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　　隨著城市入夜，街道亮起各式各樣的燈光，人們在日常節奏中穿梭於空間之間，卻很少意識行走本身留下的痕跡。12月24日起，臺北表演藝術中心（北藝中心）將迎來「親・建築」的第二件作品——《光蹤》，由藝術家鄭先喻創作。作品延續「北藝生活」計畫的策劃脈絡，從「建築即表演藝術」的概念出發，讓光隨著行走的身影流動，在城市日常之中留下一道短暫而清晰的軌跡。　　《光蹤》透過 AI 與機器學習驅動的影像系統，引導電腦控制的燈光，在指定區域內追隨行人的移動軌跡，創造出如同自動舞台追光燈（Follow-Spot）的效果。當觀者進入感應範圍，一束光便會鎖定並隨行移動，使行走中的身影被清楚地照亮。這種互動將那些平常隱沒於人群中的身影，短暫地推向「被看見」的位置。　　光也因此不再只是環境背景的一部分，而是成為一種回應行走路徑的存在。《光蹤》讓光隨著人們的步伐生成、移動，並在離去後消逝，使行走本身化為一場短暫而完整的表演。我們期待這道隨人而行的光，不僅照亮北藝中心的夜，也讓人們在忙碌之中停下片刻，重新感知自身與城市空間的存在——每一步都在這裡留下痕跡，而城市的光景也因此更加生動。被光標記的瞬間，行走成為城市中的表演　　測試時，鄭先喻觀察到各式截然不同的反應：有的人在被光追隨時略顯驚嚇、隨即躲避；有的人又驚又喜，甚至在光移動後主動追逐；也有人自在地走在光中，甚至刻意放慢腳步享受被注視的過程。他認為，這些反應之所以有趣，正是因為它映照出人們在「被看見」時的不同心態，而行走本身也暫時脫離通往目的地的功能性，轉化為如走上舞台般的瞬間，沒有預告，也沒有排練，每個人都在不經意間成為城市舞台的主角。　　直至2026年12月31日的展期中，《光蹤》將於每日下午4點至凌晨12點，隨著每日不同的人流、節奏與時間生成、延展並消逝，形成一段段短暫卻清晰的軌跡。鄭先喻期待，這樣的光不必被立即辨識為一件作品，更像是一種自然發生於場域中的狀態——彷彿在這樣的地方，本來就會有這樣的事情發生；也因此，這道帶著一點點「暴力」介入感的光，得以打斷通勤的慣性，讓行走中的人突然意識到自己正在被看見，並使原本僅作為通行動線的空間，出現停留與觀看的可能，讓平日未必主動走進劇場或觀看作品的人，也能在日常移動之中與藝術相遇。從點到線，讓親近持續發生　　在策展人黃偉倫的想像中，「親・建築」計劃是一個不斷向外延展的過程。隨著不同的作品介入，建築逐漸成為更多人願意停留的所在，讓原本不走進劇場的人，也能在此放慢腳步、吹風、聊天，使空間轉化為一個可自由進出、參與與使用的文化節點。　　延續這樣的策展脈絡，若說首件作品《晚風》是吸引人們駐足、靠近，產生初次互動的座標「點」；那麼第二件作品《光蹤》，則是象徵著「線」的展開——從停留走向行進、從凝視轉為隨行。作品不要求觀者停下來觀看，而是在行經之時，讓每一個「我在這」的瞬間得以被短暫標記。透過這樣的介入，建築不只是承載節目的容器，而是成為一個能夠感知、回應人們行動的公共場域，使親近在行走之中持續發生。臺北表演藝術中心官網：https://tpac.org.taipei/FACEBOOK：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterINSTAGRAM：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：《光蹤》透過 AI 與機器學習驅動的影像系統，在指定區域內追隨行人的移動軌跡。（臺北表演藝術中心提供）

針對臺北市議員陳賢蔚關切臺北表演藝術中心（下稱北藝中心）戶外廣場地坪破損、修補色差及防滑安全議題，北藝中心今（16）日表示，廣場鋪面破損主因經查證為材質受臺灣氣候影響，導致熱漲冷縮龜裂，非人為或活動破壞。北藝中心強調，現階段修補出現色差，係因水泥養護、乾燥固化的過渡現象，而塗料防滑安全係數均高於標準；為求治本，中心已啟動長期改善計畫，預計於 2026 年下半年進行全面分區施作。臺灣氣候致熱漲冷縮　以標準工序養護確保安全北藝中心啟用後地坪局部出現龜裂、膨脹及鋪面破損等狀況，主要原因為戶外環境長期受大雨、酷熱等臺灣氣候影響，造成鋪面材質反覆熱漲冷縮；同時水氣滲入原始混凝土層，導致鋪面層與底層間產生脫離。針對外界質疑修補方式「如貼藥膏」、甚至出現「黑白錯置」影響市容，北藝中心表示為確保工程品質，地坪修補均依標準流程，共分為五道工序：首先將膨脹破損區域打除並清潔，其次塗佈介面接著劑及水泥砂漿填補；第三階段為關鍵的養護期，水泥須自然乾燥，視天候狀況3天以上，此時外觀呈現水泥原色的灰色；待完全乾燥後，才進行地面研磨及黑白色系鋪面上色，最後再施作冷塑型彩色止滑塗層。民眾目前看到的「灰白色補丁」，係正處於養護階段，並非顏色錯置或偷工減料。若水泥未完全乾燥即上色，水氣被封在塗層內，遇熱易再次起泡、剝落，恐降低修補耐久度。落實場地復原檢查機制　依事實釐清責任歸屬針對外界質疑中心未對租用造成地坪損壞之廠商開罰，恐有管理疏失。北藝中心說明，歷次活動結束後的場地復原檢查中，發現地坪破損多發生於原有材質已受熱漲冷縮影響而產生的「結構性空鼓」或「微裂」區域，破損區塊分佈於無遮蔽區。經工程專業判斷，此類損壞主因係材質無法適應環境氣候所致。未來仍將持續嚴格執行場地使用規範與巡檢，確保責任歸屬明確。安全數據：防滑係數符合兩項法規標準針對外界關切戶外廣場地坪濕滑所衍生之公共安全疑慮，北藝中心表示，依北市都發局「無遮簷人行道」地坪防滑係數測試標準，規範須達0.55以上，中心經專業檢測結果為0.84，地坪防滑係數高於標準；另經施作止滑劑後，再進行英式擺錘防滑測試，平均值達63 BPN，亦高於交通部交通工程規範一般道路標線抗滑值50 BPN之要求。啟動長期改善計畫　過渡期強化巡檢確保安全鑑於中心戶外廣場原鋪面材質在臺灣氣候條件下出現「水土不服」現象，中心已同步啟動「臺北表演藝術中心黑白地坪研究專案」研議長期改善作業。自114(2025)年10月起，陸續邀集專業研究單位及原設計單位OMA等進行現勘與研究會議，洽詢專業單位進行新材質測試，以找出最適材質與解決方案。時程上，預計115(2026)年6月底前完成實地測試與研究報告，115(2026)年下半年將依研究方案分區施作改善工程。圖：北藝中心地坪持續進行維護並已啟動長期改善工程。（臺北表演藝術中心提供）

適逢表演工作坊成立40週年，賴聲川導演率團於臺北表演藝術中心（北藝中心）帶來壓軸大戲《那一年，我們下凡》。對於賴導演在訪談中盛讚北藝中心為「世界級劇場」，並視為相當喜愛的演出場地，北藝中心全體同仁深受鼓舞，對此肯定致上最誠摯的感謝。針對外界長期關心的「座椅舒適度」議題，北藝中心表示，已規劃於民國115年（2026年）委託專業機構進行全方位的座椅改善研究建議，依據臺北市市有財產報廢處理原則，北藝中心球劇場座椅財產使用年限至116年底、大劇院座椅財產使用年限至117年底，待現有財產依規定屆齡後，將依據專業評估啟動改善工程。評估面向包含演出團隊最在意的座席數量（影響票房）、觀眾觀賞視野的排距與寬度，及階梯落差的建築安全結構、座椅下方的空調出風口配置，以及專業場館最核心的聲學測試。中心將在「符合團隊需求」、「提升觀眾舒適度」與「維持建築聲學與美學完整性」之間取得最佳平衡。中心一向非常重視每一則意見，更致力每一位觀眾擁有最佳觀賞品質。北藝中心再次感謝賴聲川導演的提點與愛護，正如導演所說：「劇場與城市生活的距離不應遙遠。」我們誠摯邀請觀眾朋友走進劇場，在欣賞《那一年，我們下凡》精彩演出的同時，也與我們一同見證這座屬於民眾的文化場館不斷成長與進步。圖：北藝中心致力於每一位觀眾擁有最佳觀賞品質。（臺北表演藝術中心提供）

　　由臺北表演藝術中心（北藝中心）、法國國家舞蹈中心（Centre national de la danse, CND）以及香奈兒品牌共同合作的2025 Camping Asia，為期兩週的「未來藝術學苑」於11月21日圓滿閉幕。舞蹈營打造出為期12天的沉浸式營隊，與舞蹈節的一系列演出、論壇、影展，讓跨領域、跨世代、跨文化的藝術家、教育及文化工作者，以及下個世代的學子，在此以身體相遇，讓改變正在發生。多元身體與教育前線　跨文化能量持續　　2025 Camping Asia以臺北表演藝術中心為平臺，串連跨文化議題與亞洲藝術教育現況，使身體藝術的創作與教育需求能在此被看見並獲得回應。策展人林人中指出，本屆公開論壇分別聚焦「我們的身體，時代的律動」與「舞動未來：給下個十年的舞蹈宣言」兩大主題。前者由臺、法、德、英國女性藝術家領銜，從「女性視角」展開多聲部對話。林人中表示：「這些藝術家在各自的身體、社會與文化處境共享如何發聲、並將社會參與放在藝術創作的核心」。　　以女性視角出發，延伸至酷兒與 BIPOC（Black, Indigenous, People of Color）議題的倡議。林人中直言，這對亞洲藝術家而言別具重要性。近年亞太藝壇越來越支持女性創作者的同時，也讓藝術家得以自信展現身體及族群藝術更多元的機會，具備明顯的時代意義。他也補充：「Camping Asia 長期與女性創作者合作，這也與香奈兒致力支持女性藝術家的精神相呼應。」　　論壇的另一焦點為「舞蹈教育的未來」，特別邀請年輕世代藝術家與教育者共同討論，希望促成「學界與業界」同場交流，更呈現第一線藝術教育的真實現況。來自日本、泰國、新加坡等地的與談者分享各國體制下的限制——從言論自由的受限、產學落差到畢業後職涯扶植的各地文化發展。「正因為這些差異與對文化基礎建設的關照，更凸顯了 Camping Asia 作為國際交流平台的價值：在這裡，學生能獲得超越原生教育系統的視野與刺激。」藝術家感受臺灣觀眾熱度　演後座談爆滿成亮點　　「臺灣觀眾的能量令人驚艷。」今年演出節目每場均有超過半數的觀眾留下來參與演後座談，澳洲塊動舞團（Chunky Move）製作人就笑稱，「在澳洲的演後座談常常沒人留下」，特別能感受到臺灣觀眾的投入與渴望理解作品的態度。在臺進行亞洲首演的《動作以上以上動作》（Mouvement sur Ｍouvement）、《即席寫真》(Find Your Eyes)，藝術家更是表示臺灣觀眾的交流「細緻、有深度，並充滿好奇心」。　　2025 Camping Asia 的大堂課中，布拉瑞揚舞團以深植部落生活的創作能量，帶領學員走入傳統歌謠、舞步與身體連結。不論是否出身舞蹈科班、來自本地或國際，甚至只是長期關注藝文的觀眾，都能在踏併步的律動與牽起手的共感裡，盡情釋放熱情與活力。在布拉瑞揚及舞團舞者的引導下，參與者遊走於場館角落，以聲音與身體回應他人及周遭環境；沒有排練、沒有預設，卻意外形成層次豐富而和諧的聲部，讓布拉瑞揚直呼：「超乎預期的驚艷！」學員也分享「雖然體感很累，但非常開心」，「很療癒」。從呼吸、節奏到肢體能量的釋放，在共舞中找回舞蹈最純粹的本質。　　今年的 Camping Asia，除了匯聚來自歐亞16所藝術院校、逾130名學員與23位跨域藝術家，在為期兩週的「未來藝術學苑」中開拓身體藝術的無限可能之外，論壇、影展、大堂課、學校馬拉松等多項公眾參與活動也在北藝中心全館展開，並獲得熱烈迴響。整體活動累計近 9,000 人次參與，展現 Camping Asia 在國際舞蹈教育與跨文化交流議題的高度影響力。教室與城市之間　身體打開新舞蹈語言　　來自各校的學員在國際師資帶領下擴延認識身體、文化差異與集體創作的力量。多位學員提到《機神祭》排練指導瑞秋．寇森（Rachel Coulson）的課程帶來截然不同的身體經驗。「上她的課時間過得很快，會一直想嘗試新東西。」瑞秋結合跑酷、街舞與舞團肢體語彙，強調同一動作能因人而生出多種版本，讓非科班生也能參與。「原先做不到的動作竟然在課上被突破，才發現身體還有很多可能。」　　舞蹈科班生也分享啟發：在技術之外，更需要重新追問「什麼是舞蹈？」菲律賓藝術家奈絲．蘿柯（Ness Roque）的工作坊從簡單動作拆解出發，以非舞蹈視角找尋肢體的共通性，「像是在教我們如何合作。」泰國藝術家燕麥小姐（Miss Oat）則以酷兒文化與少數族群議題為創作背景，鼓勵學員質疑「標準化的舞蹈」。有學員說：「我的作品一直被質疑，但在這裡得到了肯定。」　　16所院校匯演的「學校馬拉松」展現各具特色的創作——國立臺灣藝術大學舞蹈學院以華麗的水袖身段亮相，臺北市立大學舞蹈學系以《小王子》為靈感，邀請觀者走進舞者的星球，國立中山大學劇場藝術學系以作品呈現戲劇能帶來的能量，實踐大學媒體傳達設計系把即時影像與現場烤土司融入演出，增添五感體驗。　　學生自主設計內容的「早課」也成亮點，來自法國的巴黎高等美術學院把班級帶入下著雨的臺北街頭，以彼此的身體感知環境並相互協調；日本女子體育大學示範忍者文化的「結印」。跨校學員透過課程快速打開交流，法國巴黎高等美術學院學生分享：「Camping Asia的意義是感受回歸，回到5歲時開心跳舞的自己」。從亞洲到歐洲　改變正在發生　　林人中回顧2019年第一屆至今，最深刻的觀察在於Camping Asia不只改變亞洲學生，也深刻參與法國當代舞蹈的文化轉型。　　他指出，過去歐洲的藝文視野多集中於歐美，但與北藝中心長期合作、共同設計多元文化節目後，「法國團隊開始逐漸理解亞洲文化的多樣性」並且將臺灣看到的節目模式、文化多樣性帶回法國，進一步影響CND的節目結構與策展思維。同時，臺灣多位曾參與Camping或Camping Asia的年輕創作者，也已開始嶄露頭角，在創作視野與藝術生涯選擇上展現明顯轉變。　　「這裡的課程與刺激，是傳統體制中學不到的。」林人中強調，Camping Asia的意義仍在持續延展。「國際藝術家來到臺灣不只分享，也重新理解世界；學生在這裡獲得的新能量，也會改變未來的創作與選擇。」疫情之後重新接軌的國際藝術網絡，在此被重新串起，並持續為亞洲舞蹈教育帶來新風景。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：早課中，日本女子體育大學示範忍者文化的「結印」。（臺北表演藝術中心提供）

　　當靈性與科技交織，血液開始沸騰、神經隨節拍震顫，崇拜與出神不再是禁忌，而是一場未來的集體儀式。來自澳洲墨爾本，以突破類型疆界聞名的塊動舞團的塊動舞團(Chunky Move)，攜手爪哇實驗電音團體Gabber Modus Operandi、峇里島時尚品牌Future Loundry，以及國際知名的動畫機械設計團隊 Creature Technology Co.，共同打造的跨界大作《機神祭》(U>N>I>T>E>D)，展現強烈的感官能量與未來氛圍，將於 11 月 20、21 日於臺北表演藝術中心藍盒子隆重登場。　　《機神祭》融合舞蹈、科技、裝置、聲響與時尚，舞者身穿靈感源自越野機車，由回收材質製成的機械骨骼服飾，在迷幻電音與霓虹光影中，輪流化身為半人半獸的「後人類神話生物」，在閃爍燈光與霧氣之中不斷變形、組合，構築出如「龍舞」般的集體身體，象徵超越個體界限的共感與意志。演出以威脅開場，經歷拒絕與解放，最終走向重生。在迷幻電音與霓虹光影中，展現人類、機械與靈性之間的深層對話。　　由Gabber Modus Operandi 設計的音樂融合印尼甘美朗(gamelan)、電子舞曲鐵克諾(techno)等風格，加之以嘶吼重拍，創造出充滿張力的音場；Creature Technology 設計的外骨骼裝置服，則賦予舞者既受限卻別具震懾感的肢體張力。整體視覺深受1980至90年代科幻電影與峇里島儀式文化啟發，結合祭祀般的舞臺氛圍與象徵性肢體編排，觀眾彷彿進入一場夜店、儀式與音樂會交錯的感官盛宴。數位與儀式之間 尋找人類共生之歌　　《機神祭》的誕生，始於Chunky Move與Gabber Modus Operandi長達3年的共創。兩組創作者透過社群媒體相識，共鳴於當代人處於後現代都市，在技術與資訊轟炸之下，仍然對「儀式」與某種失落的「集體感與神聖感」存在憧憬渴望。2020年雙方首次在峇里島會面後遂展開一系列創作討論，2023 年更進一步深化合作。　　「我相信所有人類製造的物質都具有靈性。」塊動舞團藝術總監安東尼．漢密爾頓(Antony Hamilton)說。《機神祭》因此充滿「機器神祕主義」的詩意，希望藉由這場作品提醒觀眾，「人類與物質世界的連結比想像中更深；我們並非與地球分離，而是彼此共生。」他也在作品中將「龍」作為核心意象：既是科幻與神話的象徵，亦是人類文化的集體想像與恐懼。龍在此作為精神符號，象徵力量與恐懼的共存，在回應了創作初心——在數位混音與機械脊骨中甦醒的靈性召喚。　　2023年潮流品牌 Future Loundry 加入團隊，冰冷科技中隱約滲出宗教與儀式光芒的外骨骼裝置服於是誕生。「人類的身體在科技化的都市環境中會如何表現？」安東尼如是思考，並指出對舞者而言，外骨骼成為挑戰與再造的工具，他表示：「穿上裝置後的動作就像倒著學騎腳踏車，我們得重新發明一種支持外骨骼運動的編舞語言。」符號「>」的融合寓意 集體創作指向合一　　《機神祭》在冷冽的科技感、生猛的叢林景觀、電音節拍與後人類哀歌交錯中，最終指向「合一」的喜悅與力量。安東尼指出，這部作品落實了一個簡單而深刻的信念：「當我們能彼此更和諧地連結，人類就能變得更好、更偉大。」　　安東尼分享塊動舞團的創作方式「我們會先收攏問題的背景，在解決過程中找到新的語言。」長期以來總能在挑戰中重新凝聚創作力量，「我通常有很強烈的願景，但也希望作品能容納每個人的聲音。劇場是一種持續合作，從舞台設計師到作曲家，每個人都必須在作品裡找到意義與共鳴。」他指出這樣的創作方法改變了他的編舞方式，也讓團隊重新意識到人與物、環境之間的關係。　　安東尼回顧自己的創作歷程笑說：「我曾想成為電影人、視覺藝術家，最後選擇成為編舞者。我總想把生活中影響我的一切元素帶入作品，它們吸引我、指引我，讓我無法抗拒。」在《U>N>I>T>E>D》中，他刻意使用符號「>」，象徵不同文化、經驗與感受的融合。他期望透過這種整合，讓人與人之間的連結更加和諧、完整。關於香奈兒文化基金香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）致力於培養出充滿活力的創作者和創新者網路，盼能推動塑造全球文化的思想發展。核心計畫包括香奈兒藝術合作夥伴，香奈兒支持相關機構的領導者全力發展突破性的長期創新行動，為文化風貌帶來創新思維。CHANEL Next Prize 表彰藝術家，並提供資源及指導機會，為他們未來的成就推波助瀾。而《CHANEL Connects》Podcast 則匯聚來自不同領域、世代與地域的意見領袖，提供發聲平台，探討當代社會所面臨的關鍵議題。從南加州加州藝術學院（CalArts）運用科技激發藝術創新，到柏林漢堡車站美術館（Hamburger Bahnhof）大規模催化創作自由；從威尼斯雙年展力挺具顛覆性視野的藝術家，到與英國電影協會（British Film Institute）攜手表彰傑出的電影導演，香奈兒文化基金全力支持追求讓未來更美好的創意勇氣，延續香奈兒一世紀以來對藝術的承諾。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：20251120 Camping asia《機神祭》總彩 (c) TPAC Photo by 鄭宇辰（臺北表演藝術中心提供）

　　以身體作為見證、影像作為回應，將舞蹈推向更深的情感與社會議題現場。法國前衛編舞團隊狂徒((LA)HORDE))與英國編舞攝影家班吉・瑞德(Benji Reid)，分別在今年的Camping Asia帶來兩部撼動人心的作品《崩世光景》(Room With A View)與《即席寫真》(Find Your Eyes)。11月14、15、16日接續於臺北表演藝術中心登場。《崩世光景》 在崩壞與希望間尋找重生能量　　法國前衛編舞團隊狂徒2019年接任馬賽國立芭蕾舞團(Ballet national de Marseille)藝術總監後，推出的首部作品《崩世光景》，與法國知名電子音樂創作者霍恩(Rone)合作，打造如末日般的舞臺與音場地景，聚集來自多個國家與文化背景的年輕舞者，以強烈身體能量回應當代世界的動盪與崩壞。此作品在疫後問市，關注於人類文明，包括氣候、生態、社會經濟的崩壞，地緣政治、戰爭的緊張與全球化供應鏈系統的脆弱。　　舞臺如一座大理石採石場兀自矗立，潔白而空洞，舞者以肉身回應世界的尖銳，愛與暴力交纏，擁抱與推拒並存，展現脆弱卻不屈的姿態。他們在潔白的石與塵間奔跑、對抗，將青春的挫敗、憂鬱與渴望轉化成如戰歌般的能量。《崩世光景》描繪從環境、生態到父權體系的崩壞與重生。(LA)HORDE集舞者與音樂的能量，傳遞出「即使身處差異，也能在集體中找到光」的力量。　　首次造訪臺灣的 (LA)HORDE，由瑪琳．布魯蒂(Marine Brutti)、喬納森．德布爾(Jonathan Debrouwer)與亞瑟．哈瑞爾(Arthur Harel)組成，三人融合舞蹈、視覺藝術、造型與影像創作等領域，以高度互補的創作能量共構出獨特的美學語彙。團隊自創立之初即以「集體創作」為核心理念，名稱中的「HORDE」 意指「部落」、「群體」，而括號中的法文陰性定冠詞「LA」凸顯三人對流動性別觀的擁抱，性別議題為其創作脈絡中延展不輟的重要主題。　　法國電子音樂製作人與作曲家霍恩以不斷突破聲音與創作界限聞名，在攻讀電影製作時，被法國唱片公司 InFiné 發掘，2008年推出首張EP《Bora》，即獲樂評讚譽。霍恩曾與作家亞藍・達馬西歐(Alain Damasio)、攝影師斯特凡納・庫杜里埃(Stéphane Couturier)共同創作，更於2021年以《夜行巴黎》(Night Rid)榮獲凱撒獎「最佳電影配樂」。他與狂徒合作的《Room With A View》是他首度踏足劇場領域的作品，以電子聲牆與社會意識、未來辯證深度融合。《即席寫真》 光影與身體之間捕捉無聲戰爭　　英國藝術家班吉・瑞德的《即席寫真》以攝影捕捉日常生活中的無聲戰爭——種族歧視、毒癮、社會疏離與創傷。透過舞者在現場的演繹，每一幅影像被賦予身體節奏與情感，讓觀者直面痛苦、掙扎與希望，感受脆弱中的自由與解放。　　聚光燈下，攝影師與被拍攝的舞者同臺共構《即席寫真》，攝影不再只是靜態紀錄，而成為與舞蹈即時交織的現場創作。舞臺化作巨型攝影棚，舞者以身體顯影情緒與傷痛，每一幀影像皆在呼吸、光影與肢體間瞬時生成，無法複製。班吉・瑞德並將非洲未來主義(Afrofuturism)融入舞臺語彙，他或騰空漂浮、或戴上太空頭盔，彷彿穿梭銀河與異次元，作品融入了個人心境與未來想像，引領觀眾重新感受身體、影像與情感如何在生命中交會。　　7歲開始跳舞，40歲前專注於劇場的班吉．瑞德，投身攝影是他對經濟不穩定和日常生活限制的一種反抗。「即使沒有資金，沒有劇場、製作人，我也能繼續創作，IG就是我的藝廊。」在他眼中，劇場、編舞、攝影的本質相同，都是透過影像與故事探討人類處境，他相信影像的力量不在形貌而在於經歷，「我拍的是他們經歷了什麼」。班吉從舞者到導演，再到攝影創作者，他以獨特的「編舞式攝影」思維串連劇場與影像，回到舞臺整合了他創作生涯所有能力，讓藝術實踐合而為一。　　《崩世光景》係新世代藝術視角與淬鍊逾半世紀的馬賽國立芭蕾舞團相遇共創；《即席寫真》由跨足舞蹈、劇場與攝影的班吉・瑞德實踐其「日常戰爭」的創作思維。兩部作品共同展現當代藝術對情感、社會與身體的深刻探索——無論是末日般的舞臺狂潮，或是源於日常的影像實驗，都邀請觀眾以身體與心靈共振，體驗藝術創作的多重可能。關於香奈兒文化基金香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）致力於培養出充滿活力的創作者和創新者網路，盼能推動塑造全球文化的思想發展。核心計畫包括香奈兒藝術合作夥伴，香奈兒支持相關機構的領導者全力發展突破性的長期創新行動，為文化風貌帶來創新思維。CHANEL Next Prize 表彰藝術家，並提供資源及指導機會，為他們未來的成就推波助瀾。而《CHANEL Connects》Podcast 則匯聚來自不同領域、世代與地域的意見領袖，提供發聲平台，探討當代社會所面臨的關鍵議題。從南加州加州藝術學院（CalArts）運用科技激發藝術創新，到柏林漢堡車站美術館（Hamburger Bahnhof）大規模催化創作自由；從威尼斯雙年展力挺具顛覆性視野的藝術家，到與英國電影協會（British Film Institute）攜手表彰傑出的電影導演，香奈兒文化基金全力支持追求讓未來更美好的創意勇氣，延續香奈兒一世紀以來對藝術的承諾。北藝中心官網：https://tpac.org.taipei/購票請上OPENTIX：https://www.opentix.life臉書：https://www.facebook.com/TaipeiPerformingArtsCenterInstagram：https://www.instagram.com/tpac_tw/圖：2025 Camping Asia 策展人林人中（右）分享《即席寫真》帶來的觸動。（臺北表演藝術中心提供）