's Last Tape）跨越時空呼應，也以此作為對自己劇場人生的一頁回顧。舞臺上，只有一張桌子、兩張椅子。王墨林坐在其中一張，另一張空著的椅子，既是留給已經離世的卓明，也留給那些透過聲音與記憶，重新回到王墨林生命中的各種靈魂。從1980年代投身臺灣小劇場運動，到以創作、評論與行動劇場持續介入社會，王墨林始終站在體制的邊界質問。如今，當他親自站上舞臺，衰老的身體、停頓與晃動都成為作品的一部分；觀眾見證的，不只是一齣演出，更是一個人如何以肉身重返自己走過的歷史，挑動習以為常的劇場與表演認知。從消失的錄音出發　以卓明召回臺灣小劇場記憶卓明離世前，王墨林曾錄下兩人的談話，想留住摯友最後的聲音。然而，隨著科技設備代代更迭，舊有檔案逐漸難以辨識、讀取，曾經被保存的聲音終究消失，記憶彷彿也與不斷更新的媒介失聯。「我知道我在錄音的過程中，有一種想要把他留下來的情感。那個瞬間想起來，仍然既遠又近。」對王墨林而言，尋找卓明的聲音，不只是追念一位故友，也是重新打開兩人共同走過臺灣小劇場的各種路線與爭執。那段無法找回的錄音，牽引出一個世代的理想、行動、差異與失落，也讓《最後的錄音》從私人記憶走向更深的追問：當肉身消逝，什麼能夠真正留下？那些難以完整記錄的藝術實踐，仍未闡明的政治判斷，又該如何進入我們的集體記憶？呼應貝克特時間命題 王墨林與衰老正面對峙這段消失的錄音，也讓王墨林與貝克特筆下《克拉普最後的錄音帶》呼應：年老的克拉普反覆聆聽三十年前的錄音，在過去的聲音裡重新審視與懷疑自己的選擇、欲望與失落；《最後的錄音》裡王墨林從尋找卓明的聲音開始，進入戰後臺灣與冷戰世界的殘酷，撬開小劇場的神話，最後也走向對自身生命的回望。《最後的錄音》戲劇構作汪俊彥指出，王墨林與克拉普最深刻的疊合，正在於「以一個人的意識與精神，直接面對肉體衰老」。王墨林將過去的自己與此刻逐漸衰老的肉身相互映照，所浮現的不只是回憶，更是一種無可迴避的悲愁，但從未停止的力量也始終伴生。王墨林自述：「《最後的錄音》真正令人不安的，不是將自己呈現在觀眾面前，而是重新召喚三、四十年前的王墨林。」即使作品取材自他的記憶與昔日文章，再度面對時，過去的自己卻已陌生得如同他者。「那是從記憶角落裡掃出來的灰塵」他形容，當年近八十的自己回望一路走來的過往，彷彿兩個靈魂同時在身上存在，而過去的自己作為「他者」，又與昔日卓明的生命纏繞，更引出眾多仍在歷史徘徊的幽靈。「我要試著把這東西解開的話，是要很撐得住的」。從挑戰他人到接受挑戰　王墨林首次獨自承擔舞臺一向以導演和評論者身份挑戰他人的王墨林，這次首次以表演者身分獨自承擔舞臺。他坦言：「我以前都在挑戰別人、挑戰我的演員，可是這一次，是我一直被挑戰。」從概念、編導到演出，劇本一路修改至第八版；創作不只是他對自身記憶的反覆推敲，也在戲劇構作汪俊彥及陳界仁等合作夥伴的提問下，持續拆解、重組。排練過程中，汪俊彥從1970年代戒嚴時期的知識與思想背景切入，與王墨林重新梳理1980年代臺灣小劇場興起前，較少被看見的歷史土壤。汪俊彥認為，王墨林雖始終處於學院體制之外，他的創作、思想與行動，正是揭露臺灣劇場史無法完整、也不可能完整的關鍵。《最後的錄音》因此不只回望一位藝術家的生命，也讓散落於個人記憶中的歷史，重新進入時代的視野。本次演出由當代藝術家陳界仁擔任舞臺設計、黑名單工作室創辦人王明輝擔任音樂設計，與王墨林共同建構一座由身體、聲音與記憶交織而成的劇場。王墨林說，這或許不是一件百分之百完美的作品，然而，當他親自走進舞臺，以肉身承接一生難以言說的歷史與失去，「這件事情，對我的生命是完美的。」北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：王墨林以近80歲之齡，在《最後的錄音》中以肉身重返自己走過的歷史。（臺北表演藝術中心提供）

從一起吃飯、在城市迷路，到以洗頭、按摩探索親密關係，日常生活如何成為藝術創作？臺北表演藝術中心（北藝中心）2026「亞當計畫」（ADAM）十月在臺展開系列活動，由林人中擔任策展人，透過「藝術家實驗室」、「新作探索」及「交流與論壇」三大單元，呈現以藝術家為核心的跨文化交流，也看見一件作品誕生之前的提問與探索。亞當計畫自2017年創辦，持續支持亞太藝術家的創作與跨國合作。策展人林人中表示，今年以「關係待確，藝術未滿」（Holding Situationships）為主題，重新思考藝術家、策展人與機構之間的關係。他也指出，計畫不預先設定成果或創作方向，而是保留時間與空間，讓不同文化背景的藝術家透過相遇與對話發展想法。每一次分享都是暫時停靠點，讓作品持續成長，也讓一次性的交流有機會延伸為長期合作。藝術家實驗室：雙城駐地　從共同生活尋找創作靈感今年「藝術家實驗室」由臺灣劇場導演李銘宸與菲律賓藝術家奈絲．蘿柯（Ness Roque）共同擔任客席策展，以「洗衣日」（Laundry Days）為主題，邀請藝術家暫時放下成果要求，像洗衣、整理生活一樣，重新調整步調，甚至留一段「只是單純做一個人」的時間。奈絲指出，除了安排好的活動，「一起吃飯、迷路，以及重新找到回去的路」，同樣是駐地的重要部分。藝術家在共同生活中聆聽彼此、感受城市，讓研究隨著日常經驗展開。八月，來自印尼、越南、香港、菲律賓、澳洲、日本與臺灣的七位藝術家，已在馬尼拉走訪城市及周邊地區的自主經營藝術空間。奈絲觀察，即使缺乏機構支持，當地藝術家仍以「自己動手做、與他人一起做，以及自我組織」的精神持續創作，也讓參與者思考如何在有限資源中建立互助網絡。七位藝術家於10月5日至18日在臺北延續研究，並於10月15、16日公開分享，呈現兩座城市的生活經驗如何帶來新的創作思考。新作探索：從駐地靈感走向舞臺　創作持續生長「新作探索」讓發展中的作品與觀眾相遇。藝術家張剛華自2018年參與亞當計畫，即以身體接觸作為探索人際關係的入口，展開田野調查與藝術實踐。從2019年的《洗頭》到今年的新作《按摩，然後結婚》，他將短暫的身體接觸與長久的關係承諾並置，追問親密與信任如何形成，以及慾望、照顧與權力如何交織於人際互動。阿姆麗塔．赫皮（Amrita Hepi）則帶來《先知（微劇透版）》。作品於她參與2024年「藝術家實驗室」期間逐步成形，今年回到亞當計畫呈現，展現駐地交流如何透過持續支持，由藝術家發展為新作。交流與論壇：與國際策展人慢慢聊　讓創意找到合作契機「交流與論壇」聚焦創作背後的策展、支持與國際合作。其中「與策展人有約」以「Slow Dating」放慢交流步調，每回安排15分鐘一對一對話，讓藝術家與策展人分享創作想法、實踐方法與發展中的提案，從理解彼此開始，尋找合作契機。論壇將探討策展如何促成藝術家、機構與觀眾的相遇，以及身體如何承載故事、經驗與身分，並思考藝術如何回應社會的不確定與動盪，從抵抗與團結中尋找行動的可能。參與交流及論壇的國際專業人士，包括印尼舞蹈節總監拉特里．阿寧迪亞賈蒂（Ratri Anindyajati）、日本港區立港藝術中心m~m節目總監相馬千秋（Chiaki Soma）與靜岡縣舞台藝術中心藝術總監石神夏希（Natsuki Ishigami）、馬來西亞吉隆坡藝術節藝術總監陳豐愛（June Tan）、香港M+博物館CHANEL資深策展人及流動影像部門主管蘇筱琪（Silke Schmickl）與逸東酒店文化總監陳敬元，以及莫三比克KINANI 國際當代舞蹈平台藝術總監基多．滕貝（Quito Abrão Tembe）等，將從藝術節、博物館到當代舞蹈平臺的工作經驗出發，分享支持創作與推動跨國合作的不同做法。以臺北為起點　北藝中心持續串連亞洲創作網絡亞當計畫開幕演出《拉什麼龐克 II：檳榔綠》將於10月15日晚間6點登場，作品由阿美族藝術家陳彥斌 Fangas Nayaw編創，於2025年里昂舞蹈雙年展首演。陳彥斌以「原民龐克與未來主義」為起點，透過音樂、舞蹈與身體，探索傳統文化逐漸消逝後的未來想像，賦予原住民舞蹈新的歷史想像。臺北表演藝術中心（北藝中心）節目部經理林采韻表示，北藝中心以「亞洲共製中心」為定位，透過今年邁入第九屆的亞當計畫，以藝術家為核心，串連亞洲各地的藝術家、場館、藝術節與文化機構，讓駐地研究與交流逐步發展為跨國共製。臺灣自由開放的創作環境，也讓臺北成為藝術家交換想法、發展作品的重要據點，為臺灣及亞洲創作拓展國際合作的機會。開幕演出、論壇及系列活動詳細資訊，請見亞當計畫官網。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：亞當計畫策展人林人中（前排右起）、客席策展人李銘宸、奈絲．蘿柯，與七位藝術家於馬尼拉和臺北進行駐地研究。（臺北表演藝術中心提供）

當代最具國際影響力的法語劇場導演、電影《烈火焚身》原著劇作家瓦吉．穆阿瓦（Wajdi Mouawad）首度來臺，於2026臺北藝術節一次呈現兩部橫跨創作生涯的重要作品：《海之邊》（Littoral）10月2、3日晚間7時30分於臺北表演藝術中心大劇院演出；《孤身》（Seuls）10月3、4日下午2時30分於球劇場登場。9月30日他也將出席此次來臺唯一一場公開講座，分享其跨越文字、影像與舞臺的創作世界。臺北表演藝術中心表示：「瓦吉．穆阿瓦不只是一位導演，他本質上是一位純粹的『寫字的人』。在20世紀末法語劇場走向碎片化與解構之際，他以強烈的衝突、英雄命運與未曾說出口的痛，宣示了『文本與大敘事』的全面回歸。 」八歲離開黎巴嫩，寫作是他唯一擁有的國籍 1968年出生於黎巴嫩的瓦吉．穆阿瓦，八歲因內戰隨家人離開故鄉，流亡巴黎，少年時又移居加拿大魁北克。在一個人最需要確認「我是誰」的年紀，不斷經歷遷徙、語言轉換與身分斷裂。寫作反而成為他始終能夠帶在身上的東西。穆阿瓦曾提及，自己的40部作品中有36部與黎巴嫩相關。他藉由創作一次次返回黎巴嫩，把戰爭、流亡和父母未曾說出口的故事，放入宛如古希臘悲劇的巨大敘事結構，揉合電影般的蒙太奇、濃烈而詩性的劇場語言，以及魔幻寫實與時空跳接，讓一個家族的私密創傷逐漸擴張為一個世代的生命史詩。然而，這位不斷在作品中返回黎巴嫩的劇作家，現實中卻始終面對「無法真正回家」的處境。2024年，穆阿瓦原訂於貝魯特莫諾劇院（Théâtre Monnot）世界首演《克羅馬儂人的婚禮》（Journée de noces chez les Cromagnons），卻因過往作品涉及以巴議題，以及曾與以色列藝術家合作、赴以色列演出，引發「與以色列關係正常化」的法律舉報與政治爭議；劇組及劇院陸續面臨安全威脅後，演出最終於開幕前夕取消。對一生反覆書寫故鄉、卻難以真正返回故鄉的穆阿瓦而言，「寫作是我唯一的國籍」不只是抒情隱喻，更是其生命經驗的寫照。在荒謬現實中淬鍊冷幽默：雙劇作以「父親的遺體」與「失語的自白」翻轉當代史詩 此次來臺的《海之邊》與《孤身》，展現穆阿瓦在沉重的現實困境中提煉出令人莞爾的生活冷幽默，同時展現非凡的舞臺調度。《海之邊》 借用古典《奧德賽》史詩遠征結構，卻創新地將「父親的遺體」作為推動劇情的載體。青年威弗里德帶著素未謀面的父親遺體返回飽受戰火蹂躪的故土，卻在破碎的土地上四處碰壁、找不到一塊可以下葬的泥土。全劇巧妙穿插主角腦中幻想騎士的童年防禦機制，甚至以宛如處理冷凍庫食材般的黑色幽默調侃現實窘態。沿途結識一群失親青年同行，將一場荒誕的送葬之旅轉化為熱血的生命突圍。穆阿瓦重新改寫了古典悲劇：當代的考驗不再是天神降下的詛咒，而是平凡個人如何在荒唐的地緣政治中找回尊嚴。《孤身》則是由穆阿瓦親自編、導、演的經典獨角戲。故事圍繞一名因博士論文卡關、與父親疏離且逐漸遺忘母語的青年展開。穆阿瓦以節奏明快、機智幽默的臺詞，粉碎獨角戲自怨自艾的沉悶框架；舞臺上靈活運用大面積即時投影、答錄機錄音與越洋電話，無縫切換多重生活場景與精神空間。從家庭通話的日常尷尬到色彩斑斕的視覺噴發，整齣戲以極致流暢的空間轉換，將語言的迷失化為一場節奏明快、充滿動態美感的劇場演出。 文字跨越舞臺與銀幕　9/30穆阿瓦親自剖析「讓陰影書寫」穆阿瓦強大的敘事能量，讓他的文字不僅只在劇場大放異彩，更走向銀幕。其代表作《血誓四部曲》（Le Sang des promesses）系列第二部《烈火焚身》（Incendies）由加拿大導演丹尼．維勒納夫（Denis Villeneuve）改編為同名電影，2011年獲第83屆奧斯卡最佳外語片提名，使穆阿瓦的作品進一步走向全球觀眾。2024至2025年穆阿瓦更受邀登上法蘭西公學院（Collège de France）開設年度講座，以劇作家身份走入思想殿堂。臺北藝術節「人物筆記：讓陰影書寫」講座另將於9月30日晚間7時30分，在臺北表演藝術中心藍盒子，邀請穆阿瓦與臺灣導演王世偉展開對談，從《海之邊》、《孤身》兩部作品出發，梳理穆阿瓦如何以「旅程」作為劇場結構，串連離散經驗與家族創傷，並使用豐富的舞臺語言讓記憶重新被觀看與感知。講座免費參加，可於OPENTIX索票入場。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：瓦吉．穆阿瓦《海之邊》劇照（臺北表演藝術中心提供）

一座獎，不只是肯定，更是下一個創作的起點。第二屆「臺北戲劇獎」於7月6日落幕，臺北表演藝術中心（北藝中心）隨即啟動「2026第二屆點亮劇場發展獎助計畫」（點亮計畫），攜手企業及民間資源支持劇場創作者，以團隊15萬元、個人9萬5千元獎助金支持得主持續創作。同時延伸人才培育，將於12月推出得獎人物講座及工作坊，從創作獎助到人才傳承，讓臺北戲劇獎的舞臺能量持續發生。企業攜手支持劇場創作　讓臺北戲劇獎得主走更遠「點亮計畫」自首屆臺北戲劇獎推動以來，持續獲得企業界響應。在「台灣產業創生平台」創辦人暨董事長黃日燦的號召下，大瓏企業股份有限公司、貿聯集團、鑫聯大投資控股股份有限公司，及不具名的企業夥伴，以實際行動支持劇場創作與人才發展，攜手共築文化永續。北藝中心董事長王文儀表示：「特別感謝企業夥伴的慷慨支持，他們不只是提供資源，更實際走進劇場、看演出、關注臺北戲劇獎的頒獎典禮，真正關心臺灣劇場人的發展。讓創作者知道，他們的努力有人看見，也有人願意一路陪著走下去。」這份支持直接回應創作者在創作路上的需要。第二屆臺北戲劇獎最佳戲劇類女演員得主徐堰鈴表示：「感謝點亮計畫讓我心中萌生更明確的劇場責任，因而能有機會和演員們交流表演藝術，更是莫大的快樂。」獲最佳音樂劇類男演員獎的宮能安也分享，點亮計畫令他「既驚喜又溫暖，給予演員與創作人更多空間與餘裕，能專注於創作與自我成長」；音樂劇傑出創作者獎（作曲）得主張清彥也表示：「點亮劇場的獎助計畫讓創作的環境越來越好，也讓創作者越來越自由。」從作品誕生到人才接力 「點亮計畫」持續發生首屆「點亮計畫」的支持已逐步轉化為實際創作成果，同黨劇團以《父親母親》獲第一屆臺北戲劇獎最佳戲劇獎後，今年推出經典重演，結合現代劇場獨腳戲與傳統布袋戲的《白色說書人》；最佳音樂劇獎得主僻室House Peace，則將《我的初戀是頭鹿》進一步製作為原創音樂劇專輯，讓獎項的肯定不只停留在頒獎時刻。第二屆「點亮計畫」延續首屆成果，從支持創作進一步走向人才培育，今年12月8日起推出「臺北戲劇獎得獎人物講座及工作坊」，打開得獎者各自的創作現場，分享方法、思考與實踐，展現劇場創作者不拘泥於單一形式、持續跨域探索與創造的本質。系列活動包括《女王的名字》導演王嘉明攜手最佳聲音設計得主柯智豪、林芳宜，回望導演構想如何與聲音、音樂彼此碰撞，在協作中形塑作品；最佳戲劇類男、女演員林子恆、徐堰鈴則帶領工作坊分享多年表演經驗與體悟，透過交流與對話，帶領參與者探索表演的更多可能，讓獎項所肯定的創作能量進一步轉化為傳承與人才培育的力量。2026第二屆點亮劇場發展獎助計畫申請名單 莎士比亞的妹妹們的劇團 魏海敏X王嘉明《女王的名字》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳戲劇獎 將於2027年推出新作，敬請期待。 嚎哮排演《別叫我成功：藝術界歸來的兒子》 ｜第二屆臺北戲劇獎 最佳音樂劇獎 預計於2027年進行音樂劇演出，敬請期待。 明日和合製作所《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳獨立精神獎 將於2027年前往歐洲進行《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》巡演。 洪千涵、洪唯堯、曾睿琁 明日和合製作所《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳導演獎 洪千涵將於2027年推出全新導演作品，敬請期待。 張加欣 盜火劇團《隔壁房間的大象》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳編劇獎 得獎作品《隔壁房間的大象》將於2027下半年重演。 李柏霖 台南人劇團《水中之屋》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳舞台設計獎 將於2027年擔任戲劇作品之舞台設計，敬請期待。 鄧振威 綠光劇團 綠光世界劇場《八月，在我家》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳燈光設計獎 預計於2027年參與音樂劇作品之燈光設計，敬請期待。 趙天誠 再現劇團《落人之家》 ｜第二屆臺北戲劇獎 最佳服裝造型設計獎 預計於2027 擔任戲曲作品之服裝設計，敬請期待。 柯智豪、林芳宜 莎士比亞的妹妹們的劇團 魏海敏X王嘉明《女王的名字》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳影像／聲音設計獎 林芳宜預計於2027年參與跨域作品之藝術概念發想與作曲；柯智豪將於2027年進行歌詞與音樂分享，敬請期待。 張清彥 作曲-嚎哮排演《別叫我成功：藝術界歸來的兒子》｜第二屆臺北戲劇獎 音樂劇傑出創作者獎 預計於2027年擔任音樂劇之作曲與編曲，敬請期待。 林子恆 同黨劇團《灰男孩》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳戲劇類男演員獎 將於2027年參與得獎作品同黨劇團《灰男孩》演出。 徐堰鈴 楊景翔演劇團《蘑菇》｜第二屆臺北戲劇獎 最佳戲劇類女演員獎 將於2027年參與《孃孃狂言》巡演。 宮能安 唱歌集音樂劇場《今晚，我想來點》翻轉の人生音樂劇｜第二屆臺北戲劇獎 最佳音樂劇類男演員獎 將於2027年參與《地球人遇見小王子》巡演。

深耕臺灣當代舞壇20年，驫舞劇場今年以全新製作《大群舞》集結創團元老與新世代舞者，將成軍20年的創作經驗與身體記憶搬上舞臺，以各自獨特的身體，在群聚、碰撞與重組之間，交揉經典的過去、當下的念想與對未來舞蹈的提問。《大群舞》9月12、13日於臺北表演藝術中心球劇場演出。作為年滿20歲的生日慶，2026臺北藝術節與中國信託新舞臺藝術節聯名推薦的《大群舞》，由蘇威嘉編舞，林璟如擔任服裝顧問，「一公聲藝術」擔綱擊樂共創與現場演奏。演出者齊聚驫舞劇場三位創團元老：陳武康、蘇威嘉、周書毅；長期與舞團並肩演出的葉名樺、方妤婷、陳珮榕；以及謝知穎、鄭紫彤、薛人愷、蔡昀庭、陳鈺晶、夏震緯這六位年輕世代舞者，展開一場關於「個體與群體」的身體實驗。2026臺北藝術節與「中國信託新舞臺藝術節」雙節聯名，由臺北表演藝術中心攜手重要夥伴中國信託文教基金會，共同支持驫舞劇場20週年《大群舞》計畫。從一群舞者走到成軍20週年，驫舞展現了最動人的核心精神：舞蹈從來不只是一個人的修行，而是一群人彼此支撐、共同續航的旅程。此次攜手各界，就是希望為推廣當代舞蹈跳一場「大群舞」，讓更多優秀、跨世代的臺灣舞蹈家被看見。12個「很不一樣的身體」　群舞不是抹平差異，而是尋找共振《大群舞》聚集12名舞者，時而獨行、時而成對，又驟然聚攏成群，在呼吸、步伐與力量的推移之間，不斷改變彼此的關係。創團時被媒體貼上「唯一全男舞團」、「每個人的身體都很有特色，很難群舞」的標籤，蘇威嘉在這次的作品中以12個「很不一樣的身體」回應，不論是性別組成、個體差異都不必然成為驫舞的特色。對驫舞而言，真正的群舞是讓每個人充分展現自身差異，再從差異之中尋找共振。這樣的群體關係，源自驫舞20年前便開始的創作實驗。2004年，陳武康號召蘇威嘉、周書毅等剛從舞蹈學校畢業的夥伴成立驫舞劇場。他們在排練場裡一次次摸索，從各自創作再串聯，到彼此干擾、互編互跳、爭辯甚至投票，在磨合中建立創作方法，也確立「個體各自奔馳、群體共同前進」的精神。經典彩蛋解構重組：從《速度》、《自由步》到跨世代身體交接驫舞的20年，也經歷了從「一起創作」到「各自探索」的轉變。蘇威嘉與陳武康在《兩男關係》後暫緩合作，並非因為理念不合，而是兩人發現彼此的創作越來越相似，於是兩人各自走出不同路徑，蘇威嘉持續深耕身體質地與結構，陳武康則拓展不同創作領域。看似分開，卻讓驫舞累積了更寬廣的創作經驗，也成為20年後《大群舞》重新回望的重要基礎。《大群舞》從驫舞過去的創作經驗中整理身體記憶。蘇威嘉重新拾取《速度》、《骨》、《正在長高》、《自由步》乃至《速度》的三人舞、牛頓鐘擺式獨舞，以及《鼓》的五拍子五人舞等經典片段，拆解、翻攪，再放進新的舞作，成為作品中的「彩蛋」。20年熟成　向「20+」奔馳《大群舞》不單只是創團22年的回顧演出，而是一場「時間參與其中」的辯證。當蘇威嘉和陳武康再次面對昔日作品中的動作，發現有些段落已經「跳不動了」，周書毅卻接下挑戰：「我來試試看。」對於三位創團元老級舞者而言，同一個動作在多年後的不同可能，也是看見了20週年的舞團並不是把過去保留、封存，而是讓過去重新進入現在，接受不同世代身體的再次詮釋。從早期集體創作的摸索，到聲音、視覺、素人、樂齡與跨界合作，驫舞劇場一路累積出一套屬於自己的身體方法。無論形式如何改變，核心始終未曾離開身體。「我們都很在意身體，想要好好跳舞，認真探索身體可以怎麼動。」當過去與現在相遇，年輕身體與成熟身體相遇，曾經共同創作的夥伴與新世代舞者相遇。經典被重新拆解、重新觀看，也重新交給下一代，向「20+」奔馳。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：驫舞劇場集12位不同世代舞者，並邀請「一公聲藝術」擔綱擊樂共創的《大群舞》，展現編年史般的舞團經驗與特色。（臺北表演藝術中心提供）

2026 臺北藝穗節以「超過一小時的 Golden Hour」為號召，在短短 16 天內集結 171 組團隊、39 個展演場域，於全臺北街頭巷尾帶來近 800 場精彩演出。在這場魔幻的藝術馬拉松結束後，駐節評論人團隊將深刻的觀察與共鳴轉化為各大指標性獎項，「藝穗亮心心」得獎名單在9月5日的閉幕典禮上正式揭曉，為這趟熾熱的夏日藝術旅程劃下亮眼句點。在眾多深具感染力的作品中，最高榮譽「年度藝穗獎」由來自香港的譚安婷團隊《又係女司機（自駕遊版）》摘下殊榮。作品於 2026 年先在香港演出，場場爆滿、廣受好評，此次更跨海來到臺北藝穗節與觀眾相遇。本作從女性在社會中的處境出發，從私密家庭記憶一路延伸至家國歸屬、社會變遷與歷史遺緒，將個人生命經驗推向更廣闊的關懷。創作者將「學習開車走出困局」的隱喻，化為坦然無畏的前行姿態，激勵觀者在變局中握緊方向盤、駛向未知的未來。因應臺北演出，團隊重新調整製作規模、巧妙精簡舞台，在輕裝上路之餘，作品的情感與力道絲毫不減，評審盛讚這是一部探討「勇敢行動」的傑作。創作者譚安婷也興奮地在社群媒體分享：「這是我第一次得獎！」新生力量閃耀藝穗　從原創實驗到社群共鳴各顯鋒芒展現新生代亮眼鋒芒的「明日之星獎」，則由王瑞儀的《女子A！（一種生命的觀測方法）》奪得，作品穿梭於「展」與「演」的形式之間，透過進場時間與觀看位置的差異，使觀看成為不可複製的時間切片，進而深刻追問「觀看如何改變我們所看見的存在」，成功將個人經驗轉化為普遍性的生命提問。「原創精神獎」頒給程壬宣的《暗房》，改編自作家童偉格《童話故事》短篇〈暗房〉 ，作品將私密的「閱讀過程」具象化，導演現場即時打字投影，結合取樣朗讀聲與電音重組，生動重現讀者卡關、放鬆到重新領會的心路歷程，團隊在獲獎時也感性發表感言：「得獎是一件天時地利人和、很需要運氣的事情，希望把這份幸運保留給更多正在這條道路上的創作者。」「創新實驗獎」得主為舊衣菩薩《身體裡的娃娃屋》，將自身與家庭創傷轉化為近似降靈的劇場儀式，賦予觀眾行動與話語權，在真實與表演的邊界上讓傷痛、觀看與陪伴彼此碰撞。體現臺北藝穗節因地制宜最大特色的「最佳空間獎」藤音樂工作室《熱場》，則巧妙運用國立臺灣科學教育館「未來廚房」的空間條件，將音樂、氣味、溫度與食物交織，讓感官經驗成為重要創作語彙，呈現飲食、表演與觀眾緊密交織的流動風景。除了空間與型態的突破，展現社群連結與深度自省的作品同樣耀眼。獲得「特別獎」的大寫軍團工作室《AWW！ㄠˋ臺北舞會》，以 Voguing 舞蹈與 Ballroom 文化為核心，交織酷兒訪談錄像與身體展演，讓多元樣態的個體同台綻放，推進酷兒文化走入公共視野。創作者表示，這次演出由整個臺灣 Ballroom 社群共同陪伴完成，也希望告訴所有人：「世界這麼大，總有一個角落，會愛著身而為人的你。」另一項「特別獎」伽利略計畫《它仍然在動：公轉第七年》，由王瑋廉以太陽系八大行星為靈感，策劃獨角戲與跨域觀演實驗，展現從自我出發、連結集體世界的探索精神。他也以「大膽去假設，小心謹慎去求證；愛你心中的藝術，而非藝術中的你」勉勵創作者，持續相信藝術與理性的力量。而代表大眾共鳴與喜愛的「觀眾大心獎」，最終由變裝劇樂部《天保》在觀眾熱烈響應下高票當選。藝穗精選獎十作齊發　從身體實驗、時代印記到親子戲劇各有驚喜此外，今年更有 10 件作品榮獲「藝穗精選獎」，在藝術深度與大眾共鳴之間展現出豐富而成熟的舞台語言。黃羿真 x MISSTAKE《寸步：從利賀到哩賀》透過實際操演鈴木忠志表演法，真誠呈現肌肉關節顫抖失衡之際，表演者意志力與身體弱點的搏鬥；情緒實驗室《思：一顆心的四個腔室》善用通透的多隔間空間，將展品、影像與現場行為轉化為容納情緒與思考的處所；好人好事製作《幻想的產物》以近未來仿生人為題，靈活運用排練場空間進行讀劇，在科技倫理與親密關係之間展開對人的深切關懷；天台製作《卡啦OK》則在一首首經典香港流行金曲中，把 97 年香港的大時代記憶與家庭成長故事細膩扣合，深刻牽動觀眾情緒。本屆跨界與敘事的靈動表現同樣令人眼睛一亮。自由拍《自由拍：她來聽我的演唱會》將傳統竹板快書與現代音樂喜劇絕妙碰撞，把通俗愛情故事翻轉出幽默節奏，讓傳統技藝以輕盈姿態被重新看見；只有三顆的北斗七星劇團《紅顏或水腫》從真實身分冒用事件出發，透過多重媒介的懸疑敘事勇於暴露創作矛盾，挑戰道德邊界；培養皿工作室《煙霧中長大的孩子：防空洞裡學會的事》結合手機網頁與警報聲，打造沉浸式戰爭體驗，展現對全球戰火處境的敏銳關懷；達秋劇團《滿目春色藏不住》以宋遼邊界的解庫（當鋪）為故事背景，透過假喝酒真喝醉等設計，在真假灰色地帶間展開流暢又迷人的辯證。作為臺北藝穗節中少數的兒童節目，路歧合作社《滴答走，送鐘去！》走讀版以溫暖誠懇的偶戲陪伴，勇敢觸碰兒童節目罕見的死亡課題；玩劇盒子《太陽的寶貝雲朵》則精準掌握學齡前幼兒認知特性，將抽象的時間與陪伴化為動人意象，呈現難得的幼兒佳作。2026 臺北藝穗節以這份耀眼的得獎名單，為創作新興團隊劃出邁向廣闊未來的自由軌跡。「超過一小時的 Golden Hour」將時間的定義權重新交還給創作者與觀者，證明真正的魔幻時刻從不被鐘錶束縛，更將以不設限的姿態，持續在城市的每一個角落與人們的心中閃耀延續。2027 年臺北藝穗節活動期間將於明年一月公告，請密切留意臺北藝穗節官方網站。獎項名單公告與得獎理由臺北藝穗節官方網站臺北表演藝術中心Facebook臺北表演藝術中心Instagram